Talento Creadores: Caterva Teatre

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Caterva Teatre nace en 2012, de la necesidad de 3 compañeros de estudios de interpretación, necesidad de hacer, crear y encontrar un lenguaje teatral propio. Trabajando contra las adversidades y, paradójicamente, gracias a ellas, aprendemos que la cercanía con el público y verdad son nuestro territorio de creación y exploración. Tras varios trabajos con autores británicos contemporáneos y un texto encargado a Gabi Ochoa que finalmente se convierte en “Deseo y placer” en 2014/15, en junio del 2014 nos decidimos a crear nuestro primer montaje de creación propia, “Paciente”, un texto de Robert de la Fuente en el que vuelca su vivencia personal para afrontar un tema muy actual y cercano como es la dependencia de las personas. Lo que nació como una propuesta de 20 minutos para el festival Russafa Escènica, acaba convirtiéndose, año y medio después, en un montaje honesto y sincero con el cual nos presentamos como creadores que tras cinco años de andadura han encontrado su lenguaje teatral; directo, sin edulcorantes y verdadero.

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¿Desde dónde nacen las propuestas teatrales de Caterva, hay algo de vuestra faceta interpretativa? ¿Qué territorio(s) os gusta explorar?

Nacen de la necesidad de contar aquello que a veces duele oír y ver, pero que tal vez por ello necesita una voz. Nace del vértigo que provoca en el actor enfrentarse a un texto con situaciones límite, o conflictos que piden de ti, como actor y director, un extra de verdad y emoción. Sobre todo buscamos que el espectador tome partido, hacerlo pensar y meterse en el drama y en la piel de los personajes como lo hacemos nosotros. Buscamos que el público salga de una de nuestras funciones planteándose qué habría hecho él en la situación de los personajes.

Solemos investigar en las relaciones humanas llevándolas a territorios hostiles. Intentado mostrar aquellas cosas que suelen quedar atrapadas entre las paredes de una casa, pero nosotros le prendemos fuego a la casa para que salgan fuera y se enfrente al resto del mundo. Buscamos llegar a la verdad, sin juicios de valor ni posiciones y así poder ofrecer que el público se pueda reconocer en nuestros personajes e historias. Que tomen partido.

En vuestro trabajo como actores con otros dramaturgos/as, con otros textos ¿cómo creéis que se desarrolla la dramaturgia en el actor y qué dicen los nuevos creadores en el teatro? ¿Qué os habéis encontrado?

En Caterva somos principalmente tres actores, convertidos por el tiempo y las circunstancias en directores, dramaturgos, productores, etc. Pero partimos siempre del actor creador, del actor que propone y a través del análisis y estudio del personaje y ayuda a completar la dramaturgia con un punto de vista más íntimo del personaje. En las dramaturgias actuales, independientemente del lenguaje, encontramos que hay un claro reflejo del terremoto social que vivimos, un espejo de actualidad que obliga al espectador a enfrentarse a la realidad, o al menos, pensar en ella. Dramaturgos que apuestan por un teatro de contenido más político y social, que te provocan a tomar partido. Es muy necesario esta labor del teatro, que el público pueda también ver sobre las tablas un reflejo de su tiempo y el teatro como medio divulgador y didáctico de una generación tiene la obligación de ofrecer esta lección, de mejorar y enseñar a la sociedad.

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Paciente”, vuestra nueva obra, nace de un proceso de tres piezas que hemos ido yendo en festivales, vuestro espacio, etc. ¿Cómo llegáis a ese proceso? ¿Cómo es la relación con el material, que es realidad que conocéis de primera mano?

Llegamos al descubrir que teníamos que parar, y tomarnos el tiempo necesario para levantar un proyecto desde cero. El inicio viene dado por la propuesta que Robert de la Fuente escribe para Russafa Escènica, al comenzar el trabajo nos damos cuenta que hay mucho material para trabajar y que podemos contar algo mas. Para poder desarrollar el proyecto de manera viable, económica y temporalmente decidimos construir tres piezas e ir mostrándolas en nuestro espacio durante el 2015. Al final del proceso nos encontramos con un montaje en el que llevamos trabajando más de año y medio, que supone una nueva etapa y que consideramos es nuestra producción mas personal y directa.

"Paciente" parte de un hecho real, eso es algo que siempre hemos tenido en cuenta para tratarlo con mucho cariño y respeto. Cierto es que durante el proceso hemos ido tomando perspectiva del hecho real, para centrarnos más en la historia familiar, la dependencia y la carga que soportan los protagonistas de "Paciente".

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, os sintáis más cercanos, y por qué? ¿Alguna obra?

Tal vez nuestra referencia como compañía mas directa sea el trabajo de El Pont Flontant, los admiramos mucho como compañía y compañeros. “Com a pedres” es seguramente la producción que mas nos ha marcado. Nosotros trabajamos lenguajes distintos y aún tenemos que madurar nuestro teatro, pero tenemos claro que de mayores queremos ser como el Pont flotant.

Vosotros que sois creadores en tres vertientes (actores, dramaturgos, directores), ¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué os llevasteis vosotros de vuestro paso por Creador.es en la primera edición, donde pudimos ver “Transacción/es”?

La carrera del creador tiene que estar en constante formación, Creador.es es un punto de encuentro inmejorable entre creadores. Tener la oportunidad de establecer contacto con otros creadores de España e Iberoamérica es esencial para conocer y aprender nuevos puntos de vista y lenguajes teatrales. Si además a eso le sumas la situación cultural actual, en la que cuesta tanto llegar y donde tienes que ser todos los personajes de una compañía; actor, director, dramaturgo, productor, distribuidor, etc. Conocer el estado del teatro en otros sitios y establecer puentes y colaboraciones es muy importante.

Para nosotros poder recibir en el salón de nuestro primer Espacio Invisible a la primera hornada de Creador.es fue toda una oportunidad, ya que nos dio entre otras cosas la oportunidad de reponer la función y poder mostrarla frente a compañeros, que difícilmente podrían haberla visto de otro modo. Ese es otro de los puntos positivos de Creador.es, que apoya a las compañías emergentes y genera la muestra de su trabajo.

