Talento creadores: Maribel Bayona

Talento creadores: Maribel Bayona

Conversaciones des-Confinadas

Por Anna Albaladejo
Maribel Bayona (Valencia. 1979) es actriz, dramaturga, y directora de escena. Con una trayectoria liminal entre la palabra y el cuerpo desde su doble titulación en Filología y Arte Dramático que complementa con sus estudios de danza, hasta sus numerosas creaciones desde y para la escena donde integra las escrituras dramáticas y post-dramáticas con la performatividad y el movimiento.
Pero además, Maribel Bayona es una de esas mujeres del teatro contemporáneo catalizadoras de proyectos, como demuestra su participación como co-directora en la sala y compañía Espacio Inestable/Teatro de lo Inestable.
Como autora ha publicado 9 textos y ha escrito otros tantos en solitario o en colectivo, la mayoría de los cuales han sido estrenados como proyectos propios o en colaboración con otras compañías. Le han sido concedidas diversas Ayudas a la Creación del IVC, participó en el I Laboratori d’Escriptura Insula Dramàtaria Josep Lluís Sirera y en 2019 le fue concedida la beca de escritura que ofrece El Pavón Teatro Kamikaze.
Muy cercana desde el inicio al proyecto Creador.es, participa como docente en los laboratorios de dramaturgia para jóvenes de 2017 a 2019 y como alumna, asiste al curso de Santiago Loza en 2017, en el que brota la primera semilla de L’orquestra del silenci, texto que se estrenará el 23 de Octubre de 2020 en La Rambleta (Valencia) y del que nos habla entre otros en la entrevista.
¡Vamos a ella!

Así se radiografía Maribel Bayona como creadora
No soy una autora pura.
Soy una intérprete-autora-gestora cultural.
Me interesan los “lugares entre” o los “no lugares”.
Me interesan los textos dramáticos pero también los materiales dramáticos.
Interrelacionar la cabeza y el cuerpo. La voz y la palabra.

Y esto es lo que conversamos vía on-line durante el mes de julio de 2020

¿Cuando y cómo llegas a la escritura para la escena? Referentes, maestr@s, intercambios, compas de viaje...

Mi primer texto dramático breve lo escribo para la colección “Acotaciones en la caja Negra”, ahora reconvertida en “Red Escénica”. Yo estudiaba entonces Filología Hispánica, me metí en el consejo de redacción de esta revista y decidí participar en la colección de textos breves, cuya temática en ese número era el sexo, un tema sin duda con mucha enjundia.
Gracias a participar con el proyecto de la revista conocí a Jacobo Pallarés, mi compañero y socio de Proyecto Inestable, es decir, que de algún modo podría pensar que ese primer texto me ha traído hasta mi presente, aunque jamás haya habido sexo de por medio.
El texto, que se llamaba “Hueles a cama. Me encanta cuando hueles a cama” lo prologó Alejandro Jornet y se fijó en mi escritura. Así que me propuso participar como autora para dos montajes de cuarto de la ESAD, uno junto a Antonio de Paco y otro junto a Jéssica Belda. El impulso de Alejandro, Toni y Jéssica, fueron sin duda compañeros de viaje creativo y de escritura en esos primeros años y luego han llegado muchos otros. Pero digamos que fue entonces donde se fraguó la metodología de trabajar textos propios, colectivos o individuales para la escena, o a pie de escenario.
Tengo referentes variados, maestros clásicos y contemporáneos, pero quiero citar a los compañeros de viaje con los que he trabajado codo con codo o han acompañado mis procesos de escritura o creación; Jéssica Belda, Toni de Paco, Jacobo Pallarés, Rafa Palomares, Gabriel Ochoa, Jose Banyuls, Pedro Lozano, Anna Albaladejo, Xavier Puchades, Paco Zarzoso, Jerónimo Cornelles.

¿Qué lugar tiene la dramaturgia y escritura dentro de tu práctica artística? ¿Qué relación tienes con otros ámbitos/roles de la escena?

Mi relación con la escritura comienza desde la misma escena, es decir, con esa práctica de escribir para la escena y para mis propios proyectos escénicos o performativos, sola o compartiendo proceso con otros autores. En esta práctica suelo participar también como intérprete o en la dramaturgia del espectáculo y los textos han surgido de la mano del proceso creativo.
En este primer momento me identifiqué mucho con la escritura dentro del marco de la auto-ficción.

Pero también he participado en proyectos por encargo de teatro o danza para otras compañías en los que mi rol era únicamente el de autora o dramaturgista. En ocasiones también se ha asociado este rol al de dirección o ayudante de dirección.

Últimamente y gracias al apoyo de laboratorios de escritura como el de Ínsula Dramatària Josep Lluís Sirera, la beca del Pavón Teatre Kamikaze, El Torneo de Dramaturgia de Creador.es, las Ayudas a la Creación de la Generalitat Valenciana, el proyecto Escena Erasmus, las actividades anuales que propone la Asociación de Escritores de Teatro (AVEET) o Contexto Teatral he escrito textos que no han estado asociados al proceso creativo, sino que han empezado y acabado en mi cabeza y mi ordenador, aunque obviamente son susceptibles de ser representados. Pero el punto de partida ha sido el de la escritura exclusivamente, sin ir de la mano de la práctica escénica.

Revisando cómo he contestado estas dos preguntas me doy cuenta de lo importante que es incentivar la escritura de textos dramáticos desde las instituciones públicas (laboratorios, becas, ayudas) y desde el ámbito privado o asociativo.

Vera en equilibrio(s)

¿Cómo crees que influye en tu escritura el hecho de ser también intérprete? ¿Cómo es esto de interrelacionar cabeza y cuerpo, voz y palabra?
Si entendemos las artes escénicas en general y el teatro en particular como un compendio de prácticas artísticas que se interrelacionan generando un cuerpo artístico colectivo, es decir, una suma de disciplinas, de creadores trabajando juntos, de miradas compartidas, cuantos más campos conozcas, más riqueza y conocimiento tendrás en relación al rol que elijas desempeñar. En este sentido, creo que ser intérprete me ayuda a escribir, me ayuda a pensar que aquello que escribo estará vivo, será encarnado por un cuerpo y por una voz. Aquello del verbo hecho carne. Me ayuda porque he podido experimentarlo, porque intento que aquello que escribo pase también por mi cuerpo y no sólo por mi cabeza. De igual modo que si tuviera nociones musicales seguramente tendría mucho más dominio del ritmo o si fuera artista plástica tendría muy en cuenta el terreno espacial en la construcción de un texto.
Por tanto, sí pienso que me influye tener nociones de interpretación para la construcción textual, aunque vengan desde lugares casi invisibles o intuitivos. Intento tener en cuenta las necesidades de los intérpretes y las reglas de la escena, incluso aunque sea para de-construirlas.
Sin embargo, conozco excelentes autores/as que no son intérpretes y escriben textos brillantes. Así que ese conocimiento no garantiza nada, pero en mi caso, me ayuda.

