Talento Creadores: Jacobo Pallarés

JACOBO PALLARÉS.
Talento Creador.es

¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales/escénicas? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Nace de las entrañas. Del deseo. De la crítica. Del compromiso. Del tren. De la lentitud de los trenes. De los paisajes. Del hastío, del spleen. Del dolor. De la lágrima. Del miedo. De la soledad. De la oscuridad. Del abismo. Nace de la tormenta, de la escritura automática. Sobre todo nace de la búsqueda insaciable por querer comprender el mundo.

Me gusta explorar los territorios poéticos, las galerías del alma, la memoria, los desiertos, lo sórdido, el caos.

¿Cómo eso afecta/trabaja en relación con tu labor de gestor cultural/co-director artístico de Espacio Inestable? ¿Crees que la labor en residencia trae frutos en la dramaturgia? ¿Cómo y de qué manera es palpable cuando se muestra en escena? ¿Cómo lo has visto tú?

Afecta a nivel de relato. Lo potencia. Porque crea una dramaturgia, un pensamiento. No soy un gestor técnico aunque también me muevo en esos lares por necesidad del proyecto. soy un gestor artístico, un dramaturgo gestor, un dramaturgista. Por lo que cualquier relato escénico parte de mi pensamiento, de mi actitud frente al mundo. Actitud que no dista de la actitud como gestor artístico.

Las residencias son lugares para explorar. Tanto para los creadores como para los primeros mediadores que somos los responsables de las salas. Los creadores pueden trabajar con tiempo, a partir de un relato inicial que le damos que es una temática que tiene que ver con nuestro pensamiento artístico.

Se nota en escena porque está hecho a fuego lento. El foco está puesto en lo creativo y no en lo exhibitivo. Y eso es un cambio de paradigma en la relación de los espacios con los creadores. así lo veo yo.

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

Cercana podría ser mis orígenes. Mis orígenes salvajes como vorágine, jeremías, fantasías sexuales con Superman… lugares en los que mi dramaturgia se dejaba llevar por la locura creativa y rompía las reglas escritas, la convención, la lógica. Era libre creativamente.

Y ajena, podría ser la subterránea. Me recuerda a esa libertad, a ese caos, a esa poética, a la ruptura y salvajismo. Toda su obra pero en concreto pussy koan.

Gestión y dirección artística del proyecto inestable (tres teatre y teatro inestable desde 1997 hasta 2014. A partir de 2014 codirección, con Maribel Bayona y Rafael Palomares, del Proyecto inestable (teatro de lo inestable, espacio inestable, inestables por la educación, gestora inestable y red escénica).
Co-gestión de la revista teatral acotaciones en la caja negra-red escénica, issn 1695-9485 desde 2000-2011 (25 números en total).
Dirección de la revista acotaciones en la caja negra-red escénica con issn 2386-6152 a partir de 2011 (25 números en total).
Dirección del proyecto europeo “islotes en red” (2011-2013) dentro del programa cultura 2007-2013: proyectos de cooperación línea 1.2.1.
Miembro del Consejo Estatal de la Cultura como representante de la Red de Teatros Alternativos desde 2014.
Dirección del Meeting de Otoño de la IETMValencia 2016. Miembro de la comisión artística de la Programación de los 23 espectáculos para el Meeting, miembro de la comisión de contenidos.
Autor de más de 25 textos dramáticos.
Director de más de 20 espectáculos.

¿Qué puedes contarnos del proceso creativo y de escritura de “Acosos y derribos SL”? ¿Cómo afrontas procesos como este? ¿Cómo afrontarás los del futuro? 

Acosos y derribos tenía mucha presión. Fue una coproducción de la primera edición de las coproducciones públicas. La primera convocatoria después de tiempos oscuros. Y nación con presión y condicionantes. Lo difícil de gestionar un grupo tan amplio, lo difícil de no apartarme de la producción y de la gestión para dejarme llevar exclusivamente por lo creativo. Pero también la magia de los hallazgos en condiciones externas e internas difíciles. El hallazgo de la escritura compartida, de la dirección compartida… el hallazgo como dramaturgo. Lo más interesante para mí, fue el darme cuenta de que no soy director. Entendiendo esto de una manera extraña. No soy director de actores. Soy creador y dramaturgo pero no tengo las herramientas para canalizar toda esta creatividad y visión de la escena a los actores. Por lo menos a los actores creativos. Cuando se trabaja con un guión bastante en blanco y se pide creatividad a todas las partes se deben tener herramientas para canalizarlo. Y yo no las tengo. Las tengo como creador, como dramaturgo y como gestor artístico. Y esto me ha venido de golpe en acosos y derribos sl provocando casi un caos.

Lo nuevo sigue siendo compartido. En la escritura con 8 autores de mi generación que son padres y que hablan a partir de minihistorias de la familia. Algo así como la family cash. Dirección compartida también pero creación y dramaturgia mía.

Pasaste por Creador.es en el año 2014 con Alejandro Tantanian como tutor, ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti? ¿Qué te llevaste de tu paso por Creador.es?

Un lugar de escritura y de pensamiento sobre la dramaturgia textual. Un horizonte de expectativas, un lugar común y propio. Un lugar de comunicación y para compartir y para conectar. Un lugar para probar, para medir, para investigar. Una residencia, vamos.

A mí me aportó un lugar para probar una escritura, una escritura automática. Para darme cuenta de la rareza de mi escritura y de que no soy autor. Autor en el sentido estricto de sentarse a escribir una obra de principio a fin en soledad.

Me lleve la experiencia y las notas de un autor experimentado y consagrado.



Talento Creadores: Erik Leyton

ERIK LEYTON. Talento Creador.es

"El ejercicio de escribir se convierte en una prueba que me divierte infinitamente"

Erik es hijo de la educación pública colombiana. De saco azul, bluyín y bozo precoz estudió en un colegio oficial; luego se compró una mochila guajira y estudió Realización de Cine y Televisión en la Universidad Nacional de Colombia. No contento con ello, embaucó a dos entidades financieras del Estado y le sacó sendos préstamos en dólares para estudiar dos maestrías en España. Ya pagó uno de los préstamos. En dólares más caros. El otro… ahí va. Ahora dizque se metió a hacer un doctorado en Buenos Aires. ¿Ideas para becas, por favor?

Exagerado e intenso como es, desde chiquito se coló en los seminarios que organiza el Festival Iberoamericano de Teatro, para escuchar la carreta que sobre escritura dramática trajeron varios maestros argentinos, chilenos, españoles, franceses e ingleses que pasaron por Bogotá. Hubo profesores colombianos, incluso. Buenos todos. Corrió el vino en esas charlas, vale la pena anotar.

Convencido de que escribía razonablemente bien, y declarándose incapaz para detener el impulso, paralelamente a su trabajo en televisión se dio a la tarea de escribir obras de teatro. Varias. Largas y cortas. Buenas y malas. Sin comprender muy bien cómo sucedió todo, logró enredar a varios directores para montar varios de sus textos en Colombia, México y España. Pobres de ellos.

Ya lanzado como estaba (como sigue), gastó montones de dinero en estampillas para mandar sus obras a concursos internacionales de textos dramáticos. El saldo es bueno: varios premios que le han reembolsado lo de las estampillas.

Y así va por la vida, ahora con más kilos, más deudas y menos pelo, escribiendo varios proyectos de teatro, cine y televisión, presentándose a becas y residencias, encandilando estudiantes de maestría y esperando más cositas bonitas de la vida.


¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Cuando abordo un proyecto de escritura pienso siempre en dos cosas, el fondo y la forma. Para lo primero siempre se me han atravesado noticias que encuentro en periódicos, en la calle, en charlas de amigos, etc. Casi todas esas noticias me terminan llevando a un solo lugar: la familia. Creo que allí está la raíz de todo, de nuestros problemas, de nuestras psicosis, de nuestros miedos y de nuestras alegrías. Se podría decir que ese es mi tema.

