Talento creadores: Maribel Bayona

Talento creadores: Maribel Bayona

Conversaciones des-Confinadas

Por Anna Albaladejo
Maribel Bayona (Valencia. 1979) es actriz, dramaturga, y directora de escena. Con una trayectoria liminal entre la palabra y el cuerpo desde su doble titulación en Filología y Arte Dramático que complementa con sus estudios de danza, hasta sus numerosas creaciones desde y para la escena donde integra las escrituras dramáticas y post-dramáticas con la performatividad y el movimiento.
Pero además, Maribel Bayona es una de esas mujeres del teatro contemporáneo catalizadoras de proyectos, como demuestra su participación como co-directora en la sala y compañía Espacio Inestable/Teatro de lo Inestable.
Como autora ha publicado 9 textos y ha escrito otros tantos en solitario o en colectivo, la mayoría de los cuales han sido estrenados como proyectos propios o en colaboración con otras compañías. Le han sido concedidas diversas Ayudas a la Creación del IVC, participó en el I Laboratori d’Escriptura Insula Dramàtaria Josep Lluís Sirera y en 2019 le fue concedida la beca de escritura que ofrece El Pavón Teatro Kamikaze.
Muy cercana desde el inicio al proyecto Creador.es, participa como docente en los laboratorios de dramaturgia para jóvenes de 2017 a 2019 y como alumna, asiste al curso de Santiago Loza en 2017, en el que brota la primera semilla de L’orquestra del silenci, texto que se estrenará el 23 de Octubre de 2020 en La Rambleta (Valencia) y del que nos habla entre otros en la entrevista.
¡Vamos a ella!

Así se radiografía Maribel Bayona como creadora
No soy una autora pura.
Soy una intérprete-autora-gestora cultural.
Me interesan los “lugares entre” o los “no lugares”.
Me interesan los textos dramáticos pero también los materiales dramáticos.
Interrelacionar la cabeza y el cuerpo. La voz y la palabra.

Y esto es lo que conversamos vía on-line durante el mes de julio de 2020

¿Cuando y cómo llegas a la escritura para la escena? Referentes, maestr@s, intercambios, compas de viaje...

Mi primer texto dramático breve lo escribo para la colección “Acotaciones en la caja Negra”, ahora reconvertida en “Red Escénica”. Yo estudiaba entonces Filología Hispánica, me metí en el consejo de redacción de esta revista y decidí participar en la colección de textos breves, cuya temática en ese número era el sexo, un tema sin duda con mucha enjundia.
Gracias a participar con el proyecto de la revista conocí a Jacobo Pallarés, mi compañero y socio de Proyecto Inestable, es decir, que de algún modo podría pensar que ese primer texto me ha traído hasta mi presente, aunque jamás haya habido sexo de por medio.
El texto, que se llamaba “Hueles a cama. Me encanta cuando hueles a cama” lo prologó Alejandro Jornet y se fijó en mi escritura. Así que me propuso participar como autora para dos montajes de cuarto de la ESAD, uno junto a Antonio de Paco y otro junto a Jéssica Belda. El impulso de Alejandro, Toni y Jéssica, fueron sin duda compañeros de viaje creativo y de escritura en esos primeros años y luego han llegado muchos otros. Pero digamos que fue entonces donde se fraguó la metodología de trabajar textos propios, colectivos o individuales para la escena, o a pie de escenario.
Tengo referentes variados, maestros clásicos y contemporáneos, pero quiero citar a los compañeros de viaje con los que he trabajado codo con codo o han acompañado mis procesos de escritura o creación; Jéssica Belda, Toni de Paco, Jacobo Pallarés, Rafa Palomares, Gabriel Ochoa, Jose Banyuls, Pedro Lozano, Anna Albaladejo, Xavier Puchades, Paco Zarzoso, Jerónimo Cornelles.

¿Qué lugar tiene la dramaturgia y escritura dentro de tu práctica artística? ¿Qué relación tienes con otros ámbitos/roles de la escena?

Mi relación con la escritura comienza desde la misma escena, es decir, con esa práctica de escribir para la escena y para mis propios proyectos escénicos o performativos, sola o compartiendo proceso con otros autores. En esta práctica suelo participar también como intérprete o en la dramaturgia del espectáculo y los textos han surgido de la mano del proceso creativo.
En este primer momento me identifiqué mucho con la escritura dentro del marco de la auto-ficción.

Pero también he participado en proyectos por encargo de teatro o danza para otras compañías en los que mi rol era únicamente el de autora o dramaturgista. En ocasiones también se ha asociado este rol al de dirección o ayudante de dirección.

Últimamente y gracias al apoyo de laboratorios de escritura como el de Ínsula Dramatària Josep Lluís Sirera, la beca del Pavón Teatre Kamikaze, El Torneo de Dramaturgia de Creador.es, las Ayudas a la Creación de la Generalitat Valenciana, el proyecto Escena Erasmus, las actividades anuales que propone la Asociación de Escritores de Teatro (AVEET) o Contexto Teatral he escrito textos que no han estado asociados al proceso creativo, sino que han empezado y acabado en mi cabeza y mi ordenador, aunque obviamente son susceptibles de ser representados. Pero el punto de partida ha sido el de la escritura exclusivamente, sin ir de la mano de la práctica escénica.

Revisando cómo he contestado estas dos preguntas me doy cuenta de lo importante que es incentivar la escritura de textos dramáticos desde las instituciones públicas (laboratorios, becas, ayudas) y desde el ámbito privado o asociativo.

Vera en equilibrio(s)

¿Cómo crees que influye en tu escritura el hecho de ser también intérprete? ¿Cómo es esto de interrelacionar cabeza y cuerpo, voz y palabra?
Si entendemos las artes escénicas en general y el teatro en particular como un compendio de prácticas artísticas que se interrelacionan generando un cuerpo artístico colectivo, es decir, una suma de disciplinas, de creadores trabajando juntos, de miradas compartidas, cuantos más campos conozcas, más riqueza y conocimiento tendrás en relación al rol que elijas desempeñar. En este sentido, creo que ser intérprete me ayuda a escribir, me ayuda a pensar que aquello que escribo estará vivo, será encarnado por un cuerpo y por una voz. Aquello del verbo hecho carne. Me ayuda porque he podido experimentarlo, porque intento que aquello que escribo pase también por mi cuerpo y no sólo por mi cabeza. De igual modo que si tuviera nociones musicales seguramente tendría mucho más dominio del ritmo o si fuera artista plástica tendría muy en cuenta el terreno espacial en la construcción de un texto.
Por tanto, sí pienso que me influye tener nociones de interpretación para la construcción textual, aunque vengan desde lugares casi invisibles o intuitivos. Intento tener en cuenta las necesidades de los intérpretes y las reglas de la escena, incluso aunque sea para de-construirlas.
Sin embargo, conozco excelentes autores/as que no son intérpretes y escriben textos brillantes. Así que ese conocimiento no garantiza nada, pero en mi caso, me ayuda.