Espacio(s) de Trabajo

¿Puedes hablarnos de alguno(s) de tus “textos de mesa” y “textos de escena”? ¿Crees que hay diferencia entre ellos?
Creo que ante la pregunta que planteas aparece la eterna cuestión de averiguar qué es exactamente la literatura dramática como género y dónde ubicarla, a caballo entre lo efímero y lo permanente que queda registrado en una publicación, entre el material dramático, performativo, de acción y el terreno textual, entre lo individual de un acto de escritura y lo colectivo de una puesta en escena… hay mucho que reflexionar ahí.
Yo creo que cada una de mis obras es diferente porque tiene puntos de partida diferentes y “pelajes” diferentes. Cada obra ha requerido de un proceso de escritura distinto que se ha ido revelando por sí mismo y ha derivado en un acto de escritura concreto.
Por poner dos ejemplos bien diferenciados te hablaré de “Persona-l”, un solo que hice con mi compañía Teatro de lo Inestable y “L’orquestra del silenci”, la obra que desarrollé para el Laboratorio Insula Dramatària Josep Lluís Sirera.
Persona-l estaba concebida como una pieza performativa que quería abordar el concepto de identidad y los roles de género. El trabajo de escritura empezó en una sala de teatro. Focalicé el concepto de identidad en la mirada sobre el cuerpo y por eso, la escritura comenzó en mi propio cuerpo. Las primeras acciones performativas y dramáticas dieron lugar y espacio a la palabra. El origen de la palabra estuvo en el cuerpo. En este trabajo el concepto de literatura dramática se expandió. El documento que guardo de aquella pieza está lleno de palabras dichas pero también de acciones no dichas, de coreografías de movimientos, imágenes diversas o didascalias que también eran texto dramático, operando al mismo nivel que la palabra.
L’orquestra del silenci, sin embargo, nace en un laboratorio de escritura en el que se ofrece tiempo y espacio a la palabra escrita y a la reflexión. El punto de partida es la imaginación. Sin trabas. También fue un proceso transformador por compartir otras miradas con las compañeras y el tutor. Si la escena o el cuerpo transformaron Persona-l, la interrelación con mis compañeras transformó L’orquestra. Y algo tan sencillo como no tener en cuenta la producción, hizo, por ejemplo que escribiera una obra para siete personajes, cuando hasta ahora mi máximo habían sido cuatro (tenía que producirlas, claro…) Hasta este punto están, al menos en mi caso, interrelacionados texto y escena.
Es decir, que cada nuevo proceso y texto, pienso, debe ser diferente y debe tener sus propias especificidades y reglas, dependiendo del punto de partida, el equipo, el contexto… para que realmente pueda estar vivo, para que pueda ser y revelarse.

Espacio(s) de inspiración

Cuando te has radiografiado como creadora has mencionado tu interés por los “no lugares”, ¿te refieres a esos espacios despojados de identidad e historia de los que hablaba Marc Auge? Puedes hablarnos un poco más de esos “lugares entre” que proponen autores como Pedro Falcato… Te pediría que nos ayudarás a encontrar esos “no lugares” y “lugares entre” en tus obras.
Creo que el teatro es ya en sí mismo un “lugar entre”. Y eso lo convierte en excepcional y maravilloso. Un lugar entre muchos lugares; el de la imaginación, el de la ficción, el de la metáfora, el de la literalidad, el del patio de butacas, el del escenario, el de las bambalinas… Un lugar entre muchos tiempos; el real, el de la ficción, el del espectador, el del intérprete…
Un lugar entre disciplinas artísticas, entre personas, entre convenciones, entre encuentros, entre composiciones, entre recepciones, entre cerebros…
La multiplicidad de “lugares entre” que propone el teatro me fascina y trabajar, o tener en cuenta, todas esas posibilidades cuando escribo, me divierte muchísimo y me conecta con la libertad.
En L’orquestra del silenci la primera acotación de la obra dice: Un lloc enmig del no res. Un lugar en medio de la nada… qué maravilla poder imaginar ese lugar en medio de la nada, qué privilegio intentar concebirlo. Esta es una de las cosas que más me interesa del teatro, su constante provocación e invocación a la imaginación, al juego y sus múltiples “lugares entre”, “lugares imposibles” o “no lugares” que paradójicamente, acaban siendo.

Maribel

Nos hablas de L’Orquestra del Silenci que es precisamente la pieza que vas a estrenar este otoño. Puedes compartirnos algo de su punto de partida, de su transformación en el proceso, de sus pérdidas (que sé que hubo algunas muy mágicas) y de sus hallazgos. ¿Qué intuyes que nos vamos a encontrar cuando vayamos a verla?
L’orquestra del silenci es un texto muy especial para mí, por cómo se desarrolló y por las alegrías que me ha dado a lo largo del tiempo. Empecé a concebirlo en el taller que Santiago Loza impartió en Creador-es, donde nació un boceto y una idea a desarrollar. Un mes después, apareció la primera convocatoria de Ínsula Dramatària Josep Lluís Sirera, presenté este boceto y tuve la suerte de ser seleccionada.
El punto de partida fue el fracaso. Yo arrastraba una temporada en la que me sentía especialmente insatisfecha, laboral y personalmente. Y me preguntaba qué estaba fallando. Al hacerme esta pregunta me di cuenta de que en realidad lo que quería desarrollar era una especie de defensa del fracaso, el fracaso contrapuesto al pretendido éxito que vende el capitalismo más feroz. Quería defender la pausa, la reflexión, el cuidado, la reconquista del tiempo, la modestia o la invisibilidad como modo de vida. Y esa ideología que imagino que yo intentaba conquistar para mí misma estuvo presente en todo el proceso de escritura. Sin embargo, la forma fue cambiante. Empecé escribiendo un texto muy postmoderno y acabé alumbrando, como una vez me dijo una de mis compañeras insulares, el texto más teatral que había hecho nunca. Esto tuvo que ver con la suma de miradas, como te comentaba en la pregunta anterior, las de mis compañeras Begoña, Mafalda, Antonia, María y Laura y la de Paco Zarzoso que nos acompañó a todas en el proceso de escritura.
El texto tuvo un viaje singular y una inflexión que fue transformadora. Se trata de la pérdida de la que hablabas en tu pregunta. Resulta que yo había escrito muchos materiales, un 50% del texto aproximadamente, con un estilo muy postmoderno. La verdad es que no acababa de encontrar el tono, el encaje, pero había trabajado mucho y confiaba en ese material y en encontrar pronto la luz para acabar de componerlo. Pero entonces entraron a robar en mi sala, Espacio Inestable. Y mi ordenador estaba dentro, con su funda. Dentro de la funda tenía también mi copia de seguridad. Me lo robaron todo. Tres meses de trabajo tirados a la basura. Lloré muchísimo. Y el tiempo apremiaba. Intenté reescribir los materiales, pero no funcionaba. Y entonces Paco me dijo que empezara desde cero. Que todo lo que había trabajado estaba, pero que desde su punto de vista no había encontrado todavía el lugar desde el que hablar. Yo le hice caso. Y de repente, apareció la escuela, el profesor, los personajes. Y se escribieron solos, mágicamente. La escuela walseriana que propone L’orquestra va de eso, de la renuncia y de la pérdida. De ser capaz de desprenderse. Creo que me robaran todo lo que escribí fue necesario para que consiguiera desprenderme de mí misma y pudiera nacer este texto.
En breve lo ponemos en pie. He dejado mis palabras en manos de Xavier Puchades, porque sé que las va a cuidar como si fueran suyas. Y me he rodeado de un equipo artístico maravilloso. No sé cómo será, pero confío en su melodía pausada, modesta, singular y silenciosa.