"Paciente" se podrá ver en la N3/Espai mutant de Las Naves los días 20 y 21 de febrero a las 20 y 19 horas respectivamente. Las entradas ya están a la venta en Las Naves.

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Talento Creadores: Manu Valls

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Actor, director, guionista de televisión y dramaturgo. Guionista y director de la serie L’Alqueria blanca. Co-director y co-guionista del largometraje “Faltas leves”. Tras una larga temporada centrado en la dirección y el guión, vuelve a los escenarios como actor en Ártico de Xavo Giménez. Actualmente compagina su presencia como actor en los montajes Margaritte Gautier de Teatro de la Resistencia y Síndrhomo de La teta calva, con L’últim viatge de Cary Grant, un texto propio y compartiendo dirección con Iaia Cárdenas.

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¿Desde dónde nace tu escritura teatral, hay algo que venga de tu faceta interpretativa? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
Para bien o para mal, mi relación con el teatro siempre ha estado vinculada a todo lo que he mamado de niño. Me he criado viendo un montón de cine clásico y esa búsqueda del “final feliz” de las películas antiguas va con casi todo lo que escribo. Me pasa también con la música: el jazz. Hay algo macabro en ello, pero me parece alucinante que música o películas de los años 40, tengan tanta vida, sabiendo que las personas que las hicieron ya no existen. Pelín necrófilo, jaja… He de reconocer que siempre he partido de estructuras e historias más clásicas. De todos modos, intento huir de lo convencional, pero irremediablemente algo queda. De adolescente sí recuerdo como los primeros montajes de Alberola, Nit i dia o Estimada Anuchka, me llevaron a querer escribir. Mi escritura se acerca a la televisión y al cine, que es lo que he mamado, más que al teatro.

En tu trabajo como actor con otros dramaturgos/as, con otros textos, ¿Cómo crees que se desarrolla la dramaturgia en el actor y qué dicen los nuevos creadores en el teatro? ¿Qué te has encontrado?
Como actor, uno siempre se ha de poner al servicio de lo que quieren contar otros. Dentro de la complejidad que entraña crear un personaje, la responsabilidad, a mi entender, recae más en el dramaturgo y en el director. El actor no es más que una pieza en manos de ellos. Desde que volví a la interpretación, tras un paréntesis centrado en la escritura para la televisión, he tenido la suerte de trabajar con gente que considero muy interesante. Los textos de Nacho López Murria y su poética han sido un gustazo. Recientemente Néstor Mir y su El Ring, que surge también de creadores…. He tenido la suerte de trabajar con gente con talento que han hecho que el trabajo con ellos sea muy fácil.
Y luego regalazos como el Síndrhomo de Iaia Cárdenas y la dirección de Xavo Giménez.

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“El último viaje de Cary Grant”, tu nueva obra, nace del taller de Alejandro Tantanian en Creadores del 2014, ¿Qué potenció el tutor, de dónde nace y dónde ha llegado?

La propuesta del taller consistía en arrancar de un material ya escrito y combinarlo con tu propia creación. Yo llevaba ya la idea de una obra y le plantee a Alejandro la posibilidad de basarme en un material muy concreto: Las películas de Cary Grant. Como decía, desde niño el cine clásico me ha marcado mucho. Arranqué la historia sin saber exactamente dónde me iba a llevar. No tenía claro un final, ni siquiera un desarrollo. Tantanian ayudó a enfocar. A eliminar cosas que pudieran despistar y a centrar la historia en un camino concreto. En ningún momento te decía si algo era bueno o no. Un respeto máximo por las intenciones del autor-alumno. Hice una primera versión y la dejé reposar. Al tiempo surgió la posibilidad de ponerlo en escena. Con Iaia Cárdenas en la codirección del montaje, todo ha pegado un giro inesperado. Estuvimos hablando y nos pusimos a trabajar con los actores. Y el texto ha pegado, creo yo, un cambio brutal, y a mejor. La primera escritura fue un trabajo personal. Ésta segunda tiene mucho de trabajo de grupo. De escuchar, de ceder cuando alguna cosa te parece mejor que lo que tú propones. En cierto modo, mi obra ha dejado de ser “mi obra” para ser la obra de Héctor Fuster y Alejandra Mandli (que me acompañan sobre el escenario), Iaia Cárdenas y mía. Estrenamos en breve y tengo muchísimas ganas de enseñar el resultado.

¿Existe alguna escritura propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercano, y por qué? ¿Alguna obra?

Ahora me pillas demasiado obsesionado por nuestro Cary Grant. Me siento muy cercano a lo que escribo porque en esta obra toco cosas que me han afectado personalmente en este último año. Relaciones familiares, el peso del pasado….

En cuánto a la escritura ajena, me gustaría centrarme en lo que se hace aquí. Hay dos personas que para mí están haciendo un trabajo espectacular. Iaia Cárdenas ha participado activamente en reenfocar L’últim viatge de Cary Grant. Como dramaturga y directora me parece algo fuera de serie. Y Xavo Giménez, y sus últimos montajes Penev y, sobretodo Llopis, son algo a tener más que en cuenta. Conozco a Xavo casi desde niños y empezamos en esto del teatro juntos. Ver dónde está ahora a base de curro y talento me parece acojonante.

Tú que eres una creador en tres vertientes (actor, dramaturgo, director), ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te has llevado tú de tu paso por Creador.es?

Yo salí del taller de Creador.es con una obra bajo el brazo. A la hora de arrancar un proyecto me considero una persona perezosa. El taller con Tantanian me sirvió de impulso para arrancar la escritura. Siempre he funcionado mejor con presión. Con la ficción para televisión funcionaba así. Has de acabar un guión de 70 páginas en apenas semana y media. Con los talleres ocurre eso. Has de entregar 10 páginas un día y a los dos, otras 10. Te obliga a crearte un hábito. Para un escritor, los hábitos son fundamentales. Lo importante es tener claro lo que quieres contar y “aprovecharte” de la sabiduría de los demás. Tanto Tantanian, como el poder escuchar las opiniones del resto de compañeros-dramaturgos sobre tu trabajo hacen que el paso por CREADOR.ES haya merecido la pena con creces.