Espacio(s) de Trabajo

¿Puedes hablarnos de alguno(s) de tus “textos de mesa” y “textos de escena”? ¿Crees que hay diferencia entre ellos?
Creo que ante la pregunta que planteas aparece la eterna cuestión de averiguar qué es exactamente la literatura dramática como género y dónde ubicarla, a caballo entre lo efímero y lo permanente que queda registrado en una publicación, entre el material dramático, performativo, de acción y el terreno textual, entre lo individual de un acto de escritura y lo colectivo de una puesta en escena… hay mucho que reflexionar ahí.
Yo creo que cada una de mis obras es diferente porque tiene puntos de partida diferentes y “pelajes” diferentes. Cada obra ha requerido de un proceso de escritura distinto que se ha ido revelando por sí mismo y ha derivado en un acto de escritura concreto.
Por poner dos ejemplos bien diferenciados te hablaré de “Persona-l”, un solo que hice con mi compañía Teatro de lo Inestable y “L’orquestra del silenci”, la obra que desarrollé para el Laboratorio Insula Dramatària Josep Lluís Sirera.
Persona-l estaba concebida como una pieza performativa que quería abordar el concepto de identidad y los roles de género. El trabajo de escritura empezó en una sala de teatro. Focalicé el concepto de identidad en la mirada sobre el cuerpo y por eso, la escritura comenzó en mi propio cuerpo. Las primeras acciones performativas y dramáticas dieron lugar y espacio a la palabra. El origen de la palabra estuvo en el cuerpo. En este trabajo el concepto de literatura dramática se expandió. El documento que guardo de aquella pieza está lleno de palabras dichas pero también de acciones no dichas, de coreografías de movimientos, imágenes diversas o didascalias que también eran texto dramático, operando al mismo nivel que la palabra.
L’orquestra del silenci, sin embargo, nace en un laboratorio de escritura en el que se ofrece tiempo y espacio a la palabra escrita y a la reflexión. El punto de partida es la imaginación. Sin trabas. También fue un proceso transformador por compartir otras miradas con las compañeras y el tutor. Si la escena o el cuerpo transformaron Persona-l, la interrelación con mis compañeras transformó L’orquestra. Y algo tan sencillo como no tener en cuenta la producción, hizo, por ejemplo que escribiera una obra para siete personajes, cuando hasta ahora mi máximo habían sido cuatro (tenía que producirlas, claro…) Hasta este punto están, al menos en mi caso, interrelacionados texto y escena.
Es decir, que cada nuevo proceso y texto, pienso, debe ser diferente y debe tener sus propias especificidades y reglas, dependiendo del punto de partida, el equipo, el contexto… para que realmente pueda estar vivo, para que pueda ser y revelarse.

Espacio(s) de inspiración

Cuando te has radiografiado como creadora has mencionado tu interés por los “no lugares”, ¿te refieres a esos espacios despojados de identidad e historia de los que hablaba Marc Auge? Puedes hablarnos un poco más de esos “lugares entre” que proponen autores como Pedro Falcato… Te pediría que nos ayudarás a encontrar esos “no lugares” y “lugares entre” en tus obras.
Creo que el teatro es ya en sí mismo un “lugar entre”. Y eso lo convierte en excepcional y maravilloso. Un lugar entre muchos lugares; el de la imaginación, el de la ficción, el de la metáfora, el de la literalidad, el del patio de butacas, el del escenario, el de las bambalinas… Un lugar entre muchos tiempos; el real, el de la ficción, el del espectador, el del intérprete…
Un lugar entre disciplinas artísticas, entre personas, entre convenciones, entre encuentros, entre composiciones, entre recepciones, entre cerebros…
La multiplicidad de “lugares entre” que propone el teatro me fascina y trabajar, o tener en cuenta, todas esas posibilidades cuando escribo, me divierte muchísimo y me conecta con la libertad.
En L’orquestra del silenci la primera acotación de la obra dice: Un lloc enmig del no res. Un lugar en medio de la nada… qué maravilla poder imaginar ese lugar en medio de la nada, qué privilegio intentar concebirlo. Esta es una de las cosas que más me interesa del teatro, su constante provocación e invocación a la imaginación, al juego y sus múltiples “lugares entre”, “lugares imposibles” o “no lugares” que paradójicamente, acaban siendo.