Materiales

Por último, me gustaría preguntarte sobre tus proyectos hacia el futuro y, especialmente, cómo encaras la escritura para la escena en esta época tan compleja por la crisis del covid-19.
Después de estos meses de encierro, el último trimestre del año se presenta movido, veremos si podemos hacer todo lo programado. Ojalá sí, aunque debo admitir que a veces pienso que deberíamos habernos parado a reflexionar más y a hacer menos, cara al futuro, me refiero. Aunque soy consciente que nos topamos siempre con el mismo muro, tenemos que comer.
Sin embargo, la escritura me ha salvado en el tiempo del confinamiento.
He escrito dos textos en colaboración con dos compañeros.
El primero, junto a Jerónimo Cornelles, lo estrenaremos en el Festival Russafa Escènica, en el CCCC, será el Jardín Escénico. Tiene por título “1 Km2” y es un texto para 12 personajes que reflexiona y habla de lo que hemos vivido. La escritura de este texto me ayudó a comprender y compartir proceso de escritura junto a otro dramaturgo me ayudó a enriquecerme muchísimo.
El segundo, junto a Antonio Lafuente, todavía no tiene fecha de estreno ni canal de representación, pero me permitió estar en presente con alguien. Utilizamos una metodología de trabajo de escritura compartida real, sin pactar nada, con un documento de google compartido. Y el texto fue naciendo. Era como improvisar en escena. En ese momento de pantallas de zoom, de video-llamadas, de no contacto físico y de soledad, la escritura en directo, la voz de los personajes dialogando solos, que iban definiéndose a sí mismos, sus relaciones, su carácter, su situación, incluso su forma física, me permitía vivir una especie de vida real a través de la ficción, más real que la que estábamos viviendo… fue muy extraño y muy mágico, una especie de transmutación, vivir la vida que no podía vivir a través de la escritura. Otra manera de salvarse.
Así que bueno, muchos proyectos en el tintero y en los escenarios. Intentaré hacerlos con mucho amor y con calma, sobre todo con calma.
Eso sí, si algo he aprendido en estos tiempos extraños es cuánto amo mi trabajo. Y cuán necesario es para la sociedad y qué transformador y qué relevante. Por este motivo, lo defenderé con todo mi cuerpo y con toda mi energía.
Gracias por la entrevista, qué bien sienta detenerse y reflexionar.


Mucho más sobre Óscar Cornago

Mucho más sobre Óscar Cornago

Óscar Cornago, autor, investigador y divulgador, impartirá una clase magistral que tiene por título “Los laberintos del creador escénico: representación, acción y situación” en Creadores 2020. Hemos hablado con él para conocerlo un poco mejor antes de su clase con nosotros.

Describe tu Máster Class en 5 palabras
HACER, dejar (de) HACER
DECIR, dejar (de) DECIR
PENSAR, dejar (de) PENSAR
O
HACER, dejar de PENSAR
DECIR, dejar de HACER
PENSAR, dejar de DECIR

Una cosa que amas del teatro
La cutrería, el lado casero, cercano, la inmediatez, y la posibilidad de dar la vuelta a todas las funciones, roles y lugares ya conocidos: técnicos, actores, patio de butacas, productor, actor, público, personaje, trama… sin dejar de ser cutres, caseros e inmediatos.

Una cosa que amas menos del teatro
Los programas de mano.
¿Crees que, realmente, la vida post-covid 19 cambiará?
No mucho.
¿Qué libro hay que leerse antes de ir a tu Máster Class?
La vida de las plantas. Una metafísica de la mixtura, de Emanuele Coccia.
¿Cuáles son tus referentes teatrales?
Un bar de pueblo un domingo a medio día.
¿Qué aporta la investigación a las artes escénicas?
Creo que trata de aportar conceptos, clasificaciones, nombrar lo que pasa y dar respuestas, cuando lo que debería aportar son preguntas, líneas de fuga, movimientos, modos para desconocernos.
¿Por qué has elegido la palabra “laberinto”?
Porque te da la posibilidad de perderte.


OSCAR CORNAGO CREADORES 2020

¿Una foto o imagen del lugar en el que realmente te gustaría trabajar?

ÓSCAR CORNAGO-PREFERIDO

¿Una foto de tu lugar de trabajo?

ÓSCAR CORNAGO-TRABAJO


Masterclass en CREADOR.ES 2016

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CREADOR.ES 2016 residencias teatrales cuenta en su cuarta edición con una oferta muy diversa y atractiva de masterclass. El ciclo está compuesto por cuatro sesiones, una de las cuales contará con dos ponentes y otra con una lectura dramatizada. Vayamos por fechas.

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Lunes, 5 de septiembre. Masterclass de Pablo Remón.
Título: "Una palabra vale mil imágenes".

Miércoles, 7 de septiembre. Masterclass de Paco Romeu y Francesc Sanguino.

Título: "Contenedores y contenidos: dónde y cómo conseguir el mejor alojamiento para la creación dramática" por Francesc Sanguino.

Título: "El (pre)texto teatral: autoría, denuncia y militancia" por Paco Romeu.

Lunes, 12 de septiembre. Masterclass de Jibbe Willems.

Título: "Fracasa mejor".

Esta masterclass del autor holandés contará con traducción simultánea de inglés a español.

Esta clase magistral se completará con la lectura dramatizada del texto "Texel/Texas" del propio Jibbe Willems. La lectura será dirigida por Yevgeni Mayorga y contará con los actores Pepe Galotto, Victoria Enguidanos, Sergio Ibanyez, Osiris López y Raquel Ortells.

Miércoles, 14 de septiembreMasterclass de Marta Buchaca.

Título: "La singularidad de lo banal".

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Todas las masterclass

Todas las masterclass serán gratis para los alumnos de la Universitat de València, personal PAS, PDI y los alumnos de CREADOR.ES. Para el resto del público el precio es de 3€. Además la masterclass de Pablo Remón tendrá un precio de 2€ para los asociados a EDAV.

Las masterclass comenzarán a las 17:00 y tendrán lugar en el Centro Cultural La Nau de la Universidad de Valencia.

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CONTENIDOS CREADOR.ES 2016

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Vídeo "Contenidos CREADOR.ES 2016"

Os presentamos el vídeo "Contenidos CREADOR.ES 2016"; en esta pieza podréis ver en poco más de un minuto el resumen de los contenidos principales de la 4ª Edición de CREADOR.ES residencias teatrales.

Más contenidos que nunca

Esta edición de CREADOR.ES se celebra entre el 5 y el 18 de septiembre en Valencia. Se trata una edición con un mayor y más variado número de actividades respecto a años anteriores. El taller principal correrá a cargo de Romina Paula  "Lo nuevo, lo adecuado, el contexto, el error". El workshop lo imparte Denise Despeyroux y lleva por título "Dramatizar". Gabriel Ochoa y Enrique Herreras ofrecerán seminarios intensivos. Se celebrará un taller de escritura colectiva impartido por 9novenos.

El ciclo de masterclass (abierto a todo el público) y está compuesto por: Francesc Sanguino, Paco Romeu, Marta Buchaca, Jibbe Willems, Pablo Remón. Las masterclass tendrán lugar en el centro cultural La Nau de la Universidad de Valencia.

Se celebrarán las semifinales y final del I Torneo de dramaturgia CREADOR.ES que contará con las obras de Juli Disla, Maribel Bayona, Víctor Sánchez Rodríguez y Puy Navarro y las actuaciones de Carles Sanjaime, Inma Sancho, Nelo Gómez y Empar Canet. No hay que olvidar que en esta competición es el público asistente el que elige las obras ganadoras.

Además, dentro del marco de CREADOR.ES, se celebrarán la presentación de un libro de Romina Paula, se asistirán a espectáculos de Russafa Escènica, se producirá la presentación nacional de la web contexto teatral, Russafa Creativa, mesas redondas, etc.

Música: Soledad Vélez. Disco "Dance and Hunt" (2016) Subterfuge Records.
Diseño: Alex Benavent.
Producción de vídeo: mementoNET.

 


Dramaturgos seleccionados para CREADOR.ES 2016

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Os ofrecemos un nuevo vídeo perteneciente a la 4ª edición de CREADOR.ES residencias teatrales; en esta ocasión se trata de presentaros a los dramaturgos seleccionados para participar en esta edición, que se celebra en Valencia del 5 al 18 de septiembre.

Los seleccionados son: Sonia Alejo, Iván Arbildúa, Adrián Bellido, Clara Ceita, Noemi Conesa, Sandra Dominique, Amador Iranzo, Nestor Mir, Gala Montero, Raymundo Nolasco, Mª Ángeles Ortiz, Luis F. Quinteros, Jacobo Roger, Josep M. Teixell y Manu Valls.

Los dramaturgos llegan desde diferentes lugares de España (Madrid, Cataluña, Santander...) de Europa (Alemania) y de América (Argentina y México) con lo que vuelve a formarse un grupo de trabajo diverso y rico en matices unido por su amor al teatro.