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Talento Creadores: Olinda Larralde Ortiz

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TALENTO CREADOR

ENTREVISTA A OLINDA LARRALDE ORTIZ

Actriz, dramaturga y promotora cultural. Mexicana y Holandesa (por naturalización). Habiendo estudiado teatro y dramaturgia en México (UNAM) y actuación en Inglaterra (Bristol Old Vic Theatre School), y debido a su residencia de ya casi diez años en Holanda, ha desarrollado su oficio de manera directa e intensiva a través de tres culturas teatrales diferentes.

Además de su trabajo como actriz en teatro, televisión y (próximamente) cine, Olinda trabaja en la producción de la obra MATERIA PRIMA (de su autoría), y desarrolla el texto de su segunda obra de teatro, ESTELAS of De Overgeblevenen (ESTELAS o Los que quedaron), dentro del programa en Holanda para dramaturgos y directores jóvenes De Tekstsmederij.

Además de estos proyectos, Olinda trabaja desde su asociación de teatro en Holanda para promover el intercambio de las culturas teatrales Holandesa y Mexicana entre sí, y con otras culturas del mundo (recientemente Inglaterra y España).

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¿Desde dónde nace tu teatro, tu escritura? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
El lugar desde el que trabajo ahora se mueve sin duda e inevitablemente a partir de una sensación de desplazo, de extranjería. El deseo por explorar las distancias entre identidad y otredad es absolutamente lo que mueve el contenido, la forma, y la realización de mis actividades teatrales en estos años.
Mi obra MATERIA PRIMA, por ejemplo, es claramente un esfuerzo por acercar y poner a dialogar a mis dos culturas principales: está escrita en dos idiomas (español y holandés) que se entrelazan y tejen juntos una voz y una historia. MATERIA PRIMA se ensayará y presentará en Holanda y en México con actores y equipo creativo de ambos países.
En ESTELAS of De Overgeblevenen (ESTELAS o Los que quedaron), el texto está escrito en holandés e inglés, y plantea como tema central a la imaginación, el amor, el arte y la sexualidad como indispensables para la supervivencia del hombre. La obra aborda estas fuerzas y explora hasta qué punto son esencias renovadoras de vida, por la flexibilidad que generan y que permite el abrazo de la otredad. En pocas palabras, gran parte de lo que propongo con ESTELAS es que la otredad es indispensable para la supervivencia en todos los niveles: espiritual, individual, social y político; y que se alcanza a partir de las fuerzas que menciono (la imaginación y el arte tan necesarias como el amor y la sexualidad).
Por otro lado, hay un factor de gran influencia en todo lo que escribo, que es mi actividad actoral. Cada vez se hace más claro que escribo desde una perspectiva muy cercana a los actores, al escenario, al público, a la experiencia teatral de quienes de hecho estarán ahí al momento de la representación.

¿Existe alguna obra de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? (propia o no)
Definitivamente son en este momento MATERIA PRIMA, ESTELAS of De Overgeblevenen, y Seminal (O La Semilla de Edgar Chías) las más cercanas, sencillamente por estar ahora muy activa en torno a ellas.
Hace apenas dos días tuvo lugar la lectura de algunos fragmentos de ESTELAS en Amsterdam; con MATERIA PRIMA estamos por organizar una especie de "pitch" o de "audición" de la obra para teatros en Holanda; y con Seminal estuve dirigiendo la lectura de fragmentos para CREADOR.ES en Valencia, y en Londres con el Instituto de Estudios Mexicanos de la UNAM en King´s College.

Tal vez sea la lectura dramatizada de “La semilla” de Edgar Chías, que pudimos ver en esta edición de Creador.es 2015, fue un trabajo muy interesante con el texto de Edgar, ¿Cómo te planteaste el trabajo con los actores y con el texto tan rico de Edgar Chías? ¿Cómo fue la experiencia en Creador.es?

Empiezo por decir que la experiencia en CREADOR.ES fue hermosa, y que la atesoraré siempre.
Yo no sabía si con cinco días de ensayo y actores que no conocía (CREADOR.ES me propuso trabajar con actores valencianos que invitaron ellos mismos), podría lograr compartir con fluidez las cualidades únicas del texto de Edgar. Estoy muy contenta de haber tomado el riesgo porque los actores que invitaron resultaron ideales. Tuvieron gran apertura y entrega hacia el texto y hacia lo que les propuse explorar, y desde la gran belleza humana y creativa de cada uno, enriquecieron la lectura y la transformaron en una experiencia teatral realmente viva.

Seminal (como muchos o todos los textos de Edgar Chías) apela a la creatividad de los actores de una manera muy activa. Desde la palabra y el estilo, orilla al actor a cambiar constantemente de posición narrativa. Por un lado fuerza al actor a moverse continuamente, por otro lo acerca a una gran libertad de interpretación. Yo quería compartir con el público presente en la lectura un poco de esta gran cualidad del texto, además de por supuesto mostrar los muy relevantes temas que toca Seminal en íntima relación con la forma en la que está escrita.
En Seminal es un coro quien habla al espectador, un canto de resonancias cósmicas que pareciera venir viajando desde el teatro griego, hasta los diálogos más naturalistas de los personajes individuales, y a través de los cuerpos y la voz de los actores. En una sola obra se entrelazan estas tres dimensiones (la de toda la historia de la humanidad, la de la trama de la obra, y la de los actores en escena) en una dinámica lúdica, ágil, líquida, que mantiene a actores y público activamente presentes en la trascendente reflexión central de Seminal: la posibilidad de renacer, de renovar el presente, y de dar intención y curso al futuro.[/vc_column_text][vc_empty_space height="15px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="40px"][wolf_single_image image="2919" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][vc_empty_space height="15px"][wolf_single_image image="2922" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2903" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="15px"][vc_column_text]

¿Qué ha supuesto la experiencia de Creador.es? ¿Hay propuestas así en Holanda o México que conozcas? ¿Qué nos puedes recomendar de Holanda, de Amsterdam, que es donde vives, con respecto al teatro?