Maribel

Nos hablas de L’Orquestra del Silenci que es precisamente la pieza que vas a estrenar este otoño. Puedes compartirnos algo de su punto de partida, de su transformación en el proceso, de sus pérdidas (que sé que hubo algunas muy mágicas) y de sus hallazgos. ¿Qué intuyes que nos vamos a encontrar cuando vayamos a verla?
L’orquestra del silenci es un texto muy especial para mí, por cómo se desarrolló y por las alegrías que me ha dado a lo largo del tiempo. Empecé a concebirlo en el taller que Santiago Loza impartió en Creador-es, donde nació un boceto y una idea a desarrollar. Un mes después, apareció la primera convocatoria de Ínsula Dramatària Josep Lluís Sirera, presenté este boceto y tuve la suerte de ser seleccionada.
El punto de partida fue el fracaso. Yo arrastraba una temporada en la que me sentía especialmente insatisfecha, laboral y personalmente. Y me preguntaba qué estaba fallando. Al hacerme esta pregunta me di cuenta de que en realidad lo que quería desarrollar era una especie de defensa del fracaso, el fracaso contrapuesto al pretendido éxito que vende el capitalismo más feroz. Quería defender la pausa, la reflexión, el cuidado, la reconquista del tiempo, la modestia o la invisibilidad como modo de vida. Y esa ideología que imagino que yo intentaba conquistar para mí misma estuvo presente en todo el proceso de escritura. Sin embargo, la forma fue cambiante. Empecé escribiendo un texto muy postmoderno y acabé alumbrando, como una vez me dijo una de mis compañeras insulares, el texto más teatral que había hecho nunca. Esto tuvo que ver con la suma de miradas, como te comentaba en la pregunta anterior, las de mis compañeras Begoña, Mafalda, Antonia, María y Laura y la de Paco Zarzoso que nos acompañó a todas en el proceso de escritura.
El texto tuvo un viaje singular y una inflexión que fue transformadora. Se trata de la pérdida de la que hablabas en tu pregunta. Resulta que yo había escrito muchos materiales, un 50% del texto aproximadamente, con un estilo muy postmoderno. La verdad es que no acababa de encontrar el tono, el encaje, pero había trabajado mucho y confiaba en ese material y en encontrar pronto la luz para acabar de componerlo. Pero entonces entraron a robar en mi sala, Espacio Inestable. Y mi ordenador estaba dentro, con su funda. Dentro de la funda tenía también mi copia de seguridad. Me lo robaron todo. Tres meses de trabajo tirados a la basura. Lloré muchísimo. Y el tiempo apremiaba. Intenté reescribir los materiales, pero no funcionaba. Y entonces Paco me dijo que empezara desde cero. Que todo lo que había trabajado estaba, pero que desde su punto de vista no había encontrado todavía el lugar desde el que hablar. Yo le hice caso. Y de repente, apareció la escuela, el profesor, los personajes. Y se escribieron solos, mágicamente. La escuela walseriana que propone L’orquestra va de eso, de la renuncia y de la pérdida. De ser capaz de desprenderse. Creo que me robaran todo lo que escribí fue necesario para que consiguiera desprenderme de mí misma y pudiera nacer este texto.
En breve lo ponemos en pie. He dejado mis palabras en manos de Xavier Puchades, porque sé que las va a cuidar como si fueran suyas. Y me he rodeado de un equipo artístico maravilloso. No sé cómo será, pero confío en su melodía pausada, modesta, singular y silenciosa.

Materiales

Por último, me gustaría preguntarte sobre tus proyectos hacia el futuro y, especialmente, cómo encaras la escritura para la escena en esta época tan compleja por la crisis del covid-19.
Después de estos meses de encierro, el último trimestre del año se presenta movido, veremos si podemos hacer todo lo programado. Ojalá sí, aunque debo admitir que a veces pienso que deberíamos habernos parado a reflexionar más y a hacer menos, cara al futuro, me refiero. Aunque soy consciente que nos topamos siempre con el mismo muro, tenemos que comer.
Sin embargo, la escritura me ha salvado en el tiempo del confinamiento.
He escrito dos textos en colaboración con dos compañeros.
El primero, junto a Jerónimo Cornelles, lo estrenaremos en el Festival Russafa Escènica, en el CCCC, será el Jardín Escénico. Tiene por título “1 Km2” y es un texto para 12 personajes que reflexiona y habla de lo que hemos vivido. La escritura de este texto me ayudó a comprender y compartir proceso de escritura junto a otro dramaturgo me ayudó a enriquecerme muchísimo.
El segundo, junto a Antonio Lafuente, todavía no tiene fecha de estreno ni canal de representación, pero me permitió estar en presente con alguien. Utilizamos una metodología de trabajo de escritura compartida real, sin pactar nada, con un documento de google compartido. Y el texto fue naciendo. Era como improvisar en escena. En ese momento de pantallas de zoom, de video-llamadas, de no contacto físico y de soledad, la escritura en directo, la voz de los personajes dialogando solos, que iban definiéndose a sí mismos, sus relaciones, su carácter, su situación, incluso su forma física, me permitía vivir una especie de vida real a través de la ficción, más real que la que estábamos viviendo… fue muy extraño y muy mágico, una especie de transmutación, vivir la vida que no podía vivir a través de la escritura. Otra manera de salvarse.
Así que bueno, muchos proyectos en el tintero y en los escenarios. Intentaré hacerlos con mucho amor y con calma, sobre todo con calma.
Eso sí, si algo he aprendido en estos tiempos extraños es cuánto amo mi trabajo. Y cuán necesario es para la sociedad y qué transformador y qué relevante. Por este motivo, lo defenderé con todo mi cuerpo y con toda mi energía.
Gracias por la entrevista, qué bien sienta detenerse y reflexionar.


Talento Creadores: Jacobo Pallarés

JACOBO PALLARÉS.
Talento Creador.es

¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales/escénicas? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Nace de las entrañas. Del deseo. De la crítica. Del compromiso. Del tren. De la lentitud de los trenes. De los paisajes. Del hastío, del spleen. Del dolor. De la lágrima. Del miedo. De la soledad. De la oscuridad. Del abismo. Nace de la tormenta, de la escritura automática. Sobre todo nace de la búsqueda insaciable por querer comprender el mundo.

Me gusta explorar los territorios poéticos, las galerías del alma, la memoria, los desiertos, lo sórdido, el caos.

¿Cómo eso afecta/trabaja en relación con tu labor de gestor cultural/co-director artístico de Espacio Inestable? ¿Crees que la labor en residencia trae frutos en la dramaturgia? ¿Cómo y de qué manera es palpable cuando se muestra en escena? ¿Cómo lo has visto tú?

Afecta a nivel de relato. Lo potencia. Porque crea una dramaturgia, un pensamiento. No soy un gestor técnico aunque también me muevo en esos lares por necesidad del proyecto. soy un gestor artístico, un dramaturgo gestor, un dramaturgista. Por lo que cualquier relato escénico parte de mi pensamiento, de mi actitud frente al mundo. Actitud que no dista de la actitud como gestor artístico.

Las residencias son lugares para explorar. Tanto para los creadores como para los primeros mediadores que somos los responsables de las salas. Los creadores pueden trabajar con tiempo, a partir de un relato inicial que le damos que es una temática que tiene que ver con nuestro pensamiento artístico.

Se nota en escena porque está hecho a fuego lento. El foco está puesto en lo creativo y no en lo exhibitivo. Y eso es un cambio de paradigma en la relación de los espacios con los creadores. así lo veo yo.

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

Cercana podría ser mis orígenes. Mis orígenes salvajes como vorágine, jeremías, fantasías sexuales con Superman… lugares en los que mi dramaturgia se dejaba llevar por la locura creativa y rompía las reglas escritas, la convención, la lógica. Era libre creativamente.

Y ajena, podría ser la subterránea. Me recuerda a esa libertad, a ese caos, a esa poética, a la ruptura y salvajismo. Toda su obra pero en concreto pussy koan.