Luego, para la forma, siempre me pongo un reto que me obligue a salir del lugar seguro, de la tan manida zona de confort. Se trata de algo parecido a una hipótesis: ¿se puede escribir esto de esta manera, o de esta o de otra? ¿Puedo mezclar formas? ¿Puedo intentar esto o aquello? El ejercicio de escribir se convierte en una prueba que me divierte infinitamente, incluso cuando me pierdo.

¿Cómo estás trabajando en el taller de dramaturgia “El diálogo, más que cosas para decir”?

Me gusta dictar talleres porque me obliga a estar leyendo, escribiendo y probando. En esos encuentros con el que comienza a andar por los caminos de la escritura, me he venido dando cuenta de que una buena parte de los textos nacientes fallan (entre otras cosas) porque hay un descuido y un desdén enorme por el diálogo. Da la impresión de que los personajes pueden decir lo que sea, como sea y da igual el resultado, y creo que eso es un error fatal.

Es mucho lo que se puede aprender sobre el texto dramático, el teatro, la escritura y el lenguaje, sólo en las continuas reescrituras del diálogo de una pieza. ¡Pero mucho!  Me parece que entre más precisión haya en las réplicas de un personaje, más se gana en intensidad.

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

Siento una absoluta debilidad por la dramaturgia argentina. Cada año descubro un autor o una autora que desconocía, textos que me resultan reveladores, formas de abordar la escritura que siento como iluminadores en grado sumo. Es muchísimo lo que aprendo destripando esas piezas para averiguar cómo fue tejida.

No hay una obra en particular o, dicho de otro forma, cada año encuentro una obra que me revuelve la cabeza.

En tu paso por CREADOR.ES trajiste el proyecto “Vueltas en redondo”. ¿Cómo fue el trabajo con Tantanian y el posterior con la comunidad teatral valenciana?

Tantanian es un maestro muy interesante. Tiene un cuchillo muy afilado para diagnosticar un texto, que no para cercenarlo, y a la vez te ofrece un panorama amplio de libertad para la creación de la reescritura. Es un provocador, un tipo simpático que te enseña el abismo y te invita con firmeza que te lances al vacío.

Luego, el acercamiento que tuve con creadores valencianos fue tremendamente enriquecedor. Tuve la oportunidad de compartir con directores, actores, actrices, dramaturgos y académicos. Me sorprendió la fuerza y la valentía que tienen para hacer las cosas a su manera en un país como España. Y me sorprendió porque en Colombia y en Latinoamérica sucede una cosa igual. Es como si el vértigo, el temblor en las vísceras, la rabia, la sed y el nervio que vivimos todos los días acá, tuvieran una fuerza gemela al otro lado del Atlántico. Un encuentro curioso.

Dado tu paso por CREADOR.ES en 2014 con una beca Iberescena, ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti? ¿Qué te llevaste de tu paso por Creador.es?

Sobre todo tiene que ver con el encuentro con otros creadores que tienen una forma de trabajar muy distinta de la tuya. Es la oportunidad de verificar una cosa que te dicen en todas partes pero que la cotidianidad y la urgencia de pagar los servicios de todos los meses termina por ocultar: el mundo es más grande. Muy grande. Aunque los dramaturgos nos preocupemos por asuntos similares, la forma de enfrentarlos siempre es distinta y sorprendente.

Por otro lado, esos días de CREADOR.ES terminan siendo un oasis en el desierto del trabajo diario. Es una absoluta fortuna poder concentrarse en un lugar de creación durante varias semanas únicamente a pensar en teatro, contar con un tallerista que se ocupa de tu proceso de trabajo, y contar con colegas dispuestos a ayudarte con tu texto desde el amor y la generosidad. Es como el ciego que de pronto encuentra manos cálidas que se ofrecen a cruzarte la calle. No me cansaré de agradecer a los organizadores y a mis compañeros “creador.es” por aquellos días tan fantásticos.


Talento Creadores: Anna Albaladejo

Talento Creadores: Anna Albaladejo

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

Una dramaturgia. Enfermos de esperanza del mexicano Enrique Mijares, resume muy bien toda la ternura resistente de la que brota el Alzamiento Indígena Zapatista del 94. Me conecta con la poesía y la esperanza, las enfermedades  que sigue  necesitando el activismo mundial.

Una novela. La niña del faro de Jeanette Winterson, que no sé si es la Virginia Wolf contemporánea, que dice la crítica, pero sí sé que un día convertiré su texto en una dramaturgia explosiva para adolescentes.

Radiografía en síntesis virtual

#Cuerpo#Coco#Actriz#Expandida#Concentrada#Escritora #Antagonista#Doctora Teatro por la UV#Testaruda #Editora#Contra(desde)Cultural#Trasnochadora#Investigadora #Periférica#Directora de escena(s) #Pilatera#Internacionalista#Alérgica alpolvo#Habladora #Escuchadora#Activista#Madre#Máscara#Capitanno Molotov#Manipuladora de muppets#No-Cocinera# Seria#Fronteriza#Sexi#Emotiva#Incontinente#Deseante# Poco sintética#
Esto y a veces todo lo demás.

Recientemente has estado en México con un trabajo de investigación, ¿Qué nos puedes contar de tu experiencia? ¿Cómo es México creativamente? ¿Qué te has traído con idea de allí?

México es mi otra geografía, la que me golpea y me subyuga. Hace muchos años que la persigo.

Chiapas y la poética-política indígena, sincrética, revolucionaria; las luchas creativas y persistentes de los maestros, desde Oaxaca a todo el país y dale al teatro para niños; Veracruz con sus sones tradicionales, su corrupción, sus festivales de danza contemporánea, su maestría de Artes Escénicas; la intensa vida caótica y cultural del DF (hoy CDMX): desde el metro hasta los salones de la academia, de Xochimilco a Coyoacán y de allí a Azcapotzalco, ánimas y huesitos, monte de las hormigas; Guadalajara, la torta ahogada y el congreso de Artes Vivas; el norte y las dramaturgias fronterizas, hipertextos de amor y violencia; los pueblos de Juan Rulfo; las ruinas sangrientas y turísticas de las pirámides, las batallas de electrodance en los parques; las asambleas comunales, la gente. La gente abrazándose en medio de la balacera, insomnes, la piel llena de chile rojo y refresco. La gente que te acoge (con a, te a-coge) como si fueras la última artista sobre el desierto, que te regala su única gota de agua de tamarindo para regar tu corazón.

Este es el México del que me regreso siempre con la idea de volver.

Y mientras, planeo algunas complicidades y escrituras en colectivo, cruzando a nado el océano.

Como colaboradora de Creador.es desde los inicios con las residencias creativas, ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti como anfitriona? ¿Qué te llevaste de tu paso por Creador.es?

El espacio de convivir es lo que yo pondría en valor en Creador.es: las convivencias en las casas donde alojamos artistas que se convierten en amigos (¡¡mi Diana Luque!!!!), en los talleres, mesas de diálogo con agentes y activistas culturales, comidas, salidas al teatro, whasaps y discusiones.

Así, además de cooperar en la formación de sus participantes, genera un espacio de encuentro para creadores de toda latino-america-españa.

Ese es el secreto que hace especial este encuentro. Porque desde nuestras instituciones culturales (ellas se lo pierden), no hay mirada fuera de nuestras fronteras ni espacio para la intersección y el vínculo.

Yo me encuentro como pez atravesando el Atlántico en compañía.

¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Quizás del reciclaje de todo lo que percibo. Me explico: lo que leo, lo que veo, lo que intuyo, lo que siento. Reivindico el plagio libre y el copileft de los deseos. Me contamino y 2+2=5.