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El completísimo programa de CREADOR.ES

El taller principal está dirigido por Romina Paula ("Lo nuevo, lo adecuado, el contexto, el error"). El workshop tiene como profesora a Denise Despeyroux ("Dramatizar"). La serie de masterclass cuenta con Pablo Remón, Jibbe Willems, Marta Buchaca, Francesc Sanguino y Paco Romeu.

Además,  en esta cuarta edición de CREADOR.ES, podremos asistir a las semifinales y final del I Torneo de Dramaturgia CREADOR.ES que contará con las obra de Juli Disla, Maribel Bayona, Víctor Sánchez Rodríguez y Puy Navarro; a espectáculos teatrales, mesas redondas, presentación de libros, etc.

La canción del vídeo es "Nightmare" de Soledad Vélez perteneciente a su disco "Dance and Hunt" (2016, Subterfuge Records").

El diseño gráfico es creación de Alex Benavent y la producción del vídeo de mementoNET.[/vc_column_text][vc_empty_space height="15px"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_row_inner][vc_column_inner][wolf_single_image image="4003" image_style="shadow" link="https://www.youtube.com/channel/UC4Ad8H5VdcTnv7hgAv1Rxtw/videos?flow=grid&view=0&sort=dd" image_size="extra-large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]


Talento Creadores: Nieves Rodríguez

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Talento Creadores: Nieves Rodríguez Rodríguez

"CREADOR.ES es una familia y, como tal, el sentimiento de volver a casa te embriaga cuando llegas a Valencia".

Nieves Rodríguez Rodríguez (Madrid, 1983).  Licenciada en Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Máster en Escritura Creativa por la Universidad Complutense. Actualmente realiza sus estudios de Doctorado en Periodismo en dicha universidad y un Máster en Filosofía Teórica y Práctica en la UNED.

Ha escrito, entre otras piezas,  La tumba de María Zambrano pieza poética en un sueño (Lectura Dramatizada en la Semana Cultural Homenaje a María Zambrano del Ayuntamiento de Vélez-Málaga, 2016) Semillas bajo las uñas (IV Programa de Dramaturgias Actuales del INAEM, 2016), Pigmento (La mujer del monstruo, Festival Frinje, 2015), La araña del cerebro (V Premio de Textos Teatrales Jesús Domínguez, 2014, Primer Acto 347), a (alguien) b (bucea) c (contigo)―breve pieza isotópica― (V  Premio de Dramaturgia La Jarra Azul de Barcelona, 2013 y Festival Internacional de Jóvenes Autores Europeos, 2012). Actualmente ultima dos textos que pronto, espera, verán la luz...

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¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?    

Creo que mis escrituras nacen de la pintura, esa afición que he heredado de mi madre. Necesito garabatear un folio, generar una imagen, para empezar a escribir. Y cuando la tengo siempre asalta la misma pregunta: ¿Cómo decir esto con palabras? ¿Será necesario? Sufro con esos silencios pintados, pero los necesito. Una paradoja que me  motiva y me obliga a seguir indagando en el verbo.  Quizá de ahí nazcan, también, las obsesiones textuales: ficción-realidad; vigilia-sueño; vida-muerte y sus múltiples perspectivas... No sé si son los territorios que me gusta explorar, pero de momento me he movido por ellos  porque me siguen cautivando, generando preguntas...

[/vc_column_text][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="260px"][wolf_single_image image="3232" image_style="shadow" image_size="extra-large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_column_text]

Tu obra “La araña en el cerebro” fue ganadora del V Premio de Textos Teatrales Jesús Domínguez y además de una Lectura Dramatizada se ha puesto recientemente en escena. ¿Cómo han sido estos procesos? ¿Crees que han plasmado el universo entre cotidiano y poético que el texto propone?

También fue publicada en la revista Primer Acto, 347 (Lo pongo además de por la enorme ilusión, por si alguien quisiera leerla). No he sido parte activa de ninguno de los procesos, ni de la Lectura Dramatizada que se hizo en el Teatro Guindalera de Madrid, ni del estreno que ha tenido lugar en días recientes en la RESAD. Sí he estado, sin embargo, en los resultados finales.

En ambos casos el recorrido emocional que propone la obra fue encarnado, sin embargo, los detalles poéticos y el entretejido que propone el texto no han sido en su totalidad explotados. En cualquier caso, puedo decir que los trabajos presentados fueron honestos y cuidadosos.

Aprovecho para anunciar la feliz noticia de que el Director de Escena, Asier Etxaniz, está ensayando la pieza para la Compañía XpontaneouX de Málaga y que esta vez, sí, soy parte activa del proceso. Os lo contaré más adelante...

[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_row_inner][vc_column_inner width="2/3"][vc_column_text]

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? ¿Alguna obra?

A la fuerza me siento cercana a las dos obras que ando escribiendo: Delirios que nació en Creador.es 2015 de la mano de Edgar Chías (una confluencia entre la fotografía y la rapsodia) y Por toda la hermosura (que suena a réquiem europeo) un encargo del director de escena Manuel Báñez.

Pero también me siento cercana a todas las autoras y autores que admiro, que me acompañan, que me cuestionan; pienso ( y no podría citarlas a todas) en Gloria Fuertes, en Ana María Matute, en María Zambrano, en Herta Müller, en Octavio Paz, en Itziar Pascual, en Simone Weil, en Laila Ripoll, en Juan Carlos Onetti... La lista es larga, afortunadamente. ¿Obras? Siento una especial devoción por Ana María Matute, con cualquiera de sus obras me adentro en un universo del que me siento cercana, muy cercana. Un universo literario del que siempre regreso repleta de imágenes... Yo aprendí a leer con ella...

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_empty_space height="200px"][wolf_single_image image="2721" image_style="shadow" image_size="extra-large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_row_inner][vc_column_inner width="2/3"][vc_column_text]

Tu texto “La tumba de María Zambrano” busca la poética de una autora a la que te sientes muy ligada, María Zambrano. Además, se hizo una lectura dramatizada especial. ¿Qué nos puedes contar del texto y de la lectura en el cementerio de Vélez- Málaga?

Este texto fue mi tesina en el Máster Universitario de Escritura Creativa que cursé en la UCM en 2014. Nació en mi corazón allá por el verano de 2012, pero no me atreví a escribir hasta aquel invierno. ¿Cómo darle voz a quien me ha dejado su voz? Nunca he escrito con tanto temblor...

Dos años después, tras un sinfín de revisiones, creí que estaba listo para su lectura. Entré en contacto con Asier Etxaniz (del que os he hablado más arriba), le pasé el texto y pusimos patas arriba el Ayuntamiento de Vélez-Málaga. Esto fue así, tal cual.

¿Cuántas veces habría soñando yo con ofrecerle estas palabras a María Zambrano? ¿Cuántas? Y va la vida y me concede hacerlo. No en un año cualquiera, pues se cumplen los 25 años de la muerte de Zambrano. No en un día cualquiera, pues el día 22 de abril fue el cumpleaños de María.

La lectura se realizó a las 20:58h, hora del crepúsculo bajo una luna llena de luz intensa. La experiencia fue verdaderamente onírica, un ritual en el sentido más ancestral del término. Las palabras fueron acogidas en un paisaje sonoro que tres músicos evocaron. El silencio era tan denso y la emoción del público tan tangible... El hecho de haber podido hacer la lectura en el cementerio, frente a María, ha sido una experiencia inolvidable. Solo lo puedo traducir en llanto, llanto raro, lleno de amor...

La poética y la filosofía de María Zambrano está ligada de una manera radical con la experiencia teatral. Y con este texto (aunque no solo) me propuse llevar su razón poética a la dramaturgia, pero también volcar su fenomenología del sueño a la pieza dramática. Creo que no lo he conseguido plenamente, pero me voy acercando, poquito a poco...