Gestión y dirección artística del proyecto inestable (tres teatre y teatro inestable desde 1997 hasta 2014. A partir de 2014 codirección, con Maribel Bayona y Rafael Palomares, del Proyecto inestable (teatro de lo inestable, espacio inestable, inestables por la educación, gestora inestable y red escénica).
Co-gestión de la revista teatral acotaciones en la caja negra-red escénica, issn 1695-9485 desde 2000-2011 (25 números en total).
Dirección de la revista acotaciones en la caja negra-red escénica con issn 2386-6152 a partir de 2011 (25 números en total).
Dirección del proyecto europeo “islotes en red” (2011-2013) dentro del programa cultura 2007-2013: proyectos de cooperación línea 1.2.1.
Miembro del Consejo Estatal de la Cultura como representante de la Red de Teatros Alternativos desde 2014.
Dirección del Meeting de Otoño de la IETMValencia 2016. Miembro de la comisión artística de la Programación de los 23 espectáculos para el Meeting, miembro de la comisión de contenidos.
Autor de más de 25 textos dramáticos.
Director de más de 20 espectáculos.

¿Qué puedes contarnos del proceso creativo y de escritura de “Acosos y derribos SL”? ¿Cómo afrontas procesos como este? ¿Cómo afrontarás los del futuro? 

Acosos y derribos tenía mucha presión. Fue una coproducción de la primera edición de las coproducciones públicas. La primera convocatoria después de tiempos oscuros. Y nación con presión y condicionantes. Lo difícil de gestionar un grupo tan amplio, lo difícil de no apartarme de la producción y de la gestión para dejarme llevar exclusivamente por lo creativo. Pero también la magia de los hallazgos en condiciones externas e internas difíciles. El hallazgo de la escritura compartida, de la dirección compartida… el hallazgo como dramaturgo. Lo más interesante para mí, fue el darme cuenta de que no soy director. Entendiendo esto de una manera extraña. No soy director de actores. Soy creador y dramaturgo pero no tengo las herramientas para canalizar toda esta creatividad y visión de la escena a los actores. Por lo menos a los actores creativos. Cuando se trabaja con un guión bastante en blanco y se pide creatividad a todas las partes se deben tener herramientas para canalizarlo. Y yo no las tengo. Las tengo como creador, como dramaturgo y como gestor artístico. Y esto me ha venido de golpe en acosos y derribos sl provocando casi un caos.

Lo nuevo sigue siendo compartido. En la escritura con 8 autores de mi generación que son padres y que hablan a partir de minihistorias de la familia. Algo así como la family cash. Dirección compartida también pero creación y dramaturgia mía.

Pasaste por Creador.es en el año 2014 con Alejandro Tantanian como tutor, ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti? ¿Qué te llevaste de tu paso por Creador.es?

Un lugar de escritura y de pensamiento sobre la dramaturgia textual. Un horizonte de expectativas, un lugar común y propio. Un lugar de comunicación y para compartir y para conectar. Un lugar para probar, para medir, para investigar. Una residencia, vamos.

A mí me aportó un lugar para probar una escritura, una escritura automática. Para darme cuenta de la rareza de mi escritura y de que no soy autor. Autor en el sentido estricto de sentarse a escribir una obra de principio a fin en soledad.

Me lleve la experiencia y las notas de un autor experimentado y consagrado.



Presentación obra literaria de Romina Paula

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Presentación de la obra literaria de Romina Paula

Gabi Ochoa presentó la obra literaria de Romina Paula dentro del marco de CREADOR.ES. El acto, que tuvo lugar en La Cantina de la Off, se convirtió en una charla sobre los procesos creativos entre Ochoa y la dramaturga argentina.

Las publicaciones de la obra de Romina Paula son "¿Vos me querés a mí? (2005), "Agosto" (2009), "Tres obras" (2013) y "Acá todavía" (2016) todas las obras han sido publicadas por Editorial Entropía.

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Masterclass y lectura dramatizada de textos de Jibbe Willems: "Fracasa mejor".

FECHA: Lunes, 12 de septiembre 2016.
HORA: 17:00h.
LUGAR: La Nau, Centro Cultural de la Universidad de Valencia.
Calle de la Universidad, 2. 46003. Valencia.

 

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Marta Buchaca.
Miércoles, 12 de septiembre.
17:00.
Centre Cultural La Nau.
Universitat de València.[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="30px"][vc_wp_posts title="NOTICIAS" number="6"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="15px"][/vc_column][/vc_row]


Todo el tiempo entero. Seminario de Gabriel Ochoa

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Todo el tiempo entero

"Todo el tiempo entero" es el título del seminario impartido por Gabriel Ochoa en la 4ª edición de CREADOR.ES.[/vc_column_text][vc_empty_space height="15px"][vc_row_inner][vc_column_inner][wolf_images_gallery layout="simple" columns="1" ids="4252,4254,4253,4255,4256,4251"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="15px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_gmaps link="#E-8_JTNDaWZyYW1lJTIwc3JjJTNEJTIyaHR0cHMlM0ElMkYlMkZ3d3cuZ29vZ2xlLmNvbSUyRm1hcHMlMkZlbWJlZCUzRnBiJTNEJTIxMW0xOCUyMTFtMTIlMjExbTMlMjExZDMwNzkuODc3NTI0MDE2ODY1NyUyMTJkLTAuMzc0NzkwNDQ4ODAyMzkyMjYlMjEzZDM5LjQ3MjA5NTUyMDM2NzE1JTIxMm0zJTIxMWYwJTIxMmYwJTIxM2YwJTIxM20yJTIxMWkxMDI0JTIxMmk3NjglMjE0ZjEzLjElMjEzbTMlMjExbTIlMjExczB4ZDYwNDhiMzA5YWQ3MmIzJTI1M0EweDcxMWM5NjIyOTMxYjZkMGUlMjEyc0NhcnJlciUyQmRlJTJCbGElMkJVbml2ZXJzaXRhdCUyNTJDJTJCMiUyNTJDJTJCNDYwMDMlMkJWYWwlMjVDMyUyNUE4bmNpYSUyNTJDJTJCVmFsZW5jaWElMjE1ZTAlMjEzbTIlMjExc2VzJTIxMnNlcyUyMTR2MTQ3MzQwNzU2MjI5NiUyMiUyMHdpZHRoJTNEJTIyNjAwJTIyJTIwaGVpZ2h0JTNEJTIyNDUwJTIyJTIwZnJhbWVib3JkZXIlM0QlMjIwJTIyJTIwc3R5bGUlM0QlMjJib3JkZXIlM0EwJTIyJTIwYWxsb3dmdWxsc2NyZWVuJTNFJTNDJTJGaWZyYW1lJTNF"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="30px"][vc_column_text]

Masterclass y lectura dramatizada de textos de Jibbe Willems: "Fracasa mejor".