Reciclaje atravesado por la consciencia de mí misma, habitando un afuera que a la vez está dentro. Me explico: creo que escribo desde la relación indisoluble de mi biografía íntima (real o deseada) y el contexto geopolíticoeconómicocabalístico. Y convierto el yo en otro(s) y a las otra(s) las extorsiono para habitar mi yo. Si no, no las comprendo.

Y sobre todo, la poesía que colapsa los resquicios de la vida cotidiana y hace que aparezca o no aparezca lo imposible.

La última propuesta tuya que hemos visto “Y si hablarán de nosotr@s” nace con la idea de contar una realidad, que tiene que ver con los desahucios, pero va más allá ¿cómo te llega esta reflexión y que quedó en el espectáculo? ¿Cómo fue el trabajo con las charlas, actividades paralelas que tuvo la propuesta y la reacción con el público?

La idea inicial era hablar del abismo que había entre las noticias de prensa y las vivencias personales sobre la crisis económica (afectiva, cultural, simbólica, etc.) de la España del 2013. Yo sentía que los medios no hablaban de nosotr@s, no hablaban de mí.

La escritura partió de noticias reales de un periódico. En él me topé con que había una sección llamada Desahucios. Y lo entendí: la movilización masiva de los afectados por la vivienda es una quiebra donde se expone el abismo entre la Macro-economía de los bancos y la Micro-economía de nuestras vidas cotidianas. En ese intersticio habitamos las personas: yo, llegando a los 40, clase media cultureta, familia de intelectuales de izquierdas. Yo, enfrentada a los añicos de un espejismo que nunca pensé que fuera a estallar (nunca lo pensé, por mucho que lo proclamara desde mi activismo okupa de principios de los 2000)

Las actividades paralelas eran necesarias porque no se trataba de actuar como un periodismo o una política de la izquierda tradicional para sentar nuevas “verdades objetivas”. La idea era abrir un espacio para las noticias íntimas de la gente, facilitado por la empatía que genera la escena. Invitamos a periodistas, comunicadores de red social, activistas de la PAH, creadores, mujeres feministas, etc. Después de la función nos sentamos a escuchar. Y se generaron espacios de diálogo, de afecto, de política, de poesía… hogares colectivos que no se pueden desahuciar.

Pistas sobre nuevos proyectos
Un texto:
El año en que mi hermano se fue y yo me quedé
Biografía íntima vs Escena Documento
La quiebra de mi familia ante la migración de mi hermano.
Las historias reales de vida de algunos jóvenes migrantes a países nórdicos en esta década.
De-construir el relato apocalíptico de los migrantes víctimas de la crisis.
Una propuesta de activismo cultural:
El Sistema de Mara
Mara: entidad ficcional que excede los límites de la escena donde nació (Y si hablaran de nosotr@s. 2013) para llegar al mundo de lo real.
¿Cómo? Convocando a una serie de personas, no personajes, no actores, a articular sus propias noticias, noticias de sus vidas, a través de un soporte virtual y otro escénico.
Pero, ¿puede alguien que no existe convertirse en catalizador del reapropiamiento de nuestro derecho a escribir la Historia?


Talento Creadores: Matías Feldman

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Talento Creadores: Matías Feldman.

"Una manera de estar en el mundo sin que las miserias del mismo me dejen atontado, zombie o suicida"

Tutor en la primera edición de Creador.es, el dramaturgo y director Matías Feldman es una de las voces más inconformistas y pasionales de la cartelera porteña. Su ciclo PROYECTO PRUEBAS evidencia que hacen falta procesos de investigación en el campo de la dramaturgia e interpretación, de la puesta en escena.

Deudor en formas y fondos de su mentor Rafael Spregelburd, Feldman quiebra su dramaturgia y se muestra como un autor consagrado con obras como “Reflejos”.

Actualmente lleva inmerso años en el PROYECTO PRUEBAS caldo de cultivo de una dramaturgia de la experimentación, todo ello con la Compañía Buenos Aires Escénica.

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¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Nace de una necesidad. Una manera de estar en el mundo sin que las miserias del mismo me dejen atontado, zombie o suicida. Y eso está íntimamente relacionado con la exploración de las zonas de la experiencia, de la existencia, que no pueden ser nombradas por ningún modelo de representación. La obsesión por esos temas me dejan prendido a la existencia.

Tu propuesta “PROYECTO PRUEBAS” nace de una indagación el teatro y sus variables. Las cuatro primeras se presentarán en el Teatro Sarmiento de Buenos Aires después de un trabajo de gran recorrido. De hecho tienen la nomenclatura de “prueba”. ¿Cómo han sido las propuestas de este ciclo feldmaniano? ¿Qué convención querías romper/corromper en cada pieza y qué ha operado en ellas?

Son investigaciones acerca del lenguaje, la percepción, las convenciones, el tiempo, el funcionamiento del acontecimiento, del relato, de las técnicas de actuación, que exponemos a los espectadores con la intención de compartir, de corroborar hipótesis.  También compartimos el registro de dicha investigación a través de una bitácora donde contamos cómo fue el proceso, los conceptos de creamos y sus definiciones, y también por medio de Workshops que abrimos a otros creadores. La idea del Proyecto Pruebas (serán aproximadamente 11 pruebas) es que sea una plataforma para que también otros artistas en colaboración se sumen a la compañía para investigar. Las Pruebas hasta ahora han sido PRUEBA I: EL ESPECTADOR, PRUEBA II: LA DESINTEGRACIÓN, PRUEBA III: LAS CONVENCIONES, PRUEBA IV: EL TIEMPO. Y en marzo del año próximo estrenaremos, también en el Teatro Sarmiento, la PRUEBA V: EL RITMO.  

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¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

Justamente estoy montando una obra sobre Pier Paolo Pasolini para un ciclo en el Cultural San Martín. La idea es invocar a este autor. Pasolini es extraordinario, no solo por sus obras sino por su pensamiento y lucidez. Su crítica al hombre medio, al consumismo y conformismo. En él me siento reflejado y es un combustible más para seguir creando.

Trabajas y has trabajado como docente en multitud de centros de arte dramático y en usinas creativas. De hecho vas este año a Cali (Colombia). ¿Cómo es tu trabajo en esta parte docente? ¿Difiere algo de tu compañía? ¿Qué nos puedes contar de lo que armarás en Cali?

He dado distintos cursos. Algunos de dramaturgia, otros de actuación y otros de creación escénica. Y claro, están íntimamente relacionados con las investigaciones que vengo desarrollando en el Proyecto Pruebas. Pero también se vinculan con procedimientos creativos vinculados con el accidente, la incomodidad, la imaginación técnica. En Cali, estaré dando un taller de dramaturgia y estará basado en la Imaginación Técnica.

Como tutor inicial de CREADOR.ES ¿qué crees que aporta CREADOR.ES a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti como tutor? ¿Qué te llevaste de tu paso por CREADOR.ES?

Para mi este tipo de plataformas creativas son de extrema importancia tanto para el creador como para el tutor. Promueven el desarrollo, potencian materiales en proceso, generan puntapiés fundantes para las obras, generan encuentros no mediados entre artistas, y eso siempre deviene en crecimiento, puesta en crisis, reflexión crítica. Todas circunstancias vitales para la creación. 

[/vc_column_text][vc_empty_space height="15px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_column_text]PROYECTO PRUEBAS - Compañía Buenos Aires Escénica

TEATRO SARMIENTO (Complejo Teatral de Buenos Aires)
Del 20 de Octubre al 4 de Diciembre.
PRUEBA I: El espectador
PRUEBA II: La desintegración
PRUEBA III: Las convenciones
PRUEBA IV: El tiempo

Ciclo Invocaciones
PASOLINI
Centro Cultural San Martín
Estreno:  7 de Octubre.