CREADOR.ES me ha llenado de energía y además me ha expuesto a mucho de lo que se está haciendo en otros países, particularmente en España. Ha sido de gran valor conocer las propuestas de residencias artísticas en Valencia, Madrid y Barcelona, por ejemplo; o conocer el trabajo que está haciendo Jorge Hugo Marín en Bogotá, Colombia, a través de su compañía La Maldita Vanidad. Ha sido interesante saber del trabajo de Puy con Vidal, y conocer algunas de las propuestas teatrales en Valencia que disfruté mucho. Y claro, el principal regalo ha sido poder relacionarme tan activamente con el maravilloso texto de Edgar. Es un trabajo que ha alimentado mi alma y estará presente en todo lo que haga en el futuro.
Creo que la lista de lo bueno que me trajo colaborar con CREADOR.ES es larga, ¡Y eso que me tuve que perder de varias de las actividades y masterclass por estar ensayando y por no estar en Valencia durante todo el festival! Creo que todo esto ya da frutos en mi creación y actividad individual, y que externamente puede desarrollarse más en algún momento, dar otros frutos más. De cierta forma ya los está dando en términos prácticos también pues está la intención de realizar Seminal en Valencia y llevarla a otros países.
CREADOR.ES realmente provoca un movimiento fértil, está lleno de vida.
Con respecto a la pregunta sobre Holanda: hay sin duda algunas propuestas internacionales de creación.
En primer lugar quiero contarles de De Tekstsmederij (que en español significa La Fragua de Textos), que me abrió las puertas como autora y que ha favorecido en gran medida mi actividad en la cultura teatral holandesa. En De Tekstsmederij facilitan la colaboración entre autores y directores jóvenes a través de un proceso de ocho meses para la escritura, y organizando lecturas públicas con actores profesionales para miembros de todos los estratos del quehacer teatral en Holanda (dramaturgistas, casas productoras, directores, compañías grandes y pequeñas). Está ahora en sus planes realizar este proceso con Turquía y junto conmigo lo llevaremos a México. Están interesados en realizar estos intercambios con otros países, ojalá pueda hacerse en España también.
Otra propuesta de creación abierta al ámbito internacional que lleva ya un tiempo es DAS´ARTS. Ahí ofrecen una maestría en creación e investigación teatral que se amolda completa y profundamente a los intereses particulares del artista.
Quizá lo que haya más en Holanda a nivel internacional, sean los festivales para obras teatrales ya montadas. Está Noorderzon en Groningen, por ejemplo, que programa obras de todo el mundo de gran calidad. Es un festival muy interesante, muy atrevido.
Holland Festival es otro festival abierto a montajes internacionales, y por supuesto Fringe, que está en tantas partes del mundo.Y hay que mencionar a Bellevue Theater en Amsterdam, con quien comienzo a colaborar más estrechamente desde hoy, que es uno de los corazones de la cultura teatral holandesa desde hace tiempo, principalmente para creadores teatrales de nuevas propuestas, y que abre cada vez más sus puertas a creadores internacionales.

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Talento Creadores: Iaia Cárdenas

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TALENTO CREADORES.

Iaia Cárdenas.

Soy argentina y vivo en Valencia desde 1999 después de pasar dos años en Estados Unidos. Me considero básicamente una buscavidas y en esa búsqueda incluyo todas las facetas artísticas que me interesa explorar. Lo que más amo en la vida es viajar e intento hacerlo de todas las formas posibles, ya sea montada en mi cámara o en un avión hecho con un folio en blanco.

¿Desde dónde nace tu escritura teatral, hay algo que venga de tu faceta como fotógrafa? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar? 

Mi interés por el teatro nace con la fotografía teatral. Siempre me interesó contar historias: como creativa publicitaria, a través de la fotografía o como aficionada a la escritura. Creo que la observación es el punto donde se unen los dos caminos. Generalmente mis textos parten de una imagen. Una imagen que me propone historias. Me interesan los pedazos de vida, los deshechos, las pasiones, la desmesura de lo cotidiano. Plantear las luces y las sombras de los personajes. Me atrae el hecho de pensar y trabajar para actores en vivo porque en el teatro, como en la fotografía, el dramaturgo está detrás de un objetivo, de una lente, y es en el escenario, en la puesta en pie de la obra, cuando gracias a la energía de la interpretación, el texto cobra vida y ya no es del que escribe, es otro juego el que se impone.

¿Existe alguna escritua propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cerca, y por qué? ¿Alguna obra?

Obviamente, me siento cerca del teatro argentino. Familias desestructuradas, psicología y locura a partes iguales, verdad sangrante y cierta oscuridad y pesimismo. Me muevo por intuición, no parto de referentes conscientes. Ojala haya un poco de cada persona que admiro en lo que escribo. Obviamente, cruzarme con Paco Zarzoso fue un antes y un después en mi camino como dramaturga. Y a partir de ahí, todos los autores, los creadores con los que me he encontrado han dejado algo en mí que espero, y deseo, haber integrado en mi escritura.

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Has trabajado en contacto directo con otras realidades teatrales en el montaje “Adiós todavía” ¿Cómo fue la experiencia? ¿Qué te llevas de allí, qué te interesa del teatro porteño, del teatro argentino?
Fue una experiencia muy enriquecedora. Tener el lujo de poder ver una misma obra representada con actores españoles y argentinos es algo sumamente valioso. También las reacciones de los dos públicos es diferente. Personalmente, llevar una obra a mi país ha sido una de las cosas más maravillosas que me han pasado.
Del teatro argentino me interesa… todo. La forma en la que se trabaja, el tiempo que se le dedica a los ensayos, a dejar que la obra madure, a que los actores se infecten. Me interesan sus motivaciones, el riesgo, ese desangre constante. Me gusta que se llenen los teatros hasta los lunes, y ver obras en su cuarta, quinta o décima temporada. Me gusta que sea la asistencia de público y no las subvenciones, la que decida cuánto tiempo de vida tiene una obra. Me gusta que la gente de a pie se sienta parte, y ver cómo “ir al teatro” es un planazo cualquier día de la semana. Me gusta que se maten porque la gente llene las salas, y si hay que invitar al 80%, pues se invita, porque lo importante es que el teatro esté vivo, y una obra sin público es una obra muerta. Me gusta ver un off tan potente y respetado.
“Sindrhomo”, la última obra que has representado parte de una relación enfermiza entre hermanos, ¿Cuáles son tus referentes y tus fuentes? ¿Cómo fueron sus representaciones en Cabanyal Íntim 2015?
En realidad partí de la situación del Cabanyal, de su realidad. A partir de ahí construí el personaje de Rómulo, un hombre con Síndrome de Diógenes que recoge “chatarra” de las casas abandonadas, derruidas, para darle una nueva forma: construir un ejército para combatir la gran plaga. Escombros de vidas que unidos, dan nacimiento a una plataforma de lucha y reivindicación. Síndrhomo intenta reflejar el instinto de supervivencia de un barrio amenazado por un sistema que nos condena. Un sistema que hace que nos enfrentemos con nuestros hermanos y que convierte a todos en víctimas y verdugos. Parto de las relaciones familiares porque creo que ahí se encuentran todos los conflictos que pueden luego trasladarse a las más diversas situaciones.
Los días en Cabanyal Intim fueron muy intensos: fue mi primer texto con mi propia compañía “La teta calva” (junto a Xavo Giménez), los actores (Manu Valls y Merce Tienda) se dejaron la piel, contamos con el colectivo Santa Fiera para crear el espacio e hicieron algo mágico en una buhardilla ya de por sí fantástica. La obra tuvo muy buena aceptación y esperamos hacer su versión larga en el 2016.