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HORA: 17:00h.
LUGAR: La Nau, Centro Cultural de la Universidad de Valencia.
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Marta Buchaca.
Miércoles, 12 de septiembre.
17:00.
Centre Cultural La Nau.
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Vídeo "Contenidos CREADOR.ES 2016"

Os presentamos el vídeo "Contenidos CREADOR.ES 2016"; en esta pieza podréis ver en poco más de un minuto el resumen de los contenidos principales de la 4ª Edición de CREADOR.ES residencias teatrales.

Más contenidos que nunca

Esta edición de CREADOR.ES se celebra entre el 5 y el 18 de septiembre en Valencia. Se trata una edición con un mayor y más variado número de actividades respecto a años anteriores. El taller principal correrá a cargo de Romina Paula  "Lo nuevo, lo adecuado, el contexto, el error". El workshop lo imparte Denise Despeyroux y lleva por título "Dramatizar". Gabriel Ochoa y Enrique Herreras ofrecerán seminarios intensivos. Se celebrará un taller de escritura colectiva impartido por 9novenos.

El ciclo de masterclass (abierto a todo el público) y está compuesto por: Francesc Sanguino, Paco Romeu, Marta Buchaca, Jibbe Willems, Pablo Remón. Las masterclass tendrán lugar en el centro cultural La Nau de la Universidad de Valencia.

Se celebrarán las semifinales y final del I Torneo de dramaturgia CREADOR.ES que contará con las obras de Juli Disla, Maribel Bayona, Víctor Sánchez Rodríguez y Puy Navarro y las actuaciones de Carles Sanjaime, Inma Sancho, Nelo Gómez y Empar Canet. No hay que olvidar que en esta competición es el público asistente el que elige las obras ganadoras.

Además, dentro del marco de CREADOR.ES, se celebrarán la presentación de un libro de Romina Paula, se asistirán a espectáculos de Russafa Escènica, se producirá la presentación nacional de la web contexto teatral, Russafa Creativa, mesas redondas, etc.

Música: Soledad Vélez. Disco "Dance and Hunt" (2016) Subterfuge Records.
Diseño: Alex Benavent.
Producción de vídeo: mementoNET.

 


Talento Creadores: Laura Rubio Galletero

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Talento Creadores: Laura Rubio Galletero

Laura Rubio Galletero. Dramaturga, dramaturga, dramaturga. No porque sea lo único que sepa hacer (ese tópico estupendo) hago muchas otras cosas, desde subirme a un escenario a bailar, impartir clases o aceptar los empleos más precarios. Soy dramaturga en esencia y en acto. Darme ese nombre ha supuesto un acto ético en mi vida y una profunda transformación política, entendida como reivindicación de género y  colaborativa.

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¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Escribo para comunicarme. Me recuerdo como una niña terriblemente tímida con un libro en una mano y una libreta en la otra. Tímida fui y sigo siendo, por ello, la escritura permanece conmigo ayudándome a tender puentes hacia los demás. Intuyo que el teatro me llegó cuando necesité que estos puentes fueran más firmes. El paso de la narrativa al teatro fue tan natural como seguir caminando hasta alcanzar la escena. Mis propuestas nacen de la disonancia, algo se enciende de repente en la oscuridad diaria (una carencia, una injusticia, una mentira) y necesito convertirlo en palabra dramática para comprender y compartir.

Exploro lo inexacto y la ausencia, lo que no podemos decir y lo que queremos callar. Por eso mis textos están habitados por mujeres, por locos, por gentes distintas con mucho por contar.

Tu propuesta “Mi agravio mudó mi ser” parte de textos de Ana Caro Mallén, Sor Juana, Alejandra Pizarnik, María de Zayas, Gloria Fuertes. ¿Qué has encontrado en ellas que está en ti? ¿Cómo ha madurado tu escritura en esta búsqueda?

“Mi agravio mudó mi ser” recoge la fábula de “Valor, agravio y mujer” de la dramaturga barroca Ana Caro, en donde Leonor parte de Sevilla a Flandes para vengarse del agravio de Don Juan, dispuesta a matarlo pero preguntándose por una alternativa de vida. Yo también me he convertido de alguna forma en Leonor, porque su pregunta es mía también. Si rechazamos lo que se espera para nosotras, las mujeres, ¿qué opciones tenemos? ¿Cuánto tiempo podemos mantenernos al margen de lo “políticamente correcto”?

El reto ha sido múltiple: por una parte la selección de materiales, quise emplear principalmente voces de escritoras desde el Siglo XVI en adelante, y el proceso de documentación fue agotador y dificultoso porque pese a que nos suenen sus nombres, no contamos con ellas en nuestro imaginario cultural, son invisibles. Luego, el manejo y reescritura del verso tan ajeno a nuestras formas, intercalarlo además con prosa, poesía y danza desde lo dramático, y por último,  afrontar mi yo presente como mujer y autora en estos tiempos de desconcierto emocional. Encontrar en sus voces lo que ya respira en mí, me ha ayudado a fortalecer mi propia voz y madurar en las palabras.

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

Han sido unos meses muy prolíficos, en los que he escrito tres obras largas (dos de ellas en verso) y tres piezas breves. Todas comparten el protagonismo femenino. Ha sido mi personal apuesta en lo que creo: la presencia activa de las mujeres en escena y tras la escena.

Cuesta elegir, ya que forman parte de quien soy actualmente pero quiero destacar una de ellas “El techo de cristal. Anne & Sylvia” una comedia negra, negrísima, con tres personajes de excepción: Anne Sexton, Sylvia Plath y Ted Hughes. Como su título sugiere, partiendo del vínculo entre las poetas Anne y Sylvia he querido explorar el miedo al éxito y la inevitable dualidad vida profesional- vida personal para las mujeres, con todo el sacrificio que conlleva. De nuevo, la palabra y el cuerpo (como única realidad para evitar la muerte) conectan con la raíz de mi escritura.

Además, estamos en proceso de ensayos a las órdenes de Cecilia Geijo con La Pitbull Teatro, para estrenar como tarde, en Septiembre.