PROYECTO PRUEBAS - Compañía Buenos Aires Escénica.
TEATRO SARMIENTO (Complejo Teatral de Buenos Aires).
PRUEBA V: El ritmo.
Estreno: marzo 2017.[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="15px"][wolf_single_image image="4125" image_style="shadow"][vc_empty_space height="15px"][wolf_single_image image="4126" image_style="shadow"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_wp_posts title="Noticias" number="8"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="70px"][wolf_video url="https://youtu.be/-6ynhvReCWU"][vc_empty_space height="15px"][wolf_video url="https://youtu.be/L4rZ6BNS-_U"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]


Talento Creadores: Sonia Alejo

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Talento Creadores: Sonia Alejo.

"Las piezas para espacios públicos tienen su propia dramaturgia"

Soy una obrera del teatro. No tengo una formación formal sino que voy buscando la fuente de aprendizaje constantemente. Me siento cómoda en muchas disciplinas pero no soy experta en ninguna. No acabo de encajar en ningún lugar y eso me obliga a estar en movimiento creativo constante. Me decepciona la falta de interés de los profesionales y las escuelas de teatro por las artes de calle.

¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Mi escritura parte de cualquier sitio: una imagen, una emoción, una situación, la vida, mi entorno. Normalmente algo cercano que me inquieta, casi nunca parto de formalismos, éstos vienen después. Escribo casi siempre para la escena, el fin de mis piezas es siempre ponerlas en pie. A veces parten de ideas propias y otras, de ideas compartidas a las que me encargo de dar voz.

Vuestra propuesta “Tempus” nace de textos de la poetisa Gioconda Belli para explorar los sueños, su creación. ¿Qué habéis encontrado en su poesía que venga bien para la escena? ¿Cómo llega eso a la calle y cómo lo vive el público?

Lo cierto es que fue su poesía la que llegó a nosotros cuando TEMPUS se armó por primera vez. Ester Tárrega, una joven estudiante de Historia del Arte, estuvo en parte del proceso de creación y, conectó a nuestros personajes con “Los portadores de sueños” de Gioconda Belli. No conocíamos el poema pero lo adoptamos como espina dorsal de la pieza, nos pareció que lo que contaba el poema ensamblaba perfectamente con lo que estábamos haciendo. El ADN de ese poema está en los textos de la pieza, en los personajes y en el momento que éstos regalan a cada espectador.

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

No soy nada mitómana, ni de mi trabajo, ni de los demás. Siento debilidad por la textualidad de Paco Zarzoso, que ha sido mi primer maestro y con el que más me he zambullido en talleres de escritura, pero no siempre por  sus obras ya montadas. Me apasiona la mezcla de lenguajes. Me gustan las piezas de Sol Picó, Los Corderos o Patricia Pardo, donde el texto no siempre se impone a la acción. Casi todo lo que leo es teatro del S.XX y últimamente novela de autores valencianos. De calle, tengo otras muchas referencias pero, en general, me siento cercana a cualquier obra en la que haya verdad y emoción.

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Trabajando dentro de una compañía como Visitants, que sois activos en las artes de la calle, ¿Qué crees que aportan esta realidad a la escritura/dramaturgia? ¿Cómo colisionan esto y qué referentes crees que son buenos que tengan los dramaturgos/as que están en la calle?

No puedo hablar en general, no conozco muchos casos como el mio. Las artes de calle son muy desconocidas por los profesionales de la escena ajenos a ellas y en la última década se han transformado muchísimo. Hay poco riesgo, mucho mercadeo y  piezas de relleno en los festivales para entretener a la gente que no entra en los teatros. No tengo espacio aquí para desarrollar esto pero somos muy críticos y muy combativos con la situación actual.

Puede que técnicamente no aporten mucho a la escritura pero a mí me ayudan a desencorsetar los formalismos de ésta, que por otro lado no es ni bueno, ni malo. De echo, las piezas para espacios públicos tienen su propia dramaturgia.

Yo llegué a la escritura después de más de una década actuando en la calle pero no he dejado de ir a ver teatro, danza y museos de todo tipo desde que tenia 17 años. Supongo que esto va dejando poso y no me planteo los recursos que estoy utilizando cuando escribo para la calle o para una sala, simplemente, me adapto al medio y en uno con más comodidad que con el otro. Por otro lado, no creo que los referentes haya que buscarlos, sino encontrarlos en la inquietud y la curiosidad por ver y conocer constantemente.

Como antigua alumna de CREADOR.ES ¿qué crees que aporta CREADOR.ES a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti? ¿Qué te llevaste de tu paso por CREADOR.ES?

CREADOR.ES es un vivero de experiencias, de convivencia con escrituras muy diferentes, escrituras ortodoxas y heterodoxas, académicas y autodidactas, convencionales y experimentales. Experimentar cómo se van complementando unas con otras, es apasionante. En mi caso Edgar Chias me enseñó la manera de escribir, y no describir, la acción y el movimiento. Y con Gabi Ochoa, algunas herramientas muy útiles para aplicar a mis trabajos de teatro documento. Lo más valioso fue conocer a todo el equipo de CREADOR.ES y al grupo de creadoras con las que compartí esos días. Lo más divertido, una velada de escritura a ocho manos femeninas con vino de por medio.

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Nuevo espectáculo: "Tempus"

17 de junio. 10:00 h. Mercat de Jesús-Patraix. Gratuito.
A las 12:00 h. en el Mercat de Russafa. Gratuito.
18 de junio. 10:00 h. Mercat de Cabanyal. Gratuito.
A las 12:00 h. en el Mercat Central.Gratuito.
El 15, 16 y 17 de julio Sonia Alejo estará en Tanatos Show de LA MEDUSA en la Sala Carme.[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][wolf_single_image image="3644" image_style="shadow"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_wp_posts title="" number="8"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="150px"][wolf_single_image image="3642" image_style="shadow" link="http://creador-es.com/creador-es-2016/denise-despeyroux-workshop-dramatizar/" hover_effect="scale-greyscale"][vc_column_text]Workshop CREADOR.ES 2016 para actores, dramaturgos, directores.[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner][wolf_video url="https://www.youtube.com/watch?v=L4rZ6BNS-_U"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]


Talento Creadores: Laura Rubio Galletero

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Talento Creadores: Laura Rubio Galletero

Laura Rubio Galletero. Dramaturga, dramaturga, dramaturga. No porque sea lo único que sepa hacer (ese tópico estupendo) hago muchas otras cosas, desde subirme a un escenario a bailar, impartir clases o aceptar los empleos más precarios. Soy dramaturga en esencia y en acto. Darme ese nombre ha supuesto un acto ético en mi vida y una profunda transformación política, entendida como reivindicación de género y  colaborativa.

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¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Escribo para comunicarme. Me recuerdo como una niña terriblemente tímida con un libro en una mano y una libreta en la otra. Tímida fui y sigo siendo, por ello, la escritura permanece conmigo ayudándome a tender puentes hacia los demás. Intuyo que el teatro me llegó cuando necesité que estos puentes fueran más firmes. El paso de la narrativa al teatro fue tan natural como seguir caminando hasta alcanzar la escena. Mis propuestas nacen de la disonancia, algo se enciende de repente en la oscuridad diaria (una carencia, una injusticia, una mentira) y necesito convertirlo en palabra dramática para comprender y compartir.

Exploro lo inexacto y la ausencia, lo que no podemos decir y lo que queremos callar. Por eso mis textos están habitados por mujeres, por locos, por gentes distintas con mucho por contar.

Tu propuesta “Mi agravio mudó mi ser” parte de textos de Ana Caro Mallén, Sor Juana, Alejandra Pizarnik, María de Zayas, Gloria Fuertes. ¿Qué has encontrado en ellas que está en ti? ¿Cómo ha madurado tu escritura en esta búsqueda?