[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/3"][vc_empty_space height="250px"][wolf_single_image image="3390" image_style="shadow"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="200px"][wolf_single_image image="2736" image_style="shadow"][vc_empty_space height="20px"][wolf_single_image image="3230" image_style="shadow"][vc_empty_space height="20px"][wolf_single_image image="2734" image_style="shadow"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_column_text]

Has trabajado tus dramaturgias en una ocasión en CREADOR.ES, ¿Qué crees que aporta CREADOR.ES a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué te aportó a ti? ¿Qué te llevaste de tu paso por CREADOR.ES en su última edición?

CREADOR.ES es una familia y, como tal, el sentimiento de volver a casa te embriaga cuando llegas a Valencia. Sentirse acogida de esa manera facilita la labor artística creo que de manera muy positiva, pues una se siente libre, libre de todo.

Mis compañeras y compañeros vivimos de forma muy intensa la experiencia el año pasado, tanto dentro de las sesiones de trabajo como fuera. Eso hizo que se generaran lazos más allá de lo artístico que hoy perduran. Compartir siempre es una bendición. Y eso lo destaco por encima de todo en estas Residencias que son CREADOR.ES.

Como ya he anunciado, me he llevado, también, la necesidad de escribir un texto que germinó gracias a uno de los ejercicios propuestos por nuestro tutor Edgar Chías. Aprender de él ha supuesto abrir nuevos horizontes, tener ganas de explorarlos y pasar a la acción. ¡Gracias Edgar! ¡Gracias familia!

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WORKSHOP DE DENISE DESPEYROUX

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Fin del plazo de inscripción: 30 de junio (inclusive).
Workshop especialmente dirigido a actores.

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Talento Creadores: Víctor Sánchez Rodríguez

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Talento Creadores: Víctor Sánchez Rodríguez

Soy director de escena y dramaturgo. Dependiendo de la semana, me considero un director que escribe o un dramaturgo que dirige. Normalmente me decanto por la primera definición porque siempre estoy deseando acabar el texto para volver a una sala de ensayo

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¿Desde dónde nace tu escritura, tus propuestas textuales? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?

Mi escritura nació del aburrimiento. Cuando empecé a escribir, recuerdo que las tardes después de clase se me hacían interminables. Después empecé a escribir porque no conseguía muchas de las cosas que deseaba, la adolescencia y todo eso. Escribí también cuando empecé a comprender que este mundo fue y será una porquería ya lo sé en el 506 y en el 2000 también, como dice el tango. Luego también escribí para que me quisieran los demás de alguna manera. Ahora creo que son dos los nervios que tensan mi escritura: por una parte, ahuyentar mis miedos más terribles, por otra, intentar arrojar un poco de luz al momento presente. Arrojar algo de luz para que no te la metan tan doblada.

“Nosotros no nos mataremos con pistolas” está nominado a los Max, y además pasó por CREADOR.ES el año pasado, ¿Cómo ha sido este proceso y salto desde una sala alternativa en Valencia (Sala Ultramar) a Madrid (Lara -no estamos en el Off, estamos en la sala grande- y resto de bolos)? ¿Qué os habéis encontrado en el camino que más te haya llamado la atención?

El proceso... pues ha sido un proceso. Complicado y gratificante, como lo son casi todos. Creo que pasarán los años y me seguiré acordando de todo lo que supusieron las Pistolas, ensayos con legañas, cafeína en vena para aguantar jornadas de más de doce horas, las dos primeras semanas de exhibición en Ultramar, los primeros bolos, las decisiones que tuvimos que tomar... Suerte que cuento con la ayuda de Teresa Juan, alma visible e invisible de la compañía, y de Silvia Valero, que nunca desfallece y es impecable en el escenario y fuera de él.

Hay ciertos montajes que te marcan, que mientras los estás ensayando sabes que serán especiales de alguna manera porque se consigue un entendimiento en lo artístico, se consigue hablar el mismo idioma, bailar la misma música. Si se tiene la suerte de que toda la energía que se puso en los ensayos traspase a los espectadores y tu obra se recuerde con cariño porque para muchos fue, en cierta manera, una catarsis... Eso es una recompensa difícil de olvidar.

Por el camino nos hemos encontrado con muchas voces que, a raíz de la ver la obra, han querido compartir su historia con nosotros. Mucha gente que no conocía me ha escrito y ha compartido conmigo su intimidad y experiencias, algunas muy brutas. La semana pasada un tipo me envío su libro a mi piso, Generación selfie, porque vio la obra y le pareció que había un eco considerable con su investigación. Estos ecos en el público creo que ha sido y será lo mejor que me ha (nos ha) reportado este espectáculo.

También nos hemos encontrado con dificultades que se escapaban de nuestro control. Cuando exhibes tu trabajo en teatros de diferentes tipologías te ves obligado a cambiar y adaptar, a hacer concesiones a la realidad que se impone. Nosotros concebimos las Pistolas como un espectáculo próximo, de cámara o de teatro de formato medio. Ha habido plazas en las que la calidad del trabajo se ha visto repercutida porque el espacio de la representación distaba mucho de ser el ideal. Pero hay que hacerlo igualmente. Al final de la función, el agradecimiento ha sido similar la mayoría de veces. Hay que hacerlo siempre, porque hacer tiene bastante que ver con amar algo (hala!!!!!). Y bueno, la situación económica... para qué comentarla.

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¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, te sientas más cercano, y por qué? ¿Alguna obra?

Acabo de terminar una obra que he estado escribiendo durante un año y medio que es fruto de un viaje a Cusco, Perú.

Cuando salí del hostel bastante céntrico de la ciudad, con bastante mal de altura, sentí un “subidón” bastante grande al mirar a mi alrededor y comprobar, con cierto estupor, que muchos lenguajes se superponían: el lenguaje barroco de la dominación española, la resistencia andina, los estragos de las políticas neoliberales en Latinoamérica, el turismo de masas que todo lo desvirtúa, el amor de algunas parejas de turistas, colonialismo, neocolonialismo.

Todo eso en la Plaza de Armas de la ciudad del Cusco, que es muy parecida a una plaza de Castilla. De repente, fui consciente de que estaba en una ciudad que, en algún momento, fue considerada como parte de España, la capital de una provincia más. Somos consientes de que nuestro país fue imperialista y dominador pero creo que no albergamos una conciencia directa. Tampoco se nos explicó bien en la escuela, donde se pasaba, prácticamente, de los Reyes Católicos a la Guerra de Sucesión entre Austrias y Borbones. De ultramar nadie quería hablarnos, no entraba en los planes de estudio. Nos aprendimos las revoluciones liberales de EEUU y de Francia pero no las de Argentina o Chile.

Y bueno, en realidad la obra es una historia de amor o desamor, pero algo de todo lo comentado anteriormente también late en ella.

En cuanto a obras ajenas, en primer lugar, destaco la de mi compañera Lucía Carballal (pero como veo que la siguiente pregunta me exhorta a hablar de nuestra relación, luego lo explico en detalle). Por otro lado, no sé si me siento cercano pero me inspira mucho y he aprendido de la obra de Romina Paula (sobre todo Fauna), Guillermo Calderón (sobre todo Neva y Villa), Rafael Spregelburd, Alfredo Sanzol y Paco Zarzoso. Comento los que me han influenciado en los últimos años por no hacer la lista mucho más prolija.

En junio pones en escena en la propuesta del CDN Escritos en escena un texto de Lucía Carballal, con la que habías trabajo en “A España no la va a conocer ni la madre que la parió”, ¿Qué nos puedes adelantar de ella? ¿Qué te une a Lucía y a su dramaturgia como director?

Los Temporales cuenta como un grupo de trabajadores trata de adaptarse a las nuevas condiciones laborales de su empresa a través de la intervención de un coach. La intención de Lucía, creo que no me equivoco, es mostrar la ambigüedad ideológica que existe detrás de muchos nuevos gurús y de cierta literatura de autoayuda cuya finalidad es dudosa: bajo la premisa de ayudarte a cambiar tu vida en realidad intentan convencerte de que no hay otra “realidad” que la que impone el liberalismo económico y la globalización.