Tú que eres una creadora multidisciplinar, ¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo-a, actriz/or? ¿Qué te has llevado tú de tu paso por Creador.es?
Mi paso por CREADOR.ES ha sido una experiencia maravillosa. No sólo por haber escuchado y aprendido fundamentalmente de Matías Feldman y sus imágenes disparadoras, sino por haber compartido hora y días de dudas, inseguridades, frustraciones y motivaciones con un grupo talentoso y generoso a partes iguales. Me llevo más seguridad y confianza en mi misma. Me llevo las ganas contagiosas de seguir aprendiendo. Me llevo la pasión y el amor por la creación.

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Talento Creadores: Puy Navarro

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TALENTO CREADOR.

ENTREVISTA A PUY NAVARRO.

Soy valenciana y vivo en NYC desde el 1999. EEUU es donde pago impuestos, y es donde me mantengo más activa políticamente. Como no me dejan votar, pues solo soy residente, no ciudadana, le escribo postales diarias al Presidente Barack Obama, haciéndole preguntas sobre su política interior y exterior. Recibí una carta suya.

¿Desde dónde nace tu escritura teatral, hay algo que venga de tu faceta interpretativa? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
Yo siempre parto desde el personaje, pues siendo actriz es lo que mejor entiendo. Luego busco el conflicto en la escena, a través de las necesidades de cada personaje, y luego me alejo un poco del material, lo releo e intento darme cuenta de qué es lo que he escrito, dónde está la historia.

¿Existe alguna escritura propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercano, y por qué? ¿Alguna obra?
A mi me gusta muchísimo leer. Creo que todo buen escritor es primero un buen lector. Yo me acerqué a la escritura gracias al Máster de Escritura Creativa en NYU, impartido por Muñoz Molina. Leí y escribí cuento corto. Me encanta Alice Munro, Cortázar, Poe, Cheever, Flannery O’Coonor, J.D. Salinger. Yo empecé actuando los clásicos, Shakespeare, Calderón, Lorca. Me gusta mucho la obra de Mayorga y de Sinisterra.

Puy Navarro en Creador.es Residencias Teatrales

En tu trabajo como actriz en Nueva York hay una búsqueda por montar autores españoles contemporáneos, ¿Cómo ve el público neoyorquino nuestro teatro? ¿Qué crees que les puede interesar?
Hace unos años Francisco Reyes y yo creamos unas lecturas de Nueva Dramaturgia Española en el marco del Teatro Stage Fest, que era un festival de teatro Latinoamericano en NY. Fue muy exitoso, pero murió con el festival. Francisco Reyes y yo hemos producido obras de Calderón, Mayorga, Sinisterra, Ariel Dorfman y Antonio Zancada en NYC. (En inglés, español y bilingüe!)

 “Los Klumb”, la obra que editará Episkenion y se presentará en Creadores 2015, es una obra nacida del taller de Alejandro Tantanian en CREADOR.ES del año pasado, ¿Qué potenció el tutor y de dónde nace su historia?
El verano del 2014 fui a una boda a Puerto Rico y acabé rodando un corto en la casa de Henry y Else Klumb. Yo nunca había oído hablar de este arquitecto alemán afincado en Puerto Rico. La casa estaba deshabitada desde el 1984, cuando ambos murieron juntos en un accidente de coche. Durante el rodaje, empecé a hurgar en unas bolsas de basura que contenían papeles y libros enmohecidos y me topé con tres páginas manuscritas (Por Henry o Else), sobre un episodio de enfermedad crítica que uno de los dos había sufrido y ahí empecé la obra.
Trabajar con Tantanian, me encantó, porque siempre te invita a arriesgarte, a no caminar sobre seguro, a dar un salto mortal. Y nunca juzga, al contrario, siempre abre puertas.

Tú que eres una "creador.es" multidisciplinar, ¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo-a, actriz-actor? ¿Qué te has llevado tú de tu paso por Creador.es?
El trabajo en creadores me pareció muy intenso y muy precioso. Se crea una conexión especial con todos los compañeros, que es como una red de seguridad que hace que no tengas miedo a caer, a fracasar. Y cuando ese miedo no está es cuando la creatividad en su estado puro, viene a visitarte.
Me sorprendió encontrar mi lado de dramaturga. Y ahora estoy traduciendo Los Klum, al inglés para poder hacer lecturas, y posiblemente (I wish) presentarla en NYC!

GRACIAS POR TODA VUESTRA LABOR A TODO EL EQUIPO DE CREADORES Y A LA EDITORIAL EPISKENION.

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Talento Creadores: Néstor Mir

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TALENTO CREADORES.

ENTREVISTA A NESTOR MIR.

Soy Néstor Mir, tengo 43, creo en la cultura como motor de cambio social y personal, y me gustaría presenciar el nacimiento de un nuevo orden en el que la sociedad civil dejase de pensar en términos de triunfo o ganancia y pasase a pensar en términos de aprendizaje y crecimiento personal.