“Mi agravio mudó mi ser” recoge la fábula de “Valor, agravio y mujer” de la dramaturga barroca Ana Caro, en donde Leonor parte de Sevilla a Flandes para vengarse del agravio de Don Juan, dispuesta a matarlo pero preguntándose por una alternativa de vida. Yo también me he convertido de alguna forma en Leonor, porque su pregunta es mía también. Si rechazamos lo que se espera para nosotras, las mujeres, ¿qué opciones tenemos? ¿Cuánto tiempo podemos mantenernos al margen de lo “políticamente correcto”?

El reto ha sido múltiple: por una parte la selección de materiales, quise emplear principalmente voces de escritoras desde el Siglo XVI en adelante, y el proceso de documentación fue agotador y dificultoso porque pese a que nos suenen sus nombres, no contamos con ellas en nuestro imaginario cultural, son invisibles. Luego, el manejo y reescritura del verso tan ajeno a nuestras formas, intercalarlo además con prosa, poesía y danza desde lo dramático, y por último,  afrontar mi yo presente como mujer y autora en estos tiempos de desconcierto emocional. Encontrar en sus voces lo que ya respira en mí, me ha ayudado a fortalecer mi propia voz y madurar en las palabras.

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

Han sido unos meses muy prolíficos, en los que he escrito tres obras largas (dos de ellas en verso) y tres piezas breves. Todas comparten el protagonismo femenino. Ha sido mi personal apuesta en lo que creo: la presencia activa de las mujeres en escena y tras la escena.

Cuesta elegir, ya que forman parte de quien soy actualmente pero quiero destacar una de ellas “El techo de cristal. Anne & Sylvia” una comedia negra, negrísima, con tres personajes de excepción: Anne Sexton, Sylvia Plath y Ted Hughes. Como su título sugiere, partiendo del vínculo entre las poetas Anne y Sylvia he querido explorar el miedo al éxito y la inevitable dualidad vida profesional- vida personal para las mujeres, con todo el sacrificio que conlleva. De nuevo, la palabra y el cuerpo (como única realidad para evitar la muerte) conectan con la raíz de mi escritura.

Además, estamos en proceso de ensayos a las órdenes de Cecilia Geijo con La Pitbull Teatro, para estrenar como tarde, en Septiembre.

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Uno de los textos que desarrollaste en Creadores, “Los perros no van al cielo” se pudo oír en el ciclo de lecturas dramatizadas que organizó SGAE ¿Cómo fue la experiencia de la lectura? ¿Y anteriormente, qué sensaciones te llevaste de la escritura en el taller con Matías Feldman?

La experiencia de “Los perros…” fue increíble. Los textos dramáticos nacen para ser encarnados y pese a tratarse de una lectura, fue planteada desde el principio como un hecho teatral que llevó al equipo a aportar más allá del papel. La apuesta por Leticia Hernández como actriz Down, pero sobre todo como una más en un elenco profesional nos conectó a todos con la esencia del oficio: disciplina y generosidad. Fue un reto que nos mantuvo a la escucha y creo que por eso, funcionó tan bien. Tanto que nos podéis ver de nuevo, con una propuesta escénica distinta el día 28 de Mayo a las 20.30 dentro del Ciclo “Una mirada Diferente” en el Centro Dramático Nacional (CDN). Recuperaremos parte del texto original (adaptado para la lectura de Septiembre) y añadimos nuevos intérpretes sin perder nuestro objetivo: preguntarnos por la libertad sexual de las mujeres Down.

El taller con Matías fue un regalo. Llegó en un momento de mi carrera en la que estaba saliendo del eterno páramo del “soy alumna” donde me preguntaba por mi voz. Matías, de alguna forma, recibió esas inquietudes, las zarandeó y me puso a escribir. Así, sin dudas, escribe para ser. Trajo su método, su experiencia como creador en activo y su mirada libre de prejuicios. Lo recuerdo como una de las vivencias más hermosas de mi vida donde descubrí que no hay que tener miedo a nada, ni siquiera a uno mismo.

Como antigua alumna de Creador.es, ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti? ¿Qué te llevaste de tu paso por Creador.es?

CREADOR.ES te incita a vivir el teatro. Más allá de que te etiquetes de dramaturga, actriz o directora, te convierte en parte de la creación con mil posibilidades expresivas y de investigación. Me aportó entusiasmo y me devolvió la esperanza en hacer teatro desde una posición de creadora aun siendo alumna. Me llevé más ganas de seguir escribiendo, me dio nuevos recursos para ello y contactos maravillosos con algunas personas que admiro profesional y personalmente, como la propia organización de Creador.es.

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner][wolf_video url="https://www.youtube.com/watch?v=8RGqdWWs9J0"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_column_text]“Mi agravio mudó mi ser” estará para empezar, en el espacio de La Escuela de Creación Escénica, los viernes a las 21.30, sábados 20.30  y domingos a las 19 de Mayo (2016).[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_empty_space height="30px"][wolf_single_image image="3438" image_style="shadow"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_column_text]“Los perros no van al cielo” de la Compañía de Creación Escénica, estará el 28 de Mayo a las 20.30 en la Sala Valle Inclán.[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_row_inner][vc_column_inner][vc_empty_space height="10px"][vc_column_text]

WORKSHOP DE DENISE DESPEYROUX

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Fin del plazo de inscripción: 30 de junio (inclusive).
Workshop especialmente dirigido a actores.

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Talento Creadores: Pedro Martín Cedillo

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Soy Pedro Martín Cedillo. Treinta y siete años. Dramaturgo, actor, director… Ante todo, estudiante continuo que busca crecer humanamente a través del estudio del arte y la investigación de la escritura escénica. Para mí, el arte es la representación de la sensibilidad, capaz de tocar la fibra del alma humana y hacerle conectar con aquello que no es tangible. Lo metafísico.

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¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Mi escritura nace, generalmente, de la necesidad de poner voz a aquellos que ya no pueden hablar. La voz de los muertos, la voz de las víctimas, la voz de los desaparecidos, la voz de los que sufren por cualquier causa…

Me gusta explorar el territorio de la falta de libertad, la represión, la necesidad de los otros para seguir adelante… Me interesan los temas sociales que nacen de la individualidad de una historia íntima y personal.

“El valle de los cautivos” es una obra que mira hacia atrás desde el momento actual. ¿Cómo llegas a este proceso? ¿Cómo es la relación con el material, qué querías contar?

El presente lo forman las historias heredadas del pasado. Aunque no queramos volver la mirada atrás por miedo a convertirnos en estatua de sal, no podemos negar que somos lo que somos por un pasado que pende de un hilo sobre nuestras cabezas.

El valle de los cautivos nace de las historias de la infancia y juventud que mis padres me cuentan del pasado del país. Un pasado con una guerra de la que hemos heredado rencores, perdones, miedos, fantasmas… El proceso de escritura nace de otro taller en el Laboratorio William Layton bajo la tutoría de Laila Ripoll.

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2988" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2990" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/1"][vc_column_text]

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercano, y por qué? ¿Alguna obra?

Lo mejor de la formación continua es que uno crece y se va encontrando en el camino con cada paso. "El valle de los cautivos" habla de mi familia, "Campo de noche y niebla" habla de la fe en el amor, "Self Service"- surgido en Creadores´2014 Creador.es bajo la tutoría de Matías Feldman- forma parte de mí, de la experiencia vivida en el proceso de escritura.- "El jardín del Edén"- texto que actualmente está dirigiendo Pedro Chamizo para dos actrices- Ilbete Sagastizabal y Majo Moreno- habla de mi admiración por el mundo de la literatura como herramienta de libertad y conocimiento… Con ello, pretendo defender que el autor forma parte de su texto. Actualmente, he tenido la suerte de aprender del conocimiento de María Velasco en el Taller de Dramaturgia "Yo es otro," donde me ha maravillado cómo la autoría puede nacer de algo íntimo y personal del autor, haciendo de su intimidad algo colectivo.