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Uno de los textos que desarrollaste en Creadores, “Los perros no van al cielo” se pudo oír en el ciclo de lecturas dramatizadas que organizó SGAE ¿Cómo fue la experiencia de la lectura? ¿Y anteriormente, qué sensaciones te llevaste de la escritura en el taller con Matías Feldman?

La experiencia de “Los perros…” fue increíble. Los textos dramáticos nacen para ser encarnados y pese a tratarse de una lectura, fue planteada desde el principio como un hecho teatral que llevó al equipo a aportar más allá del papel. La apuesta por Leticia Hernández como actriz Down, pero sobre todo como una más en un elenco profesional nos conectó a todos con la esencia del oficio: disciplina y generosidad. Fue un reto que nos mantuvo a la escucha y creo que por eso, funcionó tan bien. Tanto que nos podéis ver de nuevo, con una propuesta escénica distinta el día 28 de Mayo a las 20.30 dentro del Ciclo “Una mirada Diferente” en el Centro Dramático Nacional (CDN). Recuperaremos parte del texto original (adaptado para la lectura de Septiembre) y añadimos nuevos intérpretes sin perder nuestro objetivo: preguntarnos por la libertad sexual de las mujeres Down.

El taller con Matías fue un regalo. Llegó en un momento de mi carrera en la que estaba saliendo del eterno páramo del “soy alumna” donde me preguntaba por mi voz. Matías, de alguna forma, recibió esas inquietudes, las zarandeó y me puso a escribir. Así, sin dudas, escribe para ser. Trajo su método, su experiencia como creador en activo y su mirada libre de prejuicios. Lo recuerdo como una de las vivencias más hermosas de mi vida donde descubrí que no hay que tener miedo a nada, ni siquiera a uno mismo.

Como antigua alumna de Creador.es, ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti? ¿Qué te llevaste de tu paso por Creador.es?

CREADOR.ES te incita a vivir el teatro. Más allá de que te etiquetes de dramaturga, actriz o directora, te convierte en parte de la creación con mil posibilidades expresivas y de investigación. Me aportó entusiasmo y me devolvió la esperanza en hacer teatro desde una posición de creadora aun siendo alumna. Me llevé más ganas de seguir escribiendo, me dio nuevos recursos para ello y contactos maravillosos con algunas personas que admiro profesional y personalmente, como la propia organización de Creador.es.

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner][wolf_video url="https://www.youtube.com/watch?v=8RGqdWWs9J0"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_column_text]“Mi agravio mudó mi ser” estará para empezar, en el espacio de La Escuela de Creación Escénica, los viernes a las 21.30, sábados 20.30  y domingos a las 19 de Mayo (2016).[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_empty_space height="30px"][wolf_single_image image="3438" image_style="shadow"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_column_text]“Los perros no van al cielo” de la Compañía de Creación Escénica, estará el 28 de Mayo a las 20.30 en la Sala Valle Inclán.[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_row_inner][vc_column_inner][vc_empty_space height="10px"][vc_column_text]

WORKSHOP DE DENISE DESPEYROUX

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Fin del plazo de inscripción: 30 de junio (inclusive).
Workshop especialmente dirigido a actores.

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Jordi Casanovas: "Drama = obstáculo x deseo / tiempo disponible".

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Jordi Casanovas: "Drama = obstáculo x deseo / tiempo disponible"

El reconocido dramaturgo Jordi Casanovas fue el último ponente en el ciclo de conferencias celebradas dentro de las actividades de la cuarta edición de las residencias teatrales CREADOR.ES. De aquella masterclass seleccionamos algunas de las ideas más interesantes sobre la creación teatral que aportó Casanovas a los asistentes.

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Me planteé no seguir fórmulas concretas a la hora de escribir teatro.

No hay que tener miedo a escribir muchas obras de teatro o a buscar la obra perfecta. Todas mis obras tienen algo de imperfección, pero no pasa nada.

Para mi escribir es el camino inverso a actuar.

En la escritura hay que improvisar y dejarse llevar.

Hay que defender, crear , entender el pensamiento de todos los personajes. Hay que ser capaz de meterse en la cabeza de todos los personajes y poder defenderlos.

La unidad mínima dramatúrgica es el choque de dos réplicas que generen emoción. Es el átomo inicial del teatro.

Todo personaje debe generar lo que el otro personaje dice, así descubriremos si esa escena nos funciona.

El dramaturgo tiene que estar buscando constantemente la punta a todo.

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La bola de nieve

Usando la Bola de Nieve, para mantener el interés, la resolución del conflicto debe generar obstáculos que superen el conflicto resuelto.

La solución ha de llevar al personaje a una problemática todavía mayor, nunca a una solución porque se acaba la obra.

El drama es igual a: el obstáculo multiplicado por el deseo y partido por el tiempo que se dispone. Si el obstáculo es pequeño el drama también, si el deseo no es intenso no genera emoción. A medida que se cuenta con poco tiempo, se intensifica el drama.

Importante huir de la verbalización de los sentimientos. Hay que generar las imágenes de los sentimientos. Con las palabras somos demasiados racionales.

Si generamos una expectación, hay que cumplirla. No se debe jugar con ella si no se puede contar algo extraordinario.

El espectador va al teatro a ver algo que desconoce o que nunca ha visto.

Las Malas Decisiones: los personajes que toman decisiones aparentemente correctas pero que son malas al final.

Debemos hacer todo lo posible para entender la mala decisión y poder defenderla.

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Dramaturgia vertical /dramaturgia lateral

La dramaturgia vertical es analítica, la dramaturgia lateral es provocativa.

La dramaturgia lateral busca, pero no sabe lo que busca hasta que lo encuentra. Hay que entrenar la mente para detectar la pepita de oro.

La dramaturgia vertical excluye lo que se aleja del conflicto central, la lateral los explora.

Con esta dramaturgia es difícil terminar y entrenar la mente para detectar y unir los hilos importantes de todo lo explorado.

La dramaturgia vertical sigue caminos evidentes, la lateral los menos evidentes.

Intento desechar todas las opciones que el espectador puede esperar para lograr sorprenderlos.

Cuando el público puede jugar para descubrir el camino, es cuando se implica, se interesa en la obra.

Hay que crear una doble tensión: la del drama del personaje y la de la dificultad del espectador para comprender la moral del personaje que está tan alejada de la del espectador/sociedad. El tabú roto.