¿Desde dónde nace la escritura teatral, hay algo que venga de tu faceta musical? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
Mi escritura teatral nace del momento en que me tomé en serio mi necesidad de escribir. Querer escribir me llevó a descubrir el teatro, en concreto al taller de construcción de personajes complejos de Paco Zarzoso. Mi formación teatral ha sido escrita y en esas obras escritas, siempre que he podido, he metido la música, a veces de manera central, otras de manera colateral.
En el hecho teatral hay algo que me interesa sobre todo lo demás y es ese lugar en el que la realidad se dispara hasta el punto que deja de ser realidad, que se convierte en un espacio en el que todo es posible. Ahí se puede llegar por el texto, por la acción o por la situación. Y luego volver a atar la historia a la realidad. Y luego volver a dispararte, quizás más lejos aún, a un lugar aún más insospechado.

¿Existe alguna escritura propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercano, y por qué?
Estoy pendiente de ver lo que hacen los creadores, coetáneos muchos de ellos, con los que comparto el deseo de que todo sea posible en una dramaturgia, en el sentido de que haya una mezcla total de géneros: cine, cómic, literatura pulp, documental, movimiento, video juego, performance, etc.. La combinación de todos esos géneros cuando te pones a escribir un texto hace que surjan experiencias inesperadas, y lo inesperado es algo que siempre me ha gustado. Luego, para mí, es importante que todo eso camine en un sentido y que se consiga transmitir con verosimilitud.

Has estrenado un espectáculo recientemente, “La disolución doméstica en la conquista del oeste”, que aúna todas tus herramientas multidisciplinares. ¿Cómo mezclas teatro, música en directo, audiovisual, fotonovela en escena? ¿Qué es?
Digamos que hay diferentes maneras de llegar al hecho teatral, uno de ellos puede ser escribiendo una historia, y otro puede ser desde un material no concebido desde la escritura de una historia.
La disolución doméstica de la conquista del Oeste pertenece a la segunda categoría. Supone ponerte a trabajar con diferentes tipos de material, que originalmente no tienen relación aparente, y que finalmente les encuentras un nexo dentro de un hecho teatral.
La mezcla surgió de la siguiente manera: estaba montando el docubooktrailer La conquista del Oeste para la presentación de mi libro La conquista del Oeste. Estuve un par de meses montándolo y, quizás por esa inercia de trabajo, me pareció lo más normal del mundo convertir un ejercicio que nos había sugerido hacer Alberto Conejero en CREADOR.ES 2014, hablar con diferentes “yos”, en otro artefacto audiovisual, esta vez con música y con lectura dramatizada en directo. Finalmente en esa efervescencia, decidí convertir la fotonovela que hice para la promoción de mi disco La disolución doméstica en otro artefacto audiovisual. Así pues el soporte audiovisual se convirtió en el primer hilo conductor. Después, para convertirlo en un hecho teatral tuve que pensar en cómo representarlo en directo. Para ello compuse música para cada una de las partes, decidí leer algunas partes en directo y escribí un hilo conductor para entrelazar cada parte por un discurso coherente. El discurso es variable, se acopla al espacio al que voy.

Néstor Mir Creador.es Residencias teatrales

Aparte de la labor como creador eres el alma mater de Malatesta records. ¿qué proyectos teatrales, creativos tiene la marca?
Desde Malatesta Records siempre ha habido, sobre todo, una voluntad de agitación socio-cultural. Ofrecer cosas que creíamos necesarias y en las que el mercado no estaba interesado por poco rentables y que las instituciones públicas ninguneaban, siendo del signo que eran, por molestas. Y ahí ha entrado de todo, desde la publicación de discos autogestionados, festivales de música, recitales de poesía, documentales, circuitos vermut etc. hasta, hoy en día, la publicación de libros y alguna que otra incursión, eso sí más personal, en el la producción teatral.

En realidad Malatesta Records es un paraguas desde el que diferentes artistas, si quieren, pueden trabajar en sus proyectos desde la autogestión, compartiendo sinergias y experiencias.

De ahí nace la vertiente editorial de Malatesta Records y la publicación de mi libro, La conquista del Oeste, y el libro de Mr. Perfumme, Eso fue lo que pasó.

¿Cómo ha sido tu incursión en una nueva creación, la novela “La conquista del oeste”?
Escribir una novela tiene un registro particular que comparte pocas cosas con escribir una canción o una obra de teatro. Pero como todo, es cuestión de tiempo, dedicación e investigación de los mecanismos que hacen funcionar ese peculiar artilugio. Durante el tiempo que estuve escribiendo La conquista del Oeste tenía siempre en mente el imperativo de que menos es más, y que había que contar la historia de la mejor manera enrollándose lo mínimo, conseguir una buena arquitectura, conseguir que fuera dinámica, y sobre todo, y aunque parezca una obviedad, conseguir el tono narrativo que te hiciese sentir que te estabas leyendo una novela y no un diario.

Tú que eres artista multidisciplinar, ¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo-a, actriz-actor? ¿Qué te has llevado tú en estos años que has estado en Creador.es?
Néstor Mir Residencias teatrales 2014Lo de artista multidisciplinar lo utilizo de forma irónica en el curriculum que hay en mi blog, pero cuando lo oigo así, en serio, me da un poco de miedito.
Digamos que como la mayoría de gente que hoy en día crea, hay que tener al alcance el máximo de instrumentos y esto, es verdad, te hace mezclar disciplinas pero esto puede suponer también que no sepas utilizar bien ninguna de ellas. Pero esto es algo que asumo porque considero que el motor de la necesidad de contar es más importante que la necesidad técnica de una propuesta.
Sé que la técnica es muy importante, que es muy importante también la virtud, el don, la capacidad, el talento, pero más importante que todo esto es tener algo que decir, y tener algo que contar. Para mí sin algo que contar, todo lo anterior no es más que mero exhibicionismo, que puede ser muy interesante y espectacular, pero no es mi rollo.