Tu texto “Self Service” fue una de las piezas editadas en Creadores 2014. ¿Cómo fue su proceso con Matías Feldman y su evolución?

"Self Service" es uno de los textos seleccionados para la edición de Creador.es 2014. El proceso de escritura propuesto por Matías Feldman surge de la dificultad. La búsqueda de obstáculos en la escritura ayuda a generar nuevas formas dramáticas. El trabajo a través de imágenes disparadoras, supuso una forma de escritura diferente y muy enriquecedora.

Has trabajado tus dramaturgias en dos ocasiones en Creador.es, ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti? ¿Qué te llevaste de tu paso por Creador.es en la primera y segunda edición?

La experiencia en Creador.es fue muy, muy positiva. No sólo por el taller sino por el encuentro de diferentes creadores. El encuentro creó un clima propicio para la creación, la comunicación, el debate, el aprendizaje… Es una experiencia que recomiendo a todo aquel que quiera crecer en sus formas de escritura, dirección, interpretación...

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2991" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2993" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="100px"][wolf_single_image image="2467" alignment="center" image_style="default" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_wp_posts show_date="" title="ENTRADAS RECIENTES" number="8"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]


Talento Creadores: Caterva Teatre

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Caterva Teatre nace en 2012, de la necesidad de 3 compañeros de estudios de interpretación, necesidad de hacer, crear y encontrar un lenguaje teatral propio. Trabajando contra las adversidades y, paradójicamente, gracias a ellas, aprendemos que la cercanía con el público y verdad son nuestro territorio de creación y exploración. Tras varios trabajos con autores británicos contemporáneos y un texto encargado a Gabi Ochoa que finalmente se convierte en “Deseo y placer” en 2014/15, en junio del 2014 nos decidimos a crear nuestro primer montaje de creación propia, “Paciente”, un texto de Robert de la Fuente en el que vuelca su vivencia personal para afrontar un tema muy actual y cercano como es la dependencia de las personas. Lo que nació como una propuesta de 20 minutos para el festival Russafa Escènica, acaba convirtiéndose, año y medio después, en un montaje honesto y sincero con el cual nos presentamos como creadores que tras cinco años de andadura han encontrado su lenguaje teatral; directo, sin edulcorantes y verdadero.

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¿Desde dónde nacen las propuestas teatrales de Caterva, hay algo de vuestra faceta interpretativa? ¿Qué territorio(s) os gusta explorar?

Nacen de la necesidad de contar aquello que a veces duele oír y ver, pero que tal vez por ello necesita una voz. Nace del vértigo que provoca en el actor enfrentarse a un texto con situaciones límite, o conflictos que piden de ti, como actor y director, un extra de verdad y emoción. Sobre todo buscamos que el espectador tome partido, hacerlo pensar y meterse en el drama y en la piel de los personajes como lo hacemos nosotros. Buscamos que el público salga de una de nuestras funciones planteándose qué habría hecho él en la situación de los personajes.

Solemos investigar en las relaciones humanas llevándolas a territorios hostiles. Intentado mostrar aquellas cosas que suelen quedar atrapadas entre las paredes de una casa, pero nosotros le prendemos fuego a la casa para que salgan fuera y se enfrente al resto del mundo. Buscamos llegar a la verdad, sin juicios de valor ni posiciones y así poder ofrecer que el público se pueda reconocer en nuestros personajes e historias. Que tomen partido.

En vuestro trabajo como actores con otros dramaturgos/as, con otros textos ¿cómo creéis que se desarrolla la dramaturgia en el actor y qué dicen los nuevos creadores en el teatro? ¿Qué os habéis encontrado?

En Caterva somos principalmente tres actores, convertidos por el tiempo y las circunstancias en directores, dramaturgos, productores, etc. Pero partimos siempre del actor creador, del actor que propone y a través del análisis y estudio del personaje y ayuda a completar la dramaturgia con un punto de vista más íntimo del personaje. En las dramaturgias actuales, independientemente del lenguaje, encontramos que hay un claro reflejo del terremoto social que vivimos, un espejo de actualidad que obliga al espectador a enfrentarse a la realidad, o al menos, pensar en ella. Dramaturgos que apuestan por un teatro de contenido más político y social, que te provocan a tomar partido. Es muy necesario esta labor del teatro, que el público pueda también ver sobre las tablas un reflejo de su tiempo y el teatro como medio divulgador y didáctico de una generación tiene la obligación de ofrecer esta lección, de mejorar y enseñar a la sociedad.

[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2964" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="80px"][wolf_single_image image="2965" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_column_text]

Paciente”, vuestra nueva obra, nace de un proceso de tres piezas que hemos ido yendo en festivales, vuestro espacio, etc. ¿Cómo llegáis a ese proceso? ¿Cómo es la relación con el material, que es realidad que conocéis de primera mano?

Llegamos al descubrir que teníamos que parar, y tomarnos el tiempo necesario para levantar un proyecto desde cero. El inicio viene dado por la propuesta que Robert de la Fuente escribe para Russafa Escènica, al comenzar el trabajo nos damos cuenta que hay mucho material para trabajar y que podemos contar algo mas. Para poder desarrollar el proyecto de manera viable, económica y temporalmente decidimos construir tres piezas e ir mostrándolas en nuestro espacio durante el 2015. Al final del proceso nos encontramos con un montaje en el que llevamos trabajando más de año y medio, que supone una nueva etapa y que consideramos es nuestra producción mas personal y directa.

"Paciente" parte de un hecho real, eso es algo que siempre hemos tenido en cuenta para tratarlo con mucho cariño y respeto. Cierto es que durante el proceso hemos ido tomando perspectiva del hecho real, para centrarnos más en la historia familiar, la dependencia y la carga que soportan los protagonistas de "Paciente".

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, os sintáis más cercanos, y por qué? ¿Alguna obra?

Tal vez nuestra referencia como compañía mas directa sea el trabajo de El Pont Flontant, los admiramos mucho como compañía y compañeros. “Com a pedres” es seguramente la producción que mas nos ha marcado. Nosotros trabajamos lenguajes distintos y aún tenemos que madurar nuestro teatro, pero tenemos claro que de mayores queremos ser como el Pont flotant.

Vosotros que sois creadores en tres vertientes (actores, dramaturgos, directores), ¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué os llevasteis vosotros de vuestro paso por Creador.es en la primera edición, donde pudimos ver “Transacción/es”?

La carrera del creador tiene que estar en constante formación, Creador.es es un punto de encuentro inmejorable entre creadores. Tener la oportunidad de establecer contacto con otros creadores de España e Iberoamérica es esencial para conocer y aprender nuevos puntos de vista y lenguajes teatrales. Si además a eso le sumas la situación cultural actual, en la que cuesta tanto llegar y donde tienes que ser todos los personajes de una compañía; actor, director, dramaturgo, productor, distribuidor, etc. Conocer el estado del teatro en otros sitios y establecer puentes y colaboraciones es muy importante.

Para nosotros poder recibir en el salón de nuestro primer Espacio Invisible a la primera hornada de Creador.es fue toda una oportunidad, ya que nos dio entre otras cosas la oportunidad de reponer la función y poder mostrarla frente a compañeros, que difícilmente podrían haberla visto de otro modo. Ese es otro de los puntos positivos de Creador.es, que apoya a las compañías emergentes y genera la muestra de su trabajo.

"Paciente" se podrá ver en la N3/Espai mutant de Las Naves los días 20 y 21 de febrero a las 20 y 19 horas respectivamente. Las entradas ya están a la venta en Las Naves.