A Lucía me une una amistad muy profunda y, por lo tanto, una gran comprensión de su universo fruto de años de relación (muchos cafés, muchos cigarros). Creo que esto es importante. Cuando encuentras a alguien con el que te entiendes artísticamente se forma una especie de matrimonio. Para que esta unión se dé debe de existir cierta admiración por el otro.

De su dramaturgia me seduce su preocupación por el presente. Lucía es una dramaturga que cree en el poder (y deber) ético que tiene nuestro oficio. Eso me seduce de ella. A parte es una buena brújula en los procesos. Y una persona con una ética inquebrantable. De su estilo, admiro su contención y la manera que tiene de hilar fino; su economía expresiva.

 

[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="3021" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="3020" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/1"][vc_column_text]

Conoces CREADOR.ES por tu paso en la segunda edición en una mesa redonda y el tercer año por las funciones de “Nosotros no nos mataremos con pistolas”. Además eres “hijo” de Panorama Sur, propuesta similar a CREADOR.ES en Buenos Aires. ¿Qué crees que aporta CREADOR.ES a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz/­actor? ¿Qué te aportó a ti Panorama Sur? ¿Qué te llevaste de tu paso por CREADOR.ES en estas ediciones y que crees que se pueden llevar los alumnos de la cuarta edición?

De Panorama Sur me quedo con toda la gente que conocí, muchos son familia ya, y el respeto que se dio a las poéticas de cada cual en las clases con Alejandro. Quiero resaltar eso de Tantanian, el respeto hacia los demás que impone en sus clases. “Lo que tú piensas sobre la obra de él quizás a él no le sirva de nada”, o algo así dijo el primer día y yo me lo grabé a fuego. Creo que he aprendido mucho más intentando asomarme a la obra de mis colegas desde ese respeto y ganas de comprender al otro, de intentar ponerme en su lugar de verdad aunque sepa de antemano que de "verdadverdad" jamás voy a conseguir estar.

Creo que CREADOR.ES facilita ENCUENTROS, y eso es de lo mejor del teatro. Así que sobran más motivos.[/vc_column_text][vc_separator align="align_center" width="100%" alignment="center" color="#23a500" margin_top="10px" margin_bottom="10px"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_column_text]Nosotros no nos mataremos con pistolas

Abril

8/ Quart
9/ Catarroja
10/ Sollana
15/ Almoradí
22/ Alcúdia
29/ Almussafes

Junio

3 y 4/ Málaga
23/ Alzira[/vc_column_text][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_column_text]
[/vc_column_text][vc_column_text]A España no la va a conocer ni la madre que la parió

Abril

1/ Sagunt

Mayo

Del 4 al 29 en Teatro del Barrio (Madrid)

Septiembre

Del 31 de agosto al 25 de septiembre en el Teatre Talia (Valencia)[/vc_column_text][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_separator align="align_center" width="100%" alignment="center" margin_top="20px" margin_bottom="20px" color="#2aaa00"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="60px"][wolf_single_image image="2467" alignment="center" image_style="default" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_wp_posts show_date="" title="ENTRADAS RECIENTES" number="8"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]


Talento Creadores: Caterva Teatre

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Caterva Teatre nace en 2012, de la necesidad de 3 compañeros de estudios de interpretación, necesidad de hacer, crear y encontrar un lenguaje teatral propio. Trabajando contra las adversidades y, paradójicamente, gracias a ellas, aprendemos que la cercanía con el público y verdad son nuestro territorio de creación y exploración. Tras varios trabajos con autores británicos contemporáneos y un texto encargado a Gabi Ochoa que finalmente se convierte en “Deseo y placer” en 2014/15, en junio del 2014 nos decidimos a crear nuestro primer montaje de creación propia, “Paciente”, un texto de Robert de la Fuente en el que vuelca su vivencia personal para afrontar un tema muy actual y cercano como es la dependencia de las personas. Lo que nació como una propuesta de 20 minutos para el festival Russafa Escènica, acaba convirtiéndose, año y medio después, en un montaje honesto y sincero con el cual nos presentamos como creadores que tras cinco años de andadura han encontrado su lenguaje teatral; directo, sin edulcorantes y verdadero.

[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][vc_column_text]

¿Desde dónde nacen las propuestas teatrales de Caterva, hay algo de vuestra faceta interpretativa? ¿Qué territorio(s) os gusta explorar?

Nacen de la necesidad de contar aquello que a veces duele oír y ver, pero que tal vez por ello necesita una voz. Nace del vértigo que provoca en el actor enfrentarse a un texto con situaciones límite, o conflictos que piden de ti, como actor y director, un extra de verdad y emoción. Sobre todo buscamos que el espectador tome partido, hacerlo pensar y meterse en el drama y en la piel de los personajes como lo hacemos nosotros. Buscamos que el público salga de una de nuestras funciones planteándose qué habría hecho él en la situación de los personajes.

Solemos investigar en las relaciones humanas llevándolas a territorios hostiles. Intentado mostrar aquellas cosas que suelen quedar atrapadas entre las paredes de una casa, pero nosotros le prendemos fuego a la casa para que salgan fuera y se enfrente al resto del mundo. Buscamos llegar a la verdad, sin juicios de valor ni posiciones y así poder ofrecer que el público se pueda reconocer en nuestros personajes e historias. Que tomen partido.

En vuestro trabajo como actores con otros dramaturgos/as, con otros textos ¿cómo creéis que se desarrolla la dramaturgia en el actor y qué dicen los nuevos creadores en el teatro? ¿Qué os habéis encontrado?

En Caterva somos principalmente tres actores, convertidos por el tiempo y las circunstancias en directores, dramaturgos, productores, etc. Pero partimos siempre del actor creador, del actor que propone y a través del análisis y estudio del personaje y ayuda a completar la dramaturgia con un punto de vista más íntimo del personaje. En las dramaturgias actuales, independientemente del lenguaje, encontramos que hay un claro reflejo del terremoto social que vivimos, un espejo de actualidad que obliga al espectador a enfrentarse a la realidad, o al menos, pensar en ella. Dramaturgos que apuestan por un teatro de contenido más político y social, que te provocan a tomar partido. Es muy necesario esta labor del teatro, que el público pueda también ver sobre las tablas un reflejo de su tiempo y el teatro como medio divulgador y didáctico de una generación tiene la obligación de ofrecer esta lección, de mejorar y enseñar a la sociedad.

[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2964" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="80px"][wolf_single_image image="2965" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_column_text]

Paciente”, vuestra nueva obra, nace de un proceso de tres piezas que hemos ido yendo en festivales, vuestro espacio, etc. ¿Cómo llegáis a ese proceso? ¿Cómo es la relación con el material, que es realidad que conocéis de primera mano?

Llegamos al descubrir que teníamos que parar, y tomarnos el tiempo necesario para levantar un proyecto desde cero. El inicio viene dado por la propuesta que Robert de la Fuente escribe para Russafa Escènica, al comenzar el trabajo nos damos cuenta que hay mucho material para trabajar y que podemos contar algo mas. Para poder desarrollar el proyecto de manera viable, económica y temporalmente decidimos construir tres piezas e ir mostrándolas en nuestro espacio durante el 2015. Al final del proceso nos encontramos con un montaje en el que llevamos trabajando más de año y medio, que supone una nueva etapa y que consideramos es nuestra producción mas personal y directa.

"Paciente" parte de un hecho real, eso es algo que siempre hemos tenido en cuenta para tratarlo con mucho cariño y respeto. Cierto es que durante el proceso hemos ido tomando perspectiva del hecho real, para centrarnos más en la historia familiar, la dependencia y la carga que soportan los protagonistas de "Paciente".