Creador.es es en este sentido, y por eso he repetido dos años, es un espacio perfecto para testar aquello que tengas en mente contar. Te permite evaluar la recepción que la gente va a tener de aquello que estás elucubrando. También te permite posicionarte con respecto a los demás en cuanto a estilo, inquietudes y modos de trabajo. Puedes intuir de primera mano como va a funcionar un texto, también el coste de producción que te va a suponer. Puedes salir teniendo un visión global del proyecto que tienes entre manos y la mejor manera de concretarlo y que se convierta en un hecho teatral real.

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Isabel Caballero y Jacobo J. Roger (Francachela Teatro)

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TALENTO CREADORES
ENTREVISTA A: Isabel Caballero y Jacobo J. Roger (Francachela Teatro).

Isabel Caballero y Jacobo J. Roger son el alma creativa de la compañía Francachela Teatro. Aparte de un buen puñado de espectáculos entre los que destaca “Peccata minuta” que pudimos ver en Creadores 2013, la compañía gestiona los festivales Cabanyal Íntim y Matarranya Íntim, dos propuestas que apuestan por el teatro cercano, a dos palmos del espectador, en casas. Además, Jacobo e Isabel han pasado por distintas ediciones de Creadores.

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- ¿Desde dónde nace vuestro teatro, vuestra escritura? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Nuestro teatro nace de explorar dramaturgias en espacios no convencionales, proponiendo experiencias al público que vayan más allá de sentarse en una sala de butacas. Buscamos posicionar al espectador como parte activa en la representación teatral, sin incomodarle, pero que sea parte de lo que sucede. Nos gusta adentrarnos en el arriesgado territorio de la cercanía y la interacción con el público, el aquí y el ahora. Y, hasta ahora, nuestra escritura ha surgido a partir del trabajo de creación colectiva.

Isabel Caballero. Francachela Teatro- ¿Existe alguna obra de la que, actualmente, os sintáis más cercanos, y por qué? (propia o no).

Quizás sea Peccata Minuta nuestro espectáculo más representativo y del que más cercanos nos sentimos. El proceso creativo fue apasionante. Dedicamos meses a buscar y probar; entre el trabajo sensorial y el performativo, explorando en la idea de ritual escénico. Nos sumergimos en una serie de personajes, nacidos de nuestro imaginario colectivo y trabajamos el ritual de cada uno, su intimidad, sus juegos privados, a puerta cerrada, y lo compartimos con el público, al que invitamos a formar parte de nuestra experiencia. Se creó y ensayó en diferentes casas y espacios íntimos de Valencia, Alicante y Aragón: desde una casa en la zona cero más degradada del Cabanyal, una bodega centenaria en el casco antiguo de Villena, un piso piloto, una casona en uno de los pueblos más pequeños del Matarranya. Fue un proceso de investigación difícil y placentero a la vez, que disfrutamos mucho. Nos hizo enfrentarnos a nuestras propias debilidades y miedos, y creemos que propone un viaje sensorial, inundado de sabores y olores desde el principio del camino, que deseamos que resulte sugestivo para el público. Más que teatro, una experiencia vivida.

- Tal vez sea "Peccata minuta", espectáculo que vimos en la primera edición de CREADOR.ES en 2013, vuestro espectáculo/experiencia más reconocido, ya que significa un cambio de ciclo, trabajo con otra compañía, la ausencia de la palabra... ¿Cómo os planteáis el trabajo creativo en ese momento? ¿Cómo fue la experiencia en Creador.es?

En este momento nos hemos detenido para tomar impulso y decidir hacia dónde queremos continuar. La preparación de los festivales Cabanyal y Matarranya Íntim ocupan una parte bastante importante de nuestro tiempo. Quizás lo próximo sea partir de un texto ya escrito, o tal vez acabaremos escribiéndolo a partir del trabajo en sala, pero si algo caracteriza a la compañía es que seguirá explorando todo tipo de espacios cargados de historias.

Hay varias posibilidades que nos estamos planteando actualmente. Una de ellas es crear piezas para la nueva sede de Francachela, un espacio que hemos conseguido en el Cabanyal, antigua Universidad popular y escuela de adultos de cuatro plantas que vamos a compartir con otros colectivos del barrio en la que nos apetece proponer experiencias “inmersivas”.

Jacobo J. RogerLa participación en Creador.es y el adaptar Peccata Minuta a Las Naves fue una experiencia muy enriquecedora. Cada espacio le ha ofrecido algo nuevo y diferente a la pieza y fue especialmente laborioso tratan de insuflar vida a uno de los espacios más asépticos con que hemos contado durante el tiempo que llevamos representando Peccata. Pero cabe destacar el momento final del montaje y del viaje que propone el espectáculo, el lanzamiento de los aviones hacia los desechos de las antiguas pistas de las carreras urbanas de Fórmula 1, hoy abandonados y desoladores, la puerta de atrás más fea de una ciudad que trata de aparentar y vivir falsamente cara la galería. La desolación de estos descampado fue un escenario que difícilmente olvidaremos. También fue estimulante el hecho de que parte del público que acudió a la representación eran los dramaturgos participantes de Creador.es, venidos de diferentes partes del mundo. Nos provocaba gran curiosidad de qué pensarían y sentirían a través de nuestro viaje. Fue todo un reto y un placer.

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/3"][wolf_single_image image="1871" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large" animation="fadeInDown"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][wolf_single_image image="1870" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large" animation="fadeInDown"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][wolf_single_image image="1869" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large" animation="fadeInDown"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_column_text animation="fadeInLeft"]

Festivales Cabanyal Intim y Matarranya Intim

- Aparte de la labor como creadores de espectáculos organizáis, gestionáis y producís dos festivales con amplio bagaje, Cabanyal Íntim y Matarranya Íntim , ¿Qué supone para vosotros esta experiencia? ¿El teatro va ligado a la gestión? ¿Hay algo de posicionamiento con estas propuestas?