[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="20px"][wolf_single_image image="2968" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][vc_empty_space height="20px"][wolf_single_image image="2973" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2969" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_wp_posts show_date="" number="8"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="70px"][wolf_single_image image="2459" alignment="center" image_style="default" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]


Talento Creadores: Manu Valls

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Actor, director, guionista de televisión y dramaturgo. Guionista y director de la serie L’Alqueria blanca. Co-director y co-guionista del largometraje “Faltas leves”. Tras una larga temporada centrado en la dirección y el guión, vuelve a los escenarios como actor en Ártico de Xavo Giménez. Actualmente compagina su presencia como actor en los montajes Margaritte Gautier de Teatro de la Resistencia y Síndrhomo de La teta calva, con L’últim viatge de Cary Grant, un texto propio y compartiendo dirección con Iaia Cárdenas.

[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2944" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][vc_empty_space height="20px"][wolf_single_image image="2951" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2947" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/1"][vc_column_text]

¿Desde dónde nace tu escritura teatral, hay algo que venga de tu faceta interpretativa? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
Para bien o para mal, mi relación con el teatro siempre ha estado vinculada a todo lo que he mamado de niño. Me he criado viendo un montón de cine clásico y esa búsqueda del “final feliz” de las películas antiguas va con casi todo lo que escribo. Me pasa también con la música: el jazz. Hay algo macabro en ello, pero me parece alucinante que música o películas de los años 40, tengan tanta vida, sabiendo que las personas que las hicieron ya no existen. Pelín necrófilo, jaja… He de reconocer que siempre he partido de estructuras e historias más clásicas. De todos modos, intento huir de lo convencional, pero irremediablemente algo queda. De adolescente sí recuerdo como los primeros montajes de Alberola, Nit i dia o Estimada Anuchka, me llevaron a querer escribir. Mi escritura se acerca a la televisión y al cine, que es lo que he mamado, más que al teatro.

En tu trabajo como actor con otros dramaturgos/as, con otros textos, ¿Cómo crees que se desarrolla la dramaturgia en el actor y qué dicen los nuevos creadores en el teatro? ¿Qué te has encontrado?
Como actor, uno siempre se ha de poner al servicio de lo que quieren contar otros. Dentro de la complejidad que entraña crear un personaje, la responsabilidad, a mi entender, recae más en el dramaturgo y en el director. El actor no es más que una pieza en manos de ellos. Desde que volví a la interpretación, tras un paréntesis centrado en la escritura para la televisión, he tenido la suerte de trabajar con gente que considero muy interesante. Los textos de Nacho López Murria y su poética han sido un gustazo. Recientemente Néstor Mir y su El Ring, que surge también de creadores…. He tenido la suerte de trabajar con gente con talento que han hecho que el trabajo con ellos sea muy fácil.
Y luego regalazos como el Síndrhomo de Iaia Cárdenas y la dirección de Xavo Giménez.

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“El último viaje de Cary Grant”, tu nueva obra, nace del taller de Alejandro Tantanian en Creadores del 2014, ¿Qué potenció el tutor, de dónde nace y dónde ha llegado?

La propuesta del taller consistía en arrancar de un material ya escrito y combinarlo con tu propia creación. Yo llevaba ya la idea de una obra y le plantee a Alejandro la posibilidad de basarme en un material muy concreto: Las películas de Cary Grant. Como decía, desde niño el cine clásico me ha marcado mucho. Arranqué la historia sin saber exactamente dónde me iba a llevar. No tenía claro un final, ni siquiera un desarrollo. Tantanian ayudó a enfocar. A eliminar cosas que pudieran despistar y a centrar la historia en un camino concreto. En ningún momento te decía si algo era bueno o no. Un respeto máximo por las intenciones del autor-alumno. Hice una primera versión y la dejé reposar. Al tiempo surgió la posibilidad de ponerlo en escena. Con Iaia Cárdenas en la codirección del montaje, todo ha pegado un giro inesperado. Estuvimos hablando y nos pusimos a trabajar con los actores. Y el texto ha pegado, creo yo, un cambio brutal, y a mejor. La primera escritura fue un trabajo personal. Ésta segunda tiene mucho de trabajo de grupo. De escuchar, de ceder cuando alguna cosa te parece mejor que lo que tú propones. En cierto modo, mi obra ha dejado de ser “mi obra” para ser la obra de Héctor Fuster y Alejandra Mandli (que me acompañan sobre el escenario), Iaia Cárdenas y mía. Estrenamos en breve y tengo muchísimas ganas de enseñar el resultado.

¿Existe alguna escritura propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercano, y por qué? ¿Alguna obra?

Ahora me pillas demasiado obsesionado por nuestro Cary Grant. Me siento muy cercano a lo que escribo porque en esta obra toco cosas que me han afectado personalmente en este último año. Relaciones familiares, el peso del pasado….

En cuánto a la escritura ajena, me gustaría centrarme en lo que se hace aquí. Hay dos personas que para mí están haciendo un trabajo espectacular. Iaia Cárdenas ha participado activamente en reenfocar L’últim viatge de Cary Grant. Como dramaturga y directora me parece algo fuera de serie. Y Xavo Giménez, y sus últimos montajes Penev y, sobretodo Llopis, son algo a tener más que en cuenta. Conozco a Xavo casi desde niños y empezamos en esto del teatro juntos. Ver dónde está ahora a base de curro y talento me parece acojonante.

Tú que eres una creador en tres vertientes (actor, dramaturgo, director), ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te has llevado tú de tu paso por Creador.es?

Yo salí del taller de Creador.es con una obra bajo el brazo. A la hora de arrancar un proyecto me considero una persona perezosa. El taller con Tantanian me sirvió de impulso para arrancar la escritura. Siempre he funcionado mejor con presión. Con la ficción para televisión funcionaba así. Has de acabar un guión de 70 páginas en apenas semana y media. Con los talleres ocurre eso. Has de entregar 10 páginas un día y a los dos, otras 10. Te obliga a crearte un hábito. Para un escritor, los hábitos son fundamentales. Lo importante es tener claro lo que quieres contar y “aprovecharte” de la sabiduría de los demás. Tanto Tantanian, como el poder escuchar las opiniones del resto de compañeros-dramaturgos sobre tu trabajo hacen que el paso por CREADOR.ES haya merecido la pena con creces.

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/4"][vc_empty_space height="120px"][wolf_single_image image="2467" alignment="center" image_style="default" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="3/4"][vc_wp_posts show_date="" title="PUBLICACIONES RECIENTES" number="8"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]


Talento Creadores: Olinda Larralde Ortiz

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TALENTO CREADOR

ENTREVISTA A OLINDA LARRALDE ORTIZ

Actriz, dramaturga y promotora cultural. Mexicana y Holandesa (por naturalización). Habiendo estudiado teatro y dramaturgia en México (UNAM) y actuación en Inglaterra (Bristol Old Vic Theatre School), y debido a su residencia de ya casi diez años en Holanda, ha desarrollado su oficio de manera directa e intensiva a través de tres culturas teatrales diferentes.

Además de su trabajo como actriz en teatro, televisión y (próximamente) cine, Olinda trabaja en la producción de la obra MATERIA PRIMA (de su autoría), y desarrolla el texto de su segunda obra de teatro, ESTELAS of De Overgeblevenen (ESTELAS o Los que quedaron), dentro del programa en Holanda para dramaturgos y directores jóvenes De Tekstsmederij.

Además de estos proyectos, Olinda trabaja desde su asociación de teatro en Holanda para promover el intercambio de las culturas teatrales Holandesa y Mexicana entre sí, y con otras culturas del mundo (recientemente Inglaterra y España).