Hay que entrenar la mirada para saber cuando has acabado una escena.

Es necesario plantearse cuál es la pregunta inicial de la escena. Cuando se responde, se termina la escena.

[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_empty_space height="250px"][wolf_single_image image="3064" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][vc_empty_space height="20px"][wolf_single_image image="3065" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="3068" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="3069" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/1"][vc_column_text]

Obras: hacia adelante / hacia atrás

Las obras se definen en dos tipos: las que avanzan hacia delante, donde un detonante obliga a los personajes a avanzar hasta descubrir quienes son. Lo importante son las acciones y las consecuencias para ver cómo se construye el personaje. Las acciones tienen que estar muy definidas para que no falle la obra, los personajes se definen al final puesto que no saben quien son hasta el final.

Las obras que van hacia atrás, donde un detonante propicia un recorrido a los recuerdos que hace que sean analizados para que los personajes comprendan quienes son. Aquí es esencial que los personajes estén muy bien definidos desde el inicio, puesto que el conflicto ya ha pasado.

Shakespeare, puedo decir, jugaba mucho a la bola de nieve.

Escribo teatro porque puedo cambiar de registro en cada obra.

En el cine, podemos creer que eso que vemos ha pasado, pero en el teatro conseguimos creer que lo que vemos está pasando. En eso el teatro gana por goleada.

Tenemos unos teatros públicos con unos medios impresionantes, pero salirse de la senda que marcan es imposible.

El dramaturgo es muy parecido al actor pero hace el camino inverso: plasma las emociones en texto y el actor saca las emociones del texto.

Lo bueno de que el teatro parezca ser tan poco importante es que podemos hacer lo que queramos.

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NOTICIAS

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Talento Creadores: Manu Valls

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Actor, director, guionista de televisión y dramaturgo. Guionista y director de la serie L’Alqueria blanca. Co-director y co-guionista del largometraje “Faltas leves”. Tras una larga temporada centrado en la dirección y el guión, vuelve a los escenarios como actor en Ártico de Xavo Giménez. Actualmente compagina su presencia como actor en los montajes Margaritte Gautier de Teatro de la Resistencia y Síndrhomo de La teta calva, con L’últim viatge de Cary Grant, un texto propio y compartiendo dirección con Iaia Cárdenas.

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¿Desde dónde nace tu escritura teatral, hay algo que venga de tu faceta interpretativa? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
Para bien o para mal, mi relación con el teatro siempre ha estado vinculada a todo lo que he mamado de niño. Me he criado viendo un montón de cine clásico y esa búsqueda del “final feliz” de las películas antiguas va con casi todo lo que escribo. Me pasa también con la música: el jazz. Hay algo macabro en ello, pero me parece alucinante que música o películas de los años 40, tengan tanta vida, sabiendo que las personas que las hicieron ya no existen. Pelín necrófilo, jaja… He de reconocer que siempre he partido de estructuras e historias más clásicas. De todos modos, intento huir de lo convencional, pero irremediablemente algo queda. De adolescente sí recuerdo como los primeros montajes de Alberola, Nit i dia o Estimada Anuchka, me llevaron a querer escribir. Mi escritura se acerca a la televisión y al cine, que es lo que he mamado, más que al teatro.

En tu trabajo como actor con otros dramaturgos/as, con otros textos, ¿Cómo crees que se desarrolla la dramaturgia en el actor y qué dicen los nuevos creadores en el teatro? ¿Qué te has encontrado?
Como actor, uno siempre se ha de poner al servicio de lo que quieren contar otros. Dentro de la complejidad que entraña crear un personaje, la responsabilidad, a mi entender, recae más en el dramaturgo y en el director. El actor no es más que una pieza en manos de ellos. Desde que volví a la interpretación, tras un paréntesis centrado en la escritura para la televisión, he tenido la suerte de trabajar con gente que considero muy interesante. Los textos de Nacho López Murria y su poética han sido un gustazo. Recientemente Néstor Mir y su El Ring, que surge también de creadores…. He tenido la suerte de trabajar con gente con talento que han hecho que el trabajo con ellos sea muy fácil.
Y luego regalazos como el Síndrhomo de Iaia Cárdenas y la dirección de Xavo Giménez.

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“El último viaje de Cary Grant”, tu nueva obra, nace del taller de Alejandro Tantanian en Creadores del 2014, ¿Qué potenció el tutor, de dónde nace y dónde ha llegado?

La propuesta del taller consistía en arrancar de un material ya escrito y combinarlo con tu propia creación. Yo llevaba ya la idea de una obra y le plantee a Alejandro la posibilidad de basarme en un material muy concreto: Las películas de Cary Grant. Como decía, desde niño el cine clásico me ha marcado mucho. Arranqué la historia sin saber exactamente dónde me iba a llevar. No tenía claro un final, ni siquiera un desarrollo. Tantanian ayudó a enfocar. A eliminar cosas que pudieran despistar y a centrar la historia en un camino concreto. En ningún momento te decía si algo era bueno o no. Un respeto máximo por las intenciones del autor-alumno. Hice una primera versión y la dejé reposar. Al tiempo surgió la posibilidad de ponerlo en escena. Con Iaia Cárdenas en la codirección del montaje, todo ha pegado un giro inesperado. Estuvimos hablando y nos pusimos a trabajar con los actores. Y el texto ha pegado, creo yo, un cambio brutal, y a mejor. La primera escritura fue un trabajo personal. Ésta segunda tiene mucho de trabajo de grupo. De escuchar, de ceder cuando alguna cosa te parece mejor que lo que tú propones. En cierto modo, mi obra ha dejado de ser “mi obra” para ser la obra de Héctor Fuster y Alejandra Mandli (que me acompañan sobre el escenario), Iaia Cárdenas y mía. Estrenamos en breve y tengo muchísimas ganas de enseñar el resultado.

¿Existe alguna escritura propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercano, y por qué? ¿Alguna obra?

Ahora me pillas demasiado obsesionado por nuestro Cary Grant. Me siento muy cercano a lo que escribo porque en esta obra toco cosas que me han afectado personalmente en este último año. Relaciones familiares, el peso del pasado….

En cuánto a la escritura ajena, me gustaría centrarme en lo que se hace aquí. Hay dos personas que para mí están haciendo un trabajo espectacular. Iaia Cárdenas ha participado activamente en reenfocar L’últim viatge de Cary Grant. Como dramaturga y directora me parece algo fuera de serie. Y Xavo Giménez, y sus últimos montajes Penev y, sobretodo Llopis, son algo a tener más que en cuenta. Conozco a Xavo casi desde niños y empezamos en esto del teatro juntos. Ver dónde está ahora a base de curro y talento me parece acojonante.