¿Existe alguna obra propia o ajena de la que, actualmente, os sintáis más cercanos, y por qué? ¿Alguna obra?

Tal vez nuestra referencia como compañía mas directa sea el trabajo de El Pont Flontant, los admiramos mucho como compañía y compañeros. “Com a pedres” es seguramente la producción que mas nos ha marcado. Nosotros trabajamos lenguajes distintos y aún tenemos que madurar nuestro teatro, pero tenemos claro que de mayores queremos ser como el Pont flotant.

Vosotros que sois creadores en tres vertientes (actores, dramaturgos, directores), ¿Qué creéis que aporta Creador.es a la formación del creador/a, dramaturgo/a, actriz-actor? ¿Qué os llevasteis vosotros de vuestro paso por Creador.es en la primera edición, donde pudimos ver “Transacción/es”?

La carrera del creador tiene que estar en constante formación, Creador.es es un punto de encuentro inmejorable entre creadores. Tener la oportunidad de establecer contacto con otros creadores de España e Iberoamérica es esencial para conocer y aprender nuevos puntos de vista y lenguajes teatrales. Si además a eso le sumas la situación cultural actual, en la que cuesta tanto llegar y donde tienes que ser todos los personajes de una compañía; actor, director, dramaturgo, productor, distribuidor, etc. Conocer el estado del teatro en otros sitios y establecer puentes y colaboraciones es muy importante.

Para nosotros poder recibir en el salón de nuestro primer Espacio Invisible a la primera hornada de Creador.es fue toda una oportunidad, ya que nos dio entre otras cosas la oportunidad de reponer la función y poder mostrarla frente a compañeros, que difícilmente podrían haberla visto de otro modo. Ese es otro de los puntos positivos de Creador.es, que apoya a las compañías emergentes y genera la muestra de su trabajo.

"Paciente" se podrá ver en la N3/Espai mutant de Las Naves los días 20 y 21 de febrero a las 20 y 19 horas respectivamente. Las entradas ya están a la venta en Las Naves.

[/vc_column_text][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="20px"][wolf_single_image image="2968" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][vc_empty_space height="20px"][wolf_single_image image="2973" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2969" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="20px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_wp_posts show_date="" number="8"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="70px"][wolf_single_image image="2459" alignment="center" image_style="default" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][/vc_column][/vc_row]


Talento Creadores: Olinda Larralde Ortiz

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TALENTO CREADOR

ENTREVISTA A OLINDA LARRALDE ORTIZ

Actriz, dramaturga y promotora cultural. Mexicana y Holandesa (por naturalización). Habiendo estudiado teatro y dramaturgia en México (UNAM) y actuación en Inglaterra (Bristol Old Vic Theatre School), y debido a su residencia de ya casi diez años en Holanda, ha desarrollado su oficio de manera directa e intensiva a través de tres culturas teatrales diferentes.

Además de su trabajo como actriz en teatro, televisión y (próximamente) cine, Olinda trabaja en la producción de la obra MATERIA PRIMA (de su autoría), y desarrolla el texto de su segunda obra de teatro, ESTELAS of De Overgeblevenen (ESTELAS o Los que quedaron), dentro del programa en Holanda para dramaturgos y directores jóvenes De Tekstsmederij.

Además de estos proyectos, Olinda trabaja desde su asociación de teatro en Holanda para promover el intercambio de las culturas teatrales Holandesa y Mexicana entre sí, y con otras culturas del mundo (recientemente Inglaterra y España).

[/vc_column_text][vc_empty_space height="15px"][wolf_single_image image="2913" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][vc_empty_space height="15px"][vc_column_text]

¿Desde dónde nace tu teatro, tu escritura? ¿Qué territorio(s) te gusta explorar?
El lugar desde el que trabajo ahora se mueve sin duda e inevitablemente a partir de una sensación de desplazo, de extranjería. El deseo por explorar las distancias entre identidad y otredad es absolutamente lo que mueve el contenido, la forma, y la realización de mis actividades teatrales en estos años.
Mi obra MATERIA PRIMA, por ejemplo, es claramente un esfuerzo por acercar y poner a dialogar a mis dos culturas principales: está escrita en dos idiomas (español y holandés) que se entrelazan y tejen juntos una voz y una historia. MATERIA PRIMA se ensayará y presentará en Holanda y en México con actores y equipo creativo de ambos países.
En ESTELAS of De Overgeblevenen (ESTELAS o Los que quedaron), el texto está escrito en holandés e inglés, y plantea como tema central a la imaginación, el amor, el arte y la sexualidad como indispensables para la supervivencia del hombre. La obra aborda estas fuerzas y explora hasta qué punto son esencias renovadoras de vida, por la flexibilidad que generan y que permite el abrazo de la otredad. En pocas palabras, gran parte de lo que propongo con ESTELAS es que la otredad es indispensable para la supervivencia en todos los niveles: espiritual, individual, social y político; y que se alcanza a partir de las fuerzas que menciono (la imaginación y el arte tan necesarias como el amor y la sexualidad).
Por otro lado, hay un factor de gran influencia en todo lo que escribo, que es mi actividad actoral. Cada vez se hace más claro que escribo desde una perspectiva muy cercana a los actores, al escenario, al público, a la experiencia teatral de quienes de hecho estarán ahí al momento de la representación.

¿Existe alguna obra de la que, actualmente, te sientas más cercana, y por qué? (propia o no)
Definitivamente son en este momento MATERIA PRIMA, ESTELAS of De Overgeblevenen, y Seminal (O La Semilla de Edgar Chías) las más cercanas, sencillamente por estar ahora muy activa en torno a ellas.
Hace apenas dos días tuvo lugar la lectura de algunos fragmentos de ESTELAS en Amsterdam; con MATERIA PRIMA estamos por organizar una especie de "pitch" o de "audición" de la obra para teatros en Holanda; y con Seminal estuve dirigiendo la lectura de fragmentos para CREADOR.ES en Valencia, y en Londres con el Instituto de Estudios Mexicanos de la UNAM en King´s College.

Tal vez sea la lectura dramatizada de “La semilla” de Edgar Chías, que pudimos ver en esta edición de Creador.es 2015, fue un trabajo muy interesante con el texto de Edgar, ¿Cómo te planteaste el trabajo con los actores y con el texto tan rico de Edgar Chías? ¿Cómo fue la experiencia en Creador.es?

Empiezo por decir que la experiencia en CREADOR.ES fue hermosa, y que la atesoraré siempre.
Yo no sabía si con cinco días de ensayo y actores que no conocía (CREADOR.ES me propuso trabajar con actores valencianos que invitaron ellos mismos), podría lograr compartir con fluidez las cualidades únicas del texto de Edgar. Estoy muy contenta de haber tomado el riesgo porque los actores que invitaron resultaron ideales. Tuvieron gran apertura y entrega hacia el texto y hacia lo que les propuse explorar, y desde la gran belleza humana y creativa de cada uno, enriquecieron la lectura y la transformaron en una experiencia teatral realmente viva.