El estar Festival Cabanyal Intim en el barrio del Cabanyalen “el otro lado” es una experiencia muy interesante a la hora de tratar con los artistas y actores o actrices y observar modos de conducta que a veces uno no se reconoce en uno mismo pero son más que peculiares.
El estar en ambas partes es una experiencia estupenda para entender y ponerte en la piel tanto del organizador como del artista.
En teatro en nuestro caso sí que va ligado a la gestión y creo que aporta y enriquece la visión en todos los sentidos.
Cabanyal Íntim nace con el objetivo claro de apoyo a la lucha de un barrio, utilizando las artes escénicas como nuestra mejor arma de lucha y resistencia. El posicionamiento político es necesario, y en este momento que tantas injusticias estamos viviendo, en que las artes escénicas se maltratan constantemente, nuestra protesta es más que necesaria, imprescindible. Sin voluntad de caer en el “panfleto” , los artistas debemos denunciar en nuestras creaciones las injusticias a que nos vemos sometidos por las administraciones públicas que actualmente nos gobiernan.
Nuestro proceso ha ido desde la interpretación, luego la dirección y dramaturgia de las piezas de la compañía a la programación de otras compañías, afines de una manera u otra a nuestro trabajo. Pero sin abandonar la creación. Consideramos ambas experiencias enriquecedoras y necesarias.5.Elvisa-la-nuit.-Foto-César-Soler
- ¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del dramaturgo-a / director-a / actriz-actor, al creador-a?

Creador.es nos ha a portado nuevas herramientas de trabajo, más que útiles, y la posibilidad de conocer y compartir el proceso de escritura y creación dramática con nuevos creadores/as contemporáneos. Una experiencia que siempre es un placer repetir, porque cada vez es nueva y enriquecedora. Esperamos con ilusión la próxima convocatoria.

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DIANA I. LUQUE: entrevista

TALENTO CREADORES

ENTREVISTA A: DIANA I. LUQUE

¿Desde dónde nace tu teatro, tu escritura? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
Mi teatro surge de la necesidad de dar forma a inquietudes concretas. Suelo abordar asuntos o temáticas de índole social que nos afectan hoy en día: el suicidio, la crisis, la muerte, la violencia, los conflictos familiares. En suma, aspectos de la complejidad del ser humano y de las relaciones humanas.

¿Existe alguna obra de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? (propia o no)
Inevitablemente, se ha generado un vínculo afectivo con todas las obras al escribirlas. Tras la puerta, que aborda el suicidio juvenil y el duelo, supuso el reconocimiento de mi labor como dramaturga al ser galardonada con el Premio Ricardo López Aranda 2011. Imagino que Fisuras, a la que dio origen Creador.es 2013 y que acaba de estrenarse en el CDN como parte del programa Escritos en la escena, supondrá otro punto de inflexión. Está por ver.

Fisuras es un texto que nace en Creador.es y termina siendo montado en el Centro Dramático Nacional (CDN) en Escritos en la escena. ¿Cuál fue el proceso en Creador.es y cuál el resultado en el CDN? ¿Qué crees interesante resaltar de todo el proceso?
El abordaje de la escritura que propuso Matías Feldman en Creador.es 2013 era completamente novedoso para mí. Trabajamos a partir de "imágenes disparadoras", con la premisa de avanzar en la escritura a diario, evitando una temática concreta y sin certezas sobre hacia dónde se encaminaba el texto. Los generosos comentarios de Matías y de los compañeros del taller fueron de gran ayuda. En Creador.es se asentaron las bases para el proceso de búsqueda y experimentación, y la labor de creación textual y escénica, de Escritos en la escena. A lo largo de todo el proceso, han sido muchas las personas que, de un modo u otro, han aportado al texto y a la puesta en escena: Fisuras es como es gracias a ellos.

Aparte, como traductora tienes una ingente labor con dramaturgos anglosajones, ¿Tienes alguna predilección por alguno en concreto, o te sientas más unida a algún tipo de dramaturgia? Si es así, ¿por qué crees que ocurre? ¿qué hilo te une?
Shakespeare y Beckett, a los que conocí de verdad mientras estudiaba Filología Inglesa, tienen la culpa de que hoy me dedique al teatro. Afortunadamente, mi dramaturgia se nutre de mi labor como traductora, y viceversa. Tengo un interés particular por los autores irlandeses contemporáneos Martin McDonagh, Enda Walsh, Marina Carr, etc.- y también por los británicos -Harold Pinter, Caryl Churchill, Martin Crimp, entre otros- o el escocés David Greig y los norteamericanos Suzan-Lori Parks y Tracy Letts, por citar a unos pocos; en realidad la lista es interminable. Y, lógicamente, también me siento muy vinculada a la dramaturgia española, especialmente a los autores de mi generación y de aquélla que nos precede: Mayorga o Sanchis Sinisterra, y tantos otros que, además, han sido mis maestros e, inevitablemente, han dejado su huella en mi dramaturgia y en mi forma de entender el teatro.

¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del dramaturgo / director, al creador?
Primeramente, un espacio de intercambio, diálogo, creación y reflexión muy intenso y productivo. En segundo lugar, la ocasión de trabajar con un maestro (dramaturgo-director-actor) que, al provenir de Argentina, como ha sido el caso de Matías Feldman y de Alejandro Tantanian, proponen una mirada y una metodología diferente, lo que supone tanto un reto como un aprendizaje muy grande. También, la ocasión de conocer de primera mano el panorama teatral valenciano y de tender redes con creadores de distintas Comunidades Autónomas y de países trasatlánticos. Redes que, lógicamente, van más allá de lo meramente teatral y derivan en amistad.

DIANA I. LUQUE

Dramaturga: Diana I. Luque. Talento CREADOR.ES.

Dramaturga y traductora, ha participado en las dos ediciones de Creador.es celebradas hasta el momento. Es miembro del Consejo de Redacción de la Revista de Investigación Teatral Acotaciones, y autora de Fisuras (CDN, Escritos en la Escena, 2014-15), La imagen de los sometidos (Cátedra, 2014), El niño erizo (La Machina Teatro), La tierra en la que habitan los peces (II Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales, 2014) y Tras la puerta (ADE, 2012, Premio Ricardo López Aranda 2011), entre otros. Ha traducido La calidad de la misericordia, de Peter Brook (La pajarita de papel, 2014), El poder del sí, de David Hare (Primer Acto 244, 2013), y Estéticas de la destrucción: el teatro irlandés en la era del Celtic Tiger (Fundamentos, 2012, finalista al Premio María Martínez Sierra ADE 2012).

CREADOR.ES Residencias teatrales 2015: abierta inscripciones