Tú que eres una creador en tres vertientes (actor, dramaturgo, director), ¿Qué crees que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te has llevado tú de tu paso por Creador.es?

Yo salí del taller de Creador.es con una obra bajo el brazo. A la hora de arrancar un proyecto me considero una persona perezosa. El taller con Tantanian me sirvió de impulso para arrancar la escritura. Siempre he funcionado mejor con presión. Con la ficción para televisión funcionaba así. Has de acabar un guión de 70 páginas en apenas semana y media. Con los talleres ocurre eso. Has de entregar 10 páginas un día y a los dos, otras 10. Te obliga a crearte un hábito. Para un escritor, los hábitos son fundamentales. Lo importante es tener claro lo que quieres contar y “aprovecharte” de la sabiduría de los demás. Tanto Tantanian, como el poder escuchar las opiniones del resto de compañeros-dramaturgos sobre tu trabajo hacen que el paso por CREADOR.ES haya merecido la pena con creces.

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Taller de dramaturgia de Edgar Chías. Día 1.

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Fotografías. Dia 1. Taller de dramaturgia de Edgar Chías.

CREADOR.ES se ha puesto en marcha y ya está funcionando a pleno rendimiento. Primero fue el taller de Eusebio Calonge, ahora, el taller de dramaturgia "El mapa textual: memoria y posibilidad de futuro" dirigido por Edgar Chías. Después de un año de trabajo, muchos meses de incertidumbre y preparación, el autor mexicano está entre nosotros en la 3ª Edición de las Residencias Teatrales CREADOR.ES.

Fiel al estilo de CREADOR.ES el taller no pudo comenzar de otra forma: todos escribiendo. Casi no habían terminado las presentaciones cuando los participantes en el taller ya estaban escribiendo y a partir de ese momento el flujo de trabajo creativo apenas se detuvo (quince minutos para un café) durante las primeras cinco horas.

Autorretrato

La primera propuesta de escritura de Chías fue provocadora y sorprendente: un autorretrato. Con esta petición comenzó el desarrollo práctico del taller. Quince minutos y lectura. A partir de ahí se fueron sucediendo los comentarios, las nuevas propuestas... que completan, amplían, lo ya escrito por cada uno de los dramaturgos...

Muestra de lo que pasó en esa primera sesión os dejamos unas fotografías.

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Talento Creadores: Puy Navarro

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TALENTO CREADOR.

ENTREVISTA A PUY NAVARRO.

Soy valenciana y vivo en NYC desde el 1999. EEUU es donde pago impuestos, y es donde me mantengo más activa políticamente. Como no me dejan votar, pues solo soy residente, no ciudadana, le escribo postales diarias al Presidente Barack Obama, haciéndole preguntas sobre su política interior y exterior. Recibí una carta suya.

¿Desde dónde nace tu escritura teatral, hay algo que venga de tu faceta interpretativa? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
Yo siempre parto desde el personaje, pues siendo actriz es lo que mejor entiendo. Luego busco el conflicto en la escena, a través de las necesidades de cada personaje, y luego me alejo un poco del material, lo releo e intento darme cuenta de qué es lo que he escrito, dónde está la historia.

¿Existe alguna escritura propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercano, y por qué? ¿Alguna obra?
A mi me gusta muchísimo leer. Creo que todo buen escritor es primero un buen lector. Yo me acerqué a la escritura gracias al Máster de Escritura Creativa en NYU, impartido por Muñoz Molina. Leí y escribí cuento corto. Me encanta Alice Munro, Cortázar, Poe, Cheever, Flannery O’Coonor, J.D. Salinger. Yo empecé actuando los clásicos, Shakespeare, Calderón, Lorca. Me gusta mucho la obra de Mayorga y de Sinisterra.

Puy Navarro en Creador.es Residencias Teatrales

En tu trabajo como actriz en Nueva York hay una búsqueda por montar autores españoles contemporáneos, ¿Cómo ve el público neoyorquino nuestro teatro? ¿Qué crees que les puede interesar?
Hace unos años Francisco Reyes y yo creamos unas lecturas de Nueva Dramaturgia Española en el marco del Teatro Stage Fest, que era un festival de teatro Latinoamericano en NY. Fue muy exitoso, pero murió con el festival. Francisco Reyes y yo hemos producido obras de Calderón, Mayorga, Sinisterra, Ariel Dorfman y Antonio Zancada en NYC. (En inglés, español y bilingüe!)

 “Los Klumb”, la obra que editará Episkenion y se presentará en Creadores 2015, es una obra nacida del taller de Alejandro Tantanian en CREADOR.ES del año pasado, ¿Qué potenció el tutor y de dónde nace su historia?
El verano del 2014 fui a una boda a Puerto Rico y acabé rodando un corto en la casa de Henry y Else Klumb. Yo nunca había oído hablar de este arquitecto alemán afincado en Puerto Rico. La casa estaba deshabitada desde el 1984, cuando ambos murieron juntos en un accidente de coche. Durante el rodaje, empecé a hurgar en unas bolsas de basura que contenían papeles y libros enmohecidos y me topé con tres páginas manuscritas (Por Henry o Else), sobre un episodio de enfermedad crítica que uno de los dos había sufrido y ahí empecé la obra.
Trabajar con Tantanian, me encantó, porque siempre te invita a arriesgarte, a no caminar sobre seguro, a dar un salto mortal. Y nunca juzga, al contrario, siempre abre puertas.

Tú que eres una "creador.es" multidisciplinar, ¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo-a, actriz-actor? ¿Qué te has llevado tú de tu paso por Creador.es?
El trabajo en creadores me pareció muy intenso y muy precioso. Se crea una conexión especial con todos los compañeros, que es como una red de seguridad que hace que no tengas miedo a caer, a fracasar. Y cuando ese miedo no está es cuando la creatividad en su estado puro, viene a visitarte.
Me sorprendió encontrar mi lado de dramaturga. Y ahora estoy traduciendo Los Klum, al inglés para poder hacer lecturas, y posiblemente (I wish) presentarla en NYC!

GRACIAS POR TODA VUESTRA LABOR A TODO EL EQUIPO DE CREADORES Y A LA EDITORIAL EPISKENION.

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