Seminal (como muchos o todos los textos de Edgar Chías) apela a la creatividad de los actores de una manera muy activa. Desde la palabra y el estilo, orilla al actor a cambiar constantemente de posición narrativa. Por un lado fuerza al actor a moverse continuamente, por otro lo acerca a una gran libertad de interpretación. Yo quería compartir con el público presente en la lectura un poco de esta gran cualidad del texto, además de por supuesto mostrar los muy relevantes temas que toca Seminal en íntima relación con la forma en la que está escrita.
En Seminal es un coro quien habla al espectador, un canto de resonancias cósmicas que pareciera venir viajando desde el teatro griego, hasta los diálogos más naturalistas de los personajes individuales, y a través de los cuerpos y la voz de los actores. En una sola obra se entrelazan estas tres dimensiones (la de toda la historia de la humanidad, la de la trama de la obra, y la de los actores en escena) en una dinámica lúdica, ágil, líquida, que mantiene a actores y público activamente presentes en la trascendente reflexión central de Seminal: la posibilidad de renacer, de renovar el presente, y de dar intención y curso al futuro.[/vc_column_text][vc_empty_space height="15px"][vc_row_inner][vc_column_inner width="1/2"][vc_empty_space height="40px"][wolf_single_image image="2919" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][vc_empty_space height="15px"][wolf_single_image image="2922" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][vc_column_inner width="1/2"][wolf_single_image image="2903" alignment="center" image_style="shadow" full_size="" link="http://" hover_effect="none" image_size="large"][/vc_column_inner][/vc_row_inner][vc_empty_space height="15px"][vc_column_text]

¿Qué ha supuesto la experiencia de Creador.es? ¿Hay propuestas así en Holanda o México que conozcas? ¿Qué nos puedes recomendar de Holanda, de Amsterdam, que es donde vives, con respecto al teatro?

CREADOR.ES me ha llenado de energía y además me ha expuesto a mucho de lo que se está haciendo en otros países, particularmente en España. Ha sido de gran valor conocer las propuestas de residencias artísticas en Valencia, Madrid y Barcelona, por ejemplo; o conocer el trabajo que está haciendo Jorge Hugo Marín en Bogotá, Colombia, a través de su compañía La Maldita Vanidad. Ha sido interesante saber del trabajo de Puy con Vidal, y conocer algunas de las propuestas teatrales en Valencia que disfruté mucho. Y claro, el principal regalo ha sido poder relacionarme tan activamente con el maravilloso texto de Edgar. Es un trabajo que ha alimentado mi alma y estará presente en todo lo que haga en el futuro.
Creo que la lista de lo bueno que me trajo colaborar con CREADOR.ES es larga, ¡Y eso que me tuve que perder de varias de las actividades y masterclass por estar ensayando y por no estar en Valencia durante todo el festival! Creo que todo esto ya da frutos en mi creación y actividad individual, y que externamente puede desarrollarse más en algún momento, dar otros frutos más. De cierta forma ya los está dando en términos prácticos también pues está la intención de realizar Seminal en Valencia y llevarla a otros países.
CREADOR.ES realmente provoca un movimiento fértil, está lleno de vida.
Con respecto a la pregunta sobre Holanda: hay sin duda algunas propuestas internacionales de creación.
En primer lugar quiero contarles de De Tekstsmederij (que en español significa La Fragua de Textos), que me abrió las puertas como autora y que ha favorecido en gran medida mi actividad en la cultura teatral holandesa. En De Tekstsmederij facilitan la colaboración entre autores y directores jóvenes a través de un proceso de ocho meses para la escritura, y organizando lecturas públicas con actores profesionales para miembros de todos los estratos del quehacer teatral en Holanda (dramaturgistas, casas productoras, directores, compañías grandes y pequeñas). Está ahora en sus planes realizar este proceso con Turquía y junto conmigo lo llevaremos a México. Están interesados en realizar estos intercambios con otros países, ojalá pueda hacerse en España también.
Otra propuesta de creación abierta al ámbito internacional que lleva ya un tiempo es DAS´ARTS. Ahí ofrecen una maestría en creación e investigación teatral que se amolda completa y profundamente a los intereses particulares del artista.
Quizá lo que haya más en Holanda a nivel internacional, sean los festivales para obras teatrales ya montadas. Está Noorderzon en Groningen, por ejemplo, que programa obras de todo el mundo de gran calidad. Es un festival muy interesante, muy atrevido.
Holland Festival es otro festival abierto a montajes internacionales, y por supuesto Fringe, que está en tantas partes del mundo.Y hay que mencionar a Bellevue Theater en Amsterdam, con quien comienzo a colaborar más estrechamente desde hoy, que es uno de los corazones de la cultura teatral holandesa desde hace tiempo, principalmente para creadores teatrales de nuevas propuestas, y que abre cada vez más sus puertas a creadores internacionales.

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Jorge Hugo Marín. Masterclass: "Si tienes una necesidad artística, hazla, realízala"

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"Si tienes una necesidad artística, hazla, realízala. Y punto".
Jorge Hugo Marín. Masterclass CREADOR.ES 2015

El dramaturgo, actor y director colombiano Jorge Hugo Marín ofreció la tercera masterclass del ciclo organizado por CREADOR.ES. Marín aprovechó el encuentro para contar con detalle el nacimiento de la compañía La maldita vanidad y su evolución hasta convertirse en un gran generador cultural en Bogotá.

El dramaturgo de Medellín también explicó cómo se gestaron sus obras y cómo evolucionan según dónde se representen (espacio, país, momento...), debido a las especiales características de piezas como "Cómo quieres que te quiera", "El autor intelectual" o "Los autores materiales".

Colaboración con el CDN

Jorge Hugo Marín fue presentado por Gabriel Ochoa (Director Artístico de CREADOR.ES). Agradeció la colaboración del Centro Dramático Nacional que hizo posible que el autor colombiano pudiera venir a Valencia a impartir la clase magistral; aprovechando su estancia en Madrid donde prepara el estreno en el CDN de su trilogía "Sobre algunos asuntos de familia". La masterclass se desarrollo en su sede habitual, La Nau Cultural de la Universitat de València.

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-Buscando ser actor acabé dirigiendo. Buscando dirigir acabé escribiendo.

-Decidí crear las oportunidades que no hay en Colomia para realizar teatro.

-No quería depender del teatro, empezamos a ensayar en casa.

-Al trabajar en una casa el personaje, el actor, se siente espiado.

-Quitamos las necesidades que considerábamos própias de teatro en el teatro utilizando espacios reales.

-Quitando los elementos que impedían la comunicación veraz y efectiva entre la obra y el espectador.

-El espectador, al observar la obra a través de la ventana, desde un edificio o casa habitado, con sus ruidos e interacciones , se implica rápidamente en la obra.

-No busco que la casa sea siempre igual, cada una es diferente y la dramaturgia también. Lo que sucede en el contexto en el que actuamos modifica la función. La dramaturgia está siempre en evolución.

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Con el microteatro hay un divorcio entre lo que se hace y dónde se está

-En mis obras la vida de los personajes no es la misma al terminar la obra.
-El personaje es como una olla a apresión, todos tienen un momento en el que saben que han de explotar.
-Los actores puedes modificar la obra a diario mientras respeten los puntos de clímax.
-Empleo los espacios para realizar contrastes entre las diferencias sociales del país en el que estemos representando.
-Con el microteatro hay un divorcio entre lo que se hace y dónde se está. Se representa igual que si se estuviera en un teatro.
-Me interesa que asista la gente del barrio, vincularlos con el teatro. No me interesa que vengan los intelectuales.
-Hemos conseguido una movilización de personas a las que no les interesaba el teatro porque lo consideraban algo elitista.
-Si tienes una necesidad artística, hazla, realízala.

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-En Colombia nos criamos con el melodrama de la telenovela. Me lo apropié un poco para trasladarlo al teatro y acercarlo a gente que no se sentía identificada con el teatro clásico.

-Para el espectado, la sensación de estar dentro de la obra es tan intensa, que hemos tenido casos en los que algunos han tenido que abandonar la función porque no lo podían resistir.

-El contexto de Colombia es punto esencial de mi dramaturgia.

-La relación del actor con el espacio, que este le resulte natural, es esencial para que la obra les resulte cómoda.

-Apropiarse de los lugares también conlleva una adaptación, pero hay que saber sacar provecho de las contrariedades modificando la dramaturgia y la actuación.

-La festividad era necesaria para tapar la miseria/tragedia del narco en Medellín.

-Nadie hablaba de la clase media que se blindaba de las tragedias de Colombia, sólo se reflejaba la sociedad des del punto de vista del narco.

-El actor no tiene posibilidad de desmontar el personaje. Está encerrado en un espacio viviendo la obra a tope.

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