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¿Desde dónde nace tu teatro, tu escritura? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
El lugar desde el que trabajo ahora se mueve sin duda e inevitablemente a partir de una sensación de desplazo, de extranjería. El deseo por explorar las distancias entre identidad y otredad es absolutamente lo que mueve el contenido, la forma, y la realización de mis actividades teatrales en estos años.
Mi obra MATERIA PRIMA, por ejemplo, es claramente un esfuerzo por acercar y poner a dialogar a mis dos culturas principales: está escrita en dos idiomas (español y holandés) que se entrelazan y tejen juntos una voz y una historia. MATERIA PRIMA se ensayará y presentará en Holanda y en México con actores y equipo creativo de ambos países.
En ESTELAS of De Overgeblevenen (ESTELAS o Los que quedaron), el texto está escrito en holandés e inglés, y plantea como tema central a la imaginación, el amor, el arte y la sexualidad como indispensables para la supervivencia del hombre. La obra aborda estas fuerzas y explora hasta qué punto son esencias renovadoras de vida, por la flexibilidad que generan y que permite el abrazo de la otredad. En pocas palabras, gran parte de lo que propongo con ESTELAS es que la otredad es indispensable para la supervivencia en todos los niveles: espiritual, individual, social y político; y que se alcanza a partir de las fuerzas que menciono (la imaginación y el arte tan necesarias como el amor y la sexualidad).
Por otro lado, hay un factor de gran influencia en todo lo que escribo, que es mi actividad actoral. Cada vez se hace más claro que escribo desde una perspectiva muy cercana a los actores, al escenario, al público, a la experiencia teatral de quienes de hecho estarán ahí al momento de la representación.

¿Existe alguna obra de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? (propia o no)
Definitivamente son en este momento MATERIA PRIMA, ESTELAS of De Overgeblevenen, y Seminal (O La Semilla de Edgar Chías) las más cercanas, sencillamente por estar ahora muy activa en torno a ellas.
Hace apenas dos días tuvo lugar la lectura de algunos fragmentos de ESTELAS en Amsterdam; con MATERIA PRIMA estamos por organizar una especie de "pitch" o de "audición" de la obra para teatros en Holanda; y con Seminal estuve dirigiendo la lectura de fragmentos para CREADOR.ES en Valencia, y en Londres con el Instituto de Estudios Mexicanos de la UNAM en King´s College.

Tal vez sea la lectura dramatizada de “La semilla” de Edgar Chías, que pudimos ver en esta edición de Creador.es 2015, fue un trabajo muy interesante con el texto de Edgar, ¿Cómo te planteaste el trabajo con los actores y con el texto tan rico de Edgar Chías? ¿Cómo fue la experiencia en Creador.es?

Empiezo por decir que la experiencia en CREADOR.ES fue hermosa, y que la atesoraré siempre.
Yo no sabía si con cinco días de ensayo y actores que no conocía (CREADOR.ES me propuso trabajar con actores valencianos que invitaron ellos mismos), podría lograr compartir con fluidez las cualidades únicas del texto de Edgar. Estoy muy contenta de haber tomado el riesgo porque los actores que invitaron resultaron ideales. Tuvieron gran apertura y entrega hacia el texto y hacia lo que les propuse explorar, y desde la gran belleza humana y creativa de cada uno, enriquecieron la lectura y la transformaron en una experiencia teatral realmente viva.

Seminal (como muchos o todos los textos de Edgar Chías) apela a la creatividad de los actores de una manera muy activa. Desde la palabra y el estilo, orilla al actor a cambiar constantemente de posición narrativa. Por un lado fuerza al actor a moverse continuamente, por otro lo acerca a una gran libertad de interpretación. Yo quería compartir con el público presente en la lectura un poco de esta gran cualidad del texto, además de por supuesto mostrar los muy relevantes temas que toca Seminal en íntima relación con la forma en la que está escrita.
En Seminal es un coro quien habla al espectador, un canto de resonancias cósmicas que pareciera venir viajando desde el teatro griego, hasta los diálogos más naturalistas de los personajes individuales, y a través de los cuerpos y la voz de los actores. En una sola obra se entrelazan estas tres dimensiones (la de toda la historia de la humanidad, la de la trama de la obra, y la de los actores en escena) en una dinámica lúdica, ágil, líquida, que mantiene a actores y público activamente presentes en la trascendente reflexión central de Seminal: la posibilidad de renacer, de renovar el presente, y de dar intención y curso al futuro.[/vc_column_text][vc_empty_space height="15px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="40px"][wolf_single_image image="2919" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][vc_empty_space height="15px"][wolf_single_image image="2922" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2903" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="15px"][vc_column_text]

¿Qué ha supuesto la experiencia de Creador.es? ¿Hay propuestas así en Holanda o México que conozcas? ¿Qué nos puedes recomendar de Holanda, de Amsterdam, que es donde vives, con respecto al teatro?

CREADOR.ES me ha llenado de energía y además me ha expuesto a mucho de lo que se está haciendo en otros países, particularmente en España. Ha sido de gran valor conocer las propuestas de residencias artísticas en Valencia, Madrid y Barcelona, por ejemplo; o conocer el trabajo que está haciendo Jorge Hugo Marín en Bogotá, Colombia, a través de su compañía La Maldita Vanidad. Ha sido interesante saber del trabajo de Puy con Vidal, y conocer algunas de las propuestas teatrales en Valencia que disfruté mucho. Y claro, el principal regalo ha sido poder relacionarme tan activamente con el maravilloso texto de Edgar. Es un trabajo que ha alimentado mi alma y estará presente en todo lo que haga en el futuro.
Creo que la lista de lo bueno que me trajo colaborar con CREADOR.ES es larga, ¡Y eso que me tuve que perder de varias de las actividades y masterclass por estar ensayando y por no estar en Valencia durante todo el festival! Creo que todo esto ya da frutos en mi creación y actividad individual, y que externamente puede desarrollarse más en algún momento, dar otros frutos más. De cierta forma ya los está dando en términos prácticos también pues está la intención de realizar Seminal en Valencia y llevarla a otros países.
CREADOR.ES realmente provoca un movimiento fértil, está lleno de vida.
Con respecto a la pregunta sobre Holanda: hay sin duda algunas propuestas internacionales de creación.
En primer lugar quiero contarles de De Tekstsmederij (que en español significa La Fragua de Textos), que me abrió las puertas como autora y que ha favorecido en gran medida mi actividad en la cultura teatral holandesa. En De Tekstsmederij facilitan la colaboración entre autores y directores jóvenes a través de un proceso de ocho meses para la escritura, y organizando lecturas públicas con actores profesionales para miembros de todos los estratos del quehacer teatral en Holanda (dramaturgistas, casas productoras, directores, compañías grandes y pequeñas). Está ahora en sus planes realizar este proceso con Turquía y junto conmigo lo llevaremos a México. Están interesados en realizar estos intercambios con otros países, ojalá pueda hacerse en España también.
Otra propuesta de creación abierta al ámbito internacional que lleva ya un tiempo es DAS´ARTS. Ahí ofrecen una maestría en creación e investigación teatral que se amolda completa y profundamente a los intereses particulares del artista.
Quizá lo que haya más en Holanda a nivel internacional, sean los festivales para obras teatrales ya montadas. Está Noorderzon en Groningen, por ejemplo, que programa obras de todo el mundo de gran calidad. Es un festival muy interesante, muy atrevido.
Holland Festival es otro festival abierto a montajes internacionales, y por supuesto Fringe, que está en tantas partes del mundo.Y hay que mencionar a Bellevue Theater en Amsterdam, con quien comienzo a colaborar más estrechamente desde hoy, que es uno de los corazones de la cultura teatral holandesa desde hace tiempo, principalmente para creadores teatrales de nuevas propuestas, y que abre cada vez más sus puertas a creadores internacionales